Big Black Boat

Memory Lane

2008-02-12T09:45:00.001Z

Não, este blog tal como o conheceram até há cerca de pouco mais de um mês não voltará ao activo, muito provavelmente. No entanto, mudei-me de malas e bagagens para outra casa, que acabou de ser construída. Ela chama-se Memory Lane e em breve terá mais actualizações. Por agoa ficam já com a nova morada. Vemo-nos por lá.

2008-01-02T16:48:00.000Z

Não sei se é um fim definitivo, mas já há alguns meses que sentia esta vontade em fazer uma pausa no blog, mas deixei esperar até ao final do ano para ver se algo mudava. Não mudou, por isso faço uma pausa no blog, indeterminada, pode durar um dia, uma semana, um mês ou pode mesmo nunca mais regressar ao activo. Foram mais de dois anos a dedicar-me a ele, agora é altura para diferentes projectos, para novas ideias florescerem. Obrigado a quem sempre visitou este blog e que ia comentando o que ia escrevendo, aos que não comentavam mas o visitavam. Até um dia.

balanço geral do ano

2008-01-02T16:44:00.000Z

Podem ler no seguinte link um artigo que fiz para o hiddentrack.net onde faço um balanço um pouco mais alargado sobre o que aconteceu no panorama musical em 2007. Aqui - http://www.hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=255

Cinema 2007

2007-12-30T00:34:00.000Z

Eu sei que 99% das vezes falo de música, mas o cinema é também uma paixão que de ano para ano se intensifica e assim me obriga a ir mais ao cinema, a ver mais DVDs, a ler mais sobre o assunto. Por isso mesmo deixo aqui uma lista dos filmes que mais me marcaram em 2007, apesar de saber que provavelmente não vi filmes suficientes para fazer uma lista, mas não faz mal, não nos devemos levar demasiado a sério. São 9 filmes, podiam ser 10 e ficar mais bonito, mas depois tinha que pôr outros e então ficou assim:

1. "Control", Anton Corbijn

2. "Shortbus", John Cameron Mitchell

3. "Superbad", Greg Motolla

4. "Eastern Promises", David Croonberg

5. "Mysterious Skin", Gregg Araki

6. "American Gangster", Ridley Scott

7. "Planet Terror", Robert Rodriguez

8. "The Bubble", Eytan Fox

9. "Zodiac", David Fincher

Dance Club Janeiro

2007-12-30T00:14:00.000Z

Desde o passado dia 24 de Dezembro que já está nas bancas de todo o país a edição de Janeiro da Dance Club. Neste número da revista podem encontrar da minha autoria entrevistas a Sébastien Léger, Pedro Diaz, Expander sobre os 6 anos da Sonic Culture e ao Pinkboy. Além das entrevistas poderão ler assinado por mim um artigo sobre Yves Larock, críticas a discos de Burial, Robyn, Duran Duran, Luke Solomon, Damian Marley, Keb Darge & Cut Chemist, entre outros, uma reportagem sobre Pete Tha Zouk nos Açores e a final do concurso de DJs que lá se realizou, várias notícias, o guia de estreias de cinema do mês e a agenda. Pela restante redacção da Dance Club de destacar o artigo sobre DJ Overule, que dá capa a esta edição, mas também artigos sobre os Soulwax, The Johnways e, claro, as listas dos melhores álbuns, singles e compilações que toda a redacção da revista escolheu. Com a compra da revista recebem um CD grátis que incluí a música de que se fala na revista, incluindo um tema de Gui Boratto, um vídeo com a entrevista feita a DJ Overule e 10 loops de dubstep para produção. Com esta edição por mais 10€ podem adquirir o CD Kaos One Hundred.

Top 10 hiddentrack.net

2007-12-30T00:09:00.000Z

Como bons melómanos que somos, também o hiddentrack.net recolheu as suas escolhas de melhores álbuns do ano entre os vários redactores do site e a partir daí criou o seu top 10. Podem aceder ao top com informações mais detalhadas sobre cada álbum e também com as listas individuais de cada colaborador quanto aos seus álbuns, concertos e canções preferidos do ano no seguinte link - http://hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=253.

Os Melhores de 2007

2007-12-22T18:32:00.000Z

2007 foi um ano repleto de boa edições. De Janeiro até Novembro o Sound of Silver dos LCD Soundsystem não encontrou rival, até que Burial aparece de rompante e revela-se uma vez mais genial. Não há ninguém a fazer música assim. Em 2007 M.I.A. obrigou toda a gente a mexer o rabo ao som de galinhas, tiros e Bollywood, os Battles traçam o futuro do rock, que apesar de moribundo, ainda vai trazendo algumas boas surpresas, como os No Age e os Deerhunter. 2007 foi o ano do regresso dos Wu-Tang Clan com um excelente 8 Diagrams. Este foi um ano em que não vimos novos valores no hip hop internacional, mas os antigos continuaram em boa forma: Jay-Z, Kanye West, Dizzee Rascal, UGK (que sofreram a perda irrecuperável de Pimp C). Em 2007 a música POP continua a marcar pontos com grandes singles de Justice, Girls Aloud, Rihanna, Britney Spears e Avril Lavigne (sim, o "Girlfriend"). Este também foi o ano em que o techno voltou a olhar para o futuro, graças a nomes como The Field, Matthew Dear (ou False), Pantha Du Prince e sempre Ricardo Villalobos, enquanto que o “french touch” voltou a estar na berra, muito pelo excelente trabalho desenvolvido pela Ed Banger e os Justice, mas levando esse toque francês a outras paragens. 2007 foi ano em que os Radiohead revolucionaram o modo como se disponibiliza música, dando pistas para o que as editoras terão que apostar no futuro.

1. Burial - Untrue. Untrue é um disco rodeado de vozes fantasmagóricas, imperceptíveis de se descobrir de onde vêm e para onde vão, misteriosas como noites vividas em lugares recônditos, naturais de cavernas urbanas. No entanto, são estas vozes que emocionam, que atingem em cheio o ouvinte e o deixam envolto em nuvens de fumo que penetram pela mente e a absorvem por completo.

2. LCD Soundsystem - Sound of Silver. A música é o passado, o presente e o futuro. James Murphy sabe-o melhor que ninguém. Sound of Silver é a perfeição entre estes espaços temporais.

3. Panda Bear - Person Pitch. Person Pitch é uma obra magna, com canções onde as ideias se atropelam umas nas outras, onde a riqueza melódica é imensa. Panda Bear mostrou-nos como é mais que possível criar algo de novo e fascinante com base nas musicas de outrem.

4. M.I.A. - Kala. Pop urbana que junta em si linguagens musicais de regiões muito específicas, das periferias das grandes cidades deste mundo, e alinhando-as com electrónicas várias e uma sensibilidade pop, faz deste Kala um dos registos mais excitantes de 2007. Desde ritmos latinos, a africanos, indianos, com formas musicas mais ocidentalizadas, tudo faz sentido e tudo tem um efeito físico impressionante.

5. Battles - Mirrored. Em Mirrored somos engolidos pelo caos sonoro, que é ainda assim muito preciso e do mais surpreendente que há. Como já alguém disse, o futuro do rock passa por aqui.

6. The Field - From Here We Go To Sublime. Ao longo das dez faixas que compõem o disco, a música que se ouve transmite-nos uma dualidade de sensações: por um lado atinge os músculos com eficácia e obriga-os a moverem-se numa pista de dança, no tapete da sala, tanto faz; mas por outro lado empurra-nos para cima do sofá, não querendo quaisquer movimentos físicos, apenas propiciando viagens mentais e uma sensação de plenitude imensa.

7. Jens Lekman - Nightfalls Over Kortedala. As orquestrações estão mais apuradas, cheias de vida e alma, em que violinos e grandes conjuntos de sopros, ora nos colocam num pedestal, ora dançam em tom de baile com o acordeão. Ouve-se pop kitsch que soa fascinante. Pianos, flautas, cordas a conviverem sumptuosamente. As doses presentes de romantismo e drama na música são perfeitas, tal como as que estão presentes nas fantásticas histórias que Jens Lekman vai cantando.

8. Animal Collective - Strawberry Jam. Agora com Strawberry Jam o formato canção é adoptado claramente. Este é o disco em que os Animal Collective definem bem o seu som, aos primeiros segundos de cada música é óbvio que só poderíamos estar a ouvir os Animal Collective e mais nenhuma outra banda. As melodias tomaram conta do grupo, e as brincadeiras que continuam a fazer dentro do formato pop ainda nos fascinam.

9. Justice - †. House metaleiro, Daft Punk com Jackson 5, electro meets rock'n'roll, cabedal, cores berrantes, luzes psicadélicas, pista de dança.

10. Electrelane - No Shouts, No Calls. Em No Shouts, No Calls as Electrelane conseguem conciliar as suas duas vertentes num só disco: a vertente mais pop e a mais experimental, conseguindo ainda assim fazer dele todo um disco coeso, onde tudo faz sentido no exacto lugar em que se ouve. Elas pegam no krautrock e fazem dele algo altamente pessoal, só seu. E ficamos de disco para disco mais viciados e encantados nelas.

11. Beirut - The Flying Club Cup. The Flying Club Cup é um disco de belíssimas orquestrações, onde violinos, conjuntos de sopros, acordeões, se enamoram uns pelos outros, apaixonam-se enquanto bebem um café juntos, desiludem-se mutuamente e nós aqui a assistirmos a tudo isto tão bem coordenado.

12. Dizzee Rascal - Maths + English. Maths + English é o disco mais eclético do rapaz, que já está bem além do que é o grime, e que é o melhor disco de hip hop que se ouviu este ano. Maths + English é soberbo, coeso, inteligente, corrosivo. Não se deixem enganar pelos títulos de algumas canções e deixem-se levar pela rebeldia deste jovem inglês de 22 anos.

13. Kanye West - Graduation. Depois de revisitar a história da música negra norte-americana, agora Kanye encanata-se com a electrónica francesa e repesca-a para o seu estilo de hip hop já único e inconfundível.

14. Jay-Z - American Gangster. Histórias de uma Nova Iorque em decadência, contadas com a emoção e habilidade que só o Jigga tem. Musicalmente Diddy & The Hitmen injecta-lhe soul clássico, Pharrell rodeia-o de um minimalismo fascinante e Just Blaze prova porque está tão à frente do seu tempo. Hip hop imprescindível.

15. Girls Aloud - Tangled Up. A música pop é um caldeirão para experiências e cruzamentos interessantíssimos e a equipa de produção Xenomania através do novo disco das Girls Aloud estão cá para prová-lo.

16. Rufus Wainwright - Release the Stars. Release the Stars é um disco para os fãs de Rufus Wainwright, que já sabem do que vêm à procura e este entrega-lhes de bandeja e com requinte o que eles já queriam: grandes canções pop ora mais grandiloquentes, ora mais recatadas, sempre dominadas por aquela voz arrebatadora que já lhe conhecemos e uma sensibilidade lírica rara.

17. Matthew Dear - Asa Breed. Se os TV On the Radio fizessem música electrónica com vincos no techno soariam ao que se ouve em Asa Breed. Ao terceiro registo em nome próprio Matthew Dear abre novos horizontes à sua carreira e ilumina-nos caminhos que dantes soavam demasiado difíceis de se desbravarem.

18. !!! - Myth Takes. Novamente os !!! pegam nas suas influências dançantes do pós-punk, mas também do funk e do psicadelismo e casam tudo numa parafernálias de sonoridades dançantes que tornam impossível não dançar ao som de ritmos tão frenéticos.

19. No Age - Weirdo Rippers. O nome do disco não se poderia adequar mais perfeitamente ao que ele tem lá dentro. Este duo americano vai esquartejando estranhamente de música para música partes das sonoridades de bandas Sonic Youth, My Bloody Valentine e claramente Ramones, ou até de mais novatos como os Liars, Animal Collective e Black Dice. Depois de esquartejarem tudo e resumirem a faixas de 2/3 minutos, são-lhes injectada uma jovialidade tal que nos faz imaginar que poderíamos estar a ouvir isto pela primeira vez.

20. Deerhoof - Friend Opportunity. Nos 36 minutos de Friend Opportunity os Deerhoof dão-nos o melhor de si: guitarras rock’n’roll, sintetizadores borbulhantes, melodias catchy, pop-noise à mistura, viagens alucinogénicas pelo mundo dos desenhos animados japoneses.

21. Britney Spears - Blackout. Há por aqui um repescar do electro 80s para a melhor pop 2007, imensos pormenores electrónicos surpreendentes num disco de pop mainstream, com sintetizadores altamente distorcidos e pujantes, vozes robóticas, batidas ferozes, crédito em grande parte das faixas de DanjaHandz, o protegido produtor de Timbaland. Os Daft Punk pairam muito pela produção deste disco.

22. Of Montreal - Hissing Fauna, Are You the Destroyer?. Este não é um disco fácil, vai crescendo com o tempo, mas quando nos conquista, já não conseguimos desligarnos daquela turbulências de sentimentos, fragmantos pop, disco, electro, psicadélicos que fazem a música dos Of Montreal tão maravilhosamente fantasiosa.

23. UGK - Underground Kingz. Num disco duplo a dupla vai desfilando classe hip hop com sopros exuberantes, muita soul e funk, muita alma negra, flows irrepreensíveis que fazem deste disco tão fantástico. Pimp C 4 Ever!

24. Caribou - Andorra. Viagens à pop dos anos 60 só possíveis em pleno 2007, com psicadelismos, jazz, shoegaze, folk e electrónicas diversas convivendo harmoniosamente. A não perder no Santiago Alquimista em Março de 2008.

25. Modest Mouse - We Were Dead Before the Ship Even Sank. Isaac Brock continua a cantar como se tivesse o mundo a despedaçar-se na garganta, as guitarras continuam aos trambolhões umas nas outras por um carrossel de tormentos cantados por Isaac Brock. Mas ao quinto disco apuraram a sensibilidade pop do som da banda, e acredito que muito disto se deve à presença de Johnny Marr.

26. Modeselektor - Happy Birthday!. A dupla alemã regressou em grande numa mescla de hip hop com techno, grime, dubstep, dancehall, ragga, indie pop, encontrando nas músicas periféricas de rua os condimentos mais excitantes para criarem a sua música. E fazem-no muito bem!

27. The Twilight Sad - Fourteen Autumns & Fifteen Winters. Guitarras ruidosas, empoeiradas pelo Outono em que estão imersas, que nos atacam em crescendos épicos e que hipnotizam quando a sombra noise se aproxima...fundido a tudo isto acordeões melancólicos e teatrais, que se agarram desesperadamente à chuva para no final se despedaçarem, apesar de já saberem que tal iria acontecer.

28. Wiley - Playtime is Over. O grande nome do grime retira-se com um disco onde a urgência da sua música e das suas rimas continua avassaladora. Londres dos subúrbios relatada com carisma e pujança, enquanto beats se esfaqueiam e percorrem géneros como o hip hop, drum'n'bass e r'nb moderno.

29. Pantha Du Prince - This Bliss. Trabalhando meticulosamente o panorama techno, Pantha Du Prince neste registo fá-lo conviver com toadas mais ambientais, outras mais cinematográficas, que levam o techno para um futuro desconhecido.

30. Deerhunter - Cryptograms. Numa amálgama de guitarras que aprofundam terrenos pós-punk, shoegaze, noise e experimentais, os Deerhunter com a sua estreia mostram-se um dos novos colectivos do rock que não devem ser esquecidos.

Prémio devia-ter-sido-editado-antes-para-o-ouvir-melhor-e-assim-entrar-no-meu-top:Publiquem nos comentários as vossas listas também!

Melhor de 2007 - Nacional

2007-12-22T13:36:00.001Z

Este ano a música nacional continua quase num marasmo criativo. Foram poucas as edições que realmente despertaram a atenção, por isso vos deixo aqui um top com apenas dez títulos. No entanto, como já se vem a notar há algum tempo, dentro da comunidade mais underground há gente a querer e a fazer algo de estimulante, seja no noise e improvisações várias (como pudemos presenciar em vários nomes que passaram pela festa de Natal da Filho Único ontem na Avenida da Liberdade); seja na pop/rock cantada em português, mas ainda em fase de crescimento, como Os 400 Golpes; nas músicas periféricas com origem africana, como kuduro e kisomba por parte dos N'Gapas e Ritchaz & Kéké ou ainda no hip hop com o surgimento dos Macacos do Chinês, que com as suas fusões de grime, música clássica, tradicional, árabe e tudo o mais tornaram-se sem dúvida alguma a grande revelação do ano.
Pode ser que para o ano alguns destes nomes que estão a desenvolver-se agora venham a brotar boas edições que estimulem a música nacional. Por agora, aqui fica o top 10 deste ano.

1. Old Jerusalem - The Temple Bell. Canções que apaixonam, que entristecem, que se intrometem cuidadosamente nas nossas vidas. Estas são as novas canções de Old Jerusalem em The Temple Bell, um dos maiores talentos nacionais.

2. Bernardo Sassetti - Dúvida (1964). O piano de Bernardo Sassetti vai desfilando notas bastante simples, mas que funcionam na perfeição nos seus diálogos com o silêncio, proporcionando-nos assim ambientes de grande dramatismo que soam aos nossos ouvidos com uma beleza inigualável.

3. Norberto Lobo - Mudar de Bina. A partir do universo musical de Carlos Paredes, Norberto Lobo vai caminhando até à free-folk de John Fahey, criando canções onde sobressai a virtuosidade da guitarra e a beleza que ela proporciona.

4. JP Simões - 1970. Pegando na tradição da bossa nova e na inspiração em músicos como Chico Buarque e João Gilberto, JP Simões constrói canções com uma alma tipicamente portuguesa, com uma melancolia e tristeza acutilantes.

5. Lobster - Sexually Transmitted Electricity. Uma das bandas do circuito noise underground que finalmente editou a sua estreia e assim deu-nos um disco cheio de electricidade, que prova que o rock também pode ser bom quando quem o cria o estica até aos seus limites.

6. DJ Ride - Turntable Food. A partir do gira-discos e da arte de samplagem DJ Ride vai construindo excelentes canções com hip hop dentro, onde o músico explora várias correntes da música negra com mestria e na companhia de talentos como Sam the Kid.

7. David Fonseca - Dreams in Colours. Ao terceiro disco David Fonseca soltou-se de vez e criou o seu melhor disco, mais livre, onde explora novos caminhos dentro da pop sem medos.

8. Cristina Branco - Abril. As canções de Zeca Afonso revisitadas com a beleza, simplicidade e entrega que só Cristina Branco consegue ter.

9. Clã - Cintura. Num registo mais directo do que o anterior Rosa Carne mas ainda assim revelando porque são das melhores bandas pop em Portugal.

10. WrayGunn - Shangri-la. Paulo Furtado e companhia com mais um belo disco de rock'n'roll/gospel excitante.

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Top 14 Singles

2007-12-21T19:04:00.000Z

E mais uma lista para encanto de todos os que gostam destes balanços de final de ano. Este corresponde ao top de singles, que este ano são catorze e não um número múltiplo de 5.

1. Rihanna feat. Jay-Z - "Umbrella". Uma batida capaz de demover montanhas, sintetizadores que ilustram perfeitamente as estrelas cadentes que chovem sobre Rihanna, são sinistros, assumindo diferentes máscaras, mas iluminam tudo o que se lhes atravessa. A linha de baixo que atravessa o refrão é demolidora, faz-nos esstremecer.

2. Justice - "D.A.N.C.E.". A ponte entre os Jackson 5 e os Daft Punk, maquilhando-se com disco-sound, tudo embrulhado numa sensibilidade pop rejuvenescedora. Raios laser, ganga, holofotes, palavras de ordem sem ordem. O mote é "D.A.N.C.E.". Brilhante, no mínimo.

3. LCD Soundsystem - "All My Friends" / "Someone Great". Duas canções arrebatadoras, a primeira com um piano que corre em paralelo com as dúvidas, incertezas que a letra retrata; a segunda por nos encarar com a realidade de forma tão perfeita e dançavel.

4. M.I.A. - "Paper Planes". The Clash meets guns meets cash register.

5. Battles - "Atlas". Um baixo cavernoso em sentido de marcha, guitarras em distorção que injectam na nossa mente e no resto do corpo ácidos hipnotizantes, que nos dão a sensação que estamos a ouvir funk manipulado pela ciência.

6. UGK feat. Outkast - "International Players' Anthem". Questionar a validade dum casamento para um pimp entre vozeirões soul, sopros cheios de alma negro e uma batida nervosa só podiam soar assim tão bem.

7. Panda Bear - "Bro's". Panda Bear quer atingir a perfeição, andando de carrossel, entrando no mundo das histórias de encantar, enquanto vê os carros passarem numa correria.

8. Jay-Z - "Roc Boys (and the winner is...)". O Jigga sempre com classe, rodeados de sopros funk e soul gamourosos, enquanto este versa sobre um american gangster.

9. Mark Ronson - "Stop Me". Como alguém consegue praticamente igualar a cover ao seu original. Daniel Merriweather interpreta na perfeição as letras de Morrissey, numa canção que nos faz descer a uma condição miserável, e ainda assim não conseguimos parar de a ouvir.

10. Avril Lavigne - "Girlfriend". Como uma miúda supra irritante nos consegue conquistar só por um verso: "she's like so whatever..." e assim resumir muita da atitude da pop actual, indo da Paris Hilton à Gwen Stefani, passando por tantas outras. "Girlfriend" devolve-nos a adolescência que gostávamos de ter vivido, ou que talvez tenhamos vivido e da qual sentimos saudades, ou então esse espírito ainda está vivo, não sei mas é por tudo isto (e ainda muito mais) que este se torna um single tão forte.

11. Timbaland feat. Nelly Furtado & Justin Timberlake - "Give It To Me". "Give It To Me" é uma pérola, desde a produção até à letra embranhada em ironia. Cada um dos intervenientes vai atirando farpas aos seus "adversários" com um sarcasmo hilariante. Baixos gordos, um ritmo nervoso e com uma batida irrequieta e psicar o olho ao funk e imensas camadas de sintetizadores, desde os mais Bollywoodianos, aos mais 80's.

12. Kanye West - "Stronger". Kanye West já tinha demonstrado que tinha um conhecimento perfeito das raízes da melhor música negra e transportou-a directamente para o século XXI contextualizando-a com mestria. Agora começa a fazer o mesmo com outros estilos e o resultado não podia ter sido melhor. Vozes robóticas, synth 80s, hip hop 2007.

13. Snoop Dogg - "Sensual Seduction". Voz computorizada movida a hélio, sintetizadores pilhados do disco-sound de finais de 70 e o toque de charme de Snoop. Bizarro e formidável.

14. Britney Spears - "Piece of Me". É o equivalente a uma produção dos Justice para Britney Spears, onde esta aborda com grande sarcasmo e ironia as polémicas da sua vida pessoal. Quase tão boa como o monumento pop que é “Toxic”.

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Top 15 Concertos

2007-12-20T22:43:00.000Z

2007 foi sem dúvida o ano a que fui a mais e bons concertos. Por isso mesmo aqui vos deixo o meu top 15 de concertos do ano:

1. LCD Soundsystem no Festival Super Bock Super Rock. Incontornável é o adjectivo que melhor descreve a actuação de James Murphy e comparsas no segundo dia do Act II do Super Bock Super Rock. Foram os reis da noite.

2. Rufus Wainwright no Coliseu dos Recreios. Já não se fazem artistas assim. Já não há artistas que se mantenham em palco durante quase três horas, sempre em crescendo de qualidade, sempre divertidos, sempre emocionantes. Mas há Rufus Wainwright e o concerto que deu no passado dia 6 de Novembro no Coliseu dos Recreios foi, no mínimo, memorável.

3. Beastie Boys no Festival Alive. Já esperávamos isto há tanto tempo e os três grandes de Nova Iorque superaram em muito as expectativas. Estão velhos mas aguentam-se melhor que muitos novos, e transbordam estilo por todos os lados.

4. Of Montreal no Festival Sudoeste. Um concerto dos Of Montreal é muito mais que ouvir apenas uma banda a tocar os seus temas, é ver um espectáculo com um carácter teatral, que alimenta o nosso imaginário mais surrealista e nos hipnotiza.

5. Panda Bear no B'Leza. Panda Bear provou-nos que não são precisos instrumentos para dar um concerto magnífico, quando o talento ultrapassa tudo isso. Tudo serviu para o músico manipular e fundir, juntamente com a sua voz, que serviu como mais um precioso instrumento.

6. Low no Santiago Alquimista. Poucas palavras foram ditas e também tal não foi necessário. O que se viveu no Santiago Alquimista foi quase uma experiência religiosa entre público e banda, a qual já era há muito esperada, e ainda assim não era de esperar que atingisse níveis tão elevados de contentamento.

7. The Streets no Festival Sudoeste. Com algumas das melhores canções que ouvimos nesta década, uma presença em palco perfeita para concertos e uma entrega de louvar, Mike Skinner com o seu projecto deu um dos grandes concertos do festival.

8. TV On the Radio no Festival Super Bock Super Rock. Ao vivo provaram porque é que são uma das melhores coisas que aconteceu ao rock neste início do século XXI. David Sitek vive para aquela guitarra, Tude Adempipe mostrá-se eléctrico, dança e pula compulsivamente e conquista todos à sua volta, e o Kyp Malone é provavelmente um dos músicos com mais pinta da actualidade.

9. !!! no Coliseu dos Recreios. Para descrever a postura do líder dos !!! é impossível não recorrer ao cliché de “animal de palco”, mas tal assenta que nem uma luva à forma como Nic Offer se comporta. Ele canta e dança desbocadamente ao som do funk psicadélico contaminado de rock dançante, que fizeram o público vibrar intensamente.

10. Joanna Newsom na Aula Magna. O disco «Ys» foi o motivo que trouxe este anjo a Lisboa, que durante uma hora e meia transformou a Aula Magna numa fábula angelical, que percorreu a época medieval e se instalou no século XXI.

11. Matt Elliott no Musicbox. Sempre sozinho em palco, mostrou-se num registo mais despido do que é habitual de se ouvir em disco, mas igualmente genial na sua forma de retratar a sua visão cruel do mundo actual.

12. Akron/Family no Musicbox. A música dos Akron/Family ao vivo eleva os espíritos, enche-nos de felicidade e energia, faz-nos querer aproveitar todos aqueles momentos para sempre.

13. The White Stripes no Festival Alive. Jack White e Meg White dominam o palco sozinhos, dão-nos algum do melhor rock'n'roll que podemos ouvir actualmente e é de espantar o quão bons músicos eles são.

14. I'm From Barcelona no Festival Sudoeste. Durante uma hora regressou-se à infância, fez-se a festa com muitos balões e confettis, fizeram-se palhaçadas sem ninguém se importar minimamente com isso.

15. Patrick Wolf no Festival Sudoeste. Patrick Wolf é um performer, que arrasa com o público, seja pelo seu strip-tease (que por muito pouco não foi integral), seja pela intensidade com que se entrega às canções e aos fãs, o que foi uma preocupação para os seguranças quando o músico se misturou com o público.

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Cristina Branco no S. Luiz: Abril de saias

2007-12-18T01:05:00.000Z

De volta à capital, Cristina Branco apresentou «Abril» e deu provas de que é muito mais que uma fadista. Homenageia Zeca Afonso com uma garra e entrega únicas na música. Abril não é só feito de militares, é feito de saias também.
Perante um Teatro São Luiz muito bem composto, Cristina Branco voltou à sala depois de em Fevereiro lá ter estado no Jardim de Inverno para oito actuações. Agora o motivo do novo espectáculo era o disco «Abril», onde esta faz várias versões de algumas das canções míticas de José Afonso. O jazz é predominante nestas recriações, mas o guitarrista Mário Delgado foi, em certos momentos, dando um toque mais bluesy às canções.
Logo a abrir tivemos uma interpretação de «Menino D`Oiro» irrepreensível, em que a beleza da voz de Cristina Branco todos atinge, não precisando de fazer grandes malabarismos com a sua voz, como fazem outras suas colegas bem mais reputadas no nosso país. Cristina Branco é uma cantora que já vai muito além do fado, e que mesmo noutros terrenos continua a maravilhar-nos e a provar porque é provalmente a maior voz feminina que temos em Portugal nos dias de hoje.
Pode ser um reportório antigo, mas Cristina Branco soube dar às canções um toque seu tão especial, que ainda hoje nos comove.
«Maio Maduro Maio» foi um dos grandes momentos da noite, com um excelente desempenho do baixista Ricardo Moreira. Relembrámos «Redondo Vocábulo», que fez parte também do disco «Ulisses», inicialmente só acompanhada pelo pianista Ricardo Dias, com quem mostrou sempre uma cumplicidade que se reflectiu na interpretação das canções. Pontualmente a cantora ia dando breves explicações sobre as canções, como em «A morte saiu à rua», que no final levou a que alguém no público mostrasse a sua veia revolucionária. No encore «Venham mais cinco» e «Os índios da meia-praia» obrigaram a uma maior intervenção do público, que no final despediu-se da cantora com uma merecida ovação de pé. É de cantoras assim que Portugal precisa.

Publicado no Disco Digital

Esta foto não é representativa do espectáculo do passado dia 17 de Dezembro no São Luiz.

Os Vídeoclips de 2007

2007-12-16T14:58:00.000Z

E agora começo com as listas dos melhores do ano. Sei que ainda vamos a meio do mês de Dezembro, mas achei esta a melhor altura para mostrar aqui uma lista dos vídeoclips que para mim marcaram o ano de 2007. Eles estão organizados apenas alfabeticamente.

Animal Collective - "Peacebone"

Battles - "Atlas"

Battles - "Tonto"

Beirut - "Elephant Gun"

Calvin Harris - "Acceptable in the 80s"

David Fonseca - "Rocket Man"

Dizzee Rascal - "Sirens"

Electrelane - "In Berlin"

Feist - "1 2 3 4"

Feist - "My Moon My Man"

Gui Boratto - "Beautiful Life"

Jay-Z - "Roc Boys (and the winner is)"

Justice - "D.A.N.C.E."

Kanye West - "Good Life"

Kavinsky - "Testarossa Autodrive"

LCD Soundsystem - "Someone Great"

M.I.A. - "Bird Flu"

M.I.A. - "Jimmy"

Of Montreal - "Heimdalsgate Like a Promethean Curse"

Robyn - "Konichiwa Bitches"

Róisín Murphy - "Let Me Know"

Snoop Dogg - "Sensual Seduction"

UGK feat. Outkast - "International Players' Anthem"

como iventar formas de actualizar um blog

2007-12-13T21:56:00.001Z

Sem eles a música seria demasiado pobre.

Gostava de ler artigos tão bons em Portugal

2007-12-10T22:09:00.000Z

"Why Morrissey should be England's new manager" - http://football.guardian.co.uk/comment/story/0,,2225225,00.html.

Clã na Aula Magna: Como no cinema

2007-12-07T19:16:00.000Z

O concerto de ontem à noite tinha tudo para dar certo. Com um bom disco pop já pela estrada, os Clã voltavam à Aula Magna para apresentar o seu «Cintura», perante uma plateia que praticamente encheu o espaço lisboeta e que revelou total devoção às canções do grupo. E no final deu tudo certo.
O motivo deste concerto era mostrar ao público as novas canções de «Cintura» e foi com o tema que abre o disco, «Vamos esta Noite», que os Clã iniciaram o espectáculo, às 22h em ponto como marcado. Com este novo registo os Clã trouxeram também um novo visual, muito elegante por sinal, e como o concerto de ontem à noite era especial, a decoração do palco teve algo de diferente. Aviões de papel suspensos, um parco no chão, os dois teclistas mais o baterista em níveis acima dos restantes membros, e a rodeá-los faixas que anunciam que algo está em construção. No entanto, o espectáculo dos Clã já não está em construção, está pronto a ser desfrutado com a energia e dedicação que eles merecem.
Logo à terceira canção tocam o primeiro single do novo disco, «Tira a teima», que fez soltar Manuela Azevedo em danças eufóricas, mostrando uma cantora que além de excelente intérpetre e de bela voz, é como se diz «um animal de palco», que vive as canções à flor da pele e que por isso não consegue ser indiferente a quem a vê actuar. Não tivemos a presença de Legendary Tiger Man, mas a vocalista empunhou uma mascara de Paulo Furtado para nos lembrarmos da sua presença. Depois houve tempo para regressar ao passado com «GTI», cantada a plena voz com os fãs bem conhecedores de toda a carreira dos Clã. Mas foi o novo disco que foi o mais tocado e se por vezes «Cintura» em disco não se revela ao nível de um «Rosa Carne», ao vivo confirmamos que o novo disco da banda é um disco de palco, onde as canções ganham uma nova vida.
A célebre «H2OMEM» teve direito a coreografias por parte de muitos membros do público, enquanto que «Sopro do Coração» foi memorável no seu intimismo. Com apenas Manuela Azevedo e Hélder Gonçaves em palco e todo o público a cantar a canção de uma ponta a outra, este foi daqueles momentos que não desaparecem. «Topo de Gama» teve um final completamente alucinado, e «Dançar na corda bamba» obrigou toda a plateia a levantar-se e dançar uma boa canção pop. Antes dos encores, Manuela Azevedo despede-se com o barco ao ombro tirando de lá vários aviões de papel que enviava para os fãs. Já nos encores vimos e ouvimos com prazer «Eu Ninguém» numa versão bem mais electrónica, mas muito recomendável, assim como «Problema de Expressão» outra vez cantada em uníssono e «Amigos de quem», que não contou com a presença de Manuel Cruz (ex-Ornatos Violeta) como aconteceu dá última vez que o grupo portuense pisou aquele palco.
Após duas horas sem parar, fecham com um inédito electrizante, sob uma ovação de pé (sendo que não foi a primeira durante a noite) e a deixarem na memoria que ao vivo os Clã são sempre uma experiência a não perder.

Publicado no Disco Digital

Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Louie Louie Lisboa

2007-12-07T19:15:00.000Z

Amanhã a partir das 15h00 estarei a passar música na nova loja de música lisboeta, a Louie Louie Lisboa. Ela fica na Rua Nova da Trindade, a três minutos da Brasileira. Apareçam!

Pimp C R.I.P.

2007-12-04T20:45:00.000Z

Não é brincadeira, Pimp C, a metade dos UGK, foi encontrado morto esta manhã no seu quarto de hotel Los Angeles. Ainda não se sabem quais as causas da morte, mas em breve poderão ter mais informações sobre uma das piores notícias do ano. Podem confirmar aqui: http://www.billboard.com/bbcom/news/article_display.jsp?vnu_content_id=1003680929 ou ler o obituário do Tom Breihan do Village Voice - http://blogs.villagevoice.com/statusainthood/archives/2007/12/pimp_c_is_dead.php
Para homenageá-lo aqui fica um dos vídeos e singles do ano, dum dos melhores álbuns de hip hop do ano, Underground Kingz. O tema chama-se "International Players' Anthem" e conta com a colaboração dos Outkast.

Dance Club

2007-11-30T18:26:00.000Z

Chegamos ao fim do mês e mais uma edição da Dance Club chega às bandas. Na edição de Dezembro temos como capa os Daft Punk, que acabam de editar um excelente disco ao vivo, Alive 2007, e também um filme, Electroma. Quanto a trabalho da minha autoria poderão ler entrevistas que fiz a Samim, Frank Maurel e ao John-E dos Stereo Addiction; artigos sobre o rapper Sanryse e sobre o 15º aniversário da Kaos Records. Em termos de discos poderão ler críticas que fiz aos novos trabalhos de Jay-Z, Róisín Murphy, Kathy Diamond, Macacos do Chinês, Steve Bug, entre outros. Além disto poderão ler também textos meus em relação ao novo DVD dos Scissor Sisters, Hurrah - A Year of Tadah, e também sobre os novos livros de Guillaume Musso e Michele Moran. Nesta edição também poderão ler escrito por mim o guia das estreias de cinema do mês e algumas notícias. Além do meu trabalho, há matérias bem interessantes para ler da autoria da restante redacção, como por exemplo artigos sobre Daft Punk, Slimmy, Bonde do Rolê, Hervé & Sinden, entre outros. Na compra da revista recebem um CD grátis com a música de que fala a revista e recebem também gratuitamente o álbum de estreia de Woman In Panic, Party Killer?!, e por mais 10€ podem adquirir o disco dos D-Generation, From Now On.

Vashti Bunyan - Some Things Just Stick In Your Mind

2007-11-30T11:00:00.000Z

Durante mais de trinta anos Vashti Bunyan esteve desaparecida. Lançou um álbum em 1970, Just Another Diamond Day, e desde aí retirou-se do mundo da música e dedicou-se inteiramente à família. O seu destino poderia ter sido outro e ao ouvirmos esta colecção de singles e demos gravadas por si entre 1964 e 1967, vemos que ela merecia outro tipo de destino, mas a sorte nem sempre calha a todos, como calhou a Marianne Faithful, que teve a sorte que Vashti Bunyan não teve.
Agora podem questionar-se o porquê da inclusão da musa Marianne Faithful. Pois bem, ambas foram encontradas pelo manager dos Rolling Stones da época, Andrew Loog Oldham, e ambas se estrearam com singles escritos por Mick Jagger e Keith Richards. O single de estreia de Marianne Faithful teve sucesso e, como se diz, a partir daí é história. O mesmo não aconteceu com Vashti Bunyan que, com o tema “Some Things Just Stick In Your Mind”, passou ao lado de muito boa gente, sendo desde logo descartada por Oldham.
No entanto, nos últimos anos algo mudou. Vários membros da chamada comunidade freak folk (como Devendra Banhart e Animal Collective) contactaram com a cantora e insistiram de tal forma para que esta voltasse às lides musicais que ela gravou em 2005 Lookaftering e um EP a meias com os Animal Collective. A partir daí. o burburinho em relação a Vashti Bunyan começou a circular rapidamente, o seu primeiro disco mereceu uma adoração por parte de muitos músicos e fãs da nova folk (e não só) e, assim, foi-lhe finalmente dada a oportunidade que devia ter tido há mais de trinta anos atrás.
Depois de Lookaftering, edita agora esta dupla compilação de singles e demos gravados antes do seu disco de estreia e que foram encontrados no sótão do seu irmão, e a verdade é que pérolas não faltam. Para começar, há o já citado single que dá título à compilação, excelente pop com uma voz doce como mel, guitarra folk e sopros e cordas grandiosos, enquanto o piano passeia candidamente. Há canções como “Wishwanderer”, que é dum intimismo arrepiante. “Train Song” é também memorável, sempre com a folk como porta estandarte, mas uma folk quase angelical, serena, que nos aconchega.
Para quem desconhece a carreira desta agora lenda, tem em Some Things Just Stick In Your Mind o perfeito registo para começar a desvendar as suas canções e entregar-se a elas, pois a sua actualidade mantém-se intacta. É por aqui que vemos que há sempre nomes esquecidos do passado que valem sempre a pena descobrir.

A ouvir com especial atenção: "Some Things Just Stick In Your Mind"; "Train Song"; "Wishwanderer"

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Josh Rouse na Aula Magna: Doente passa no teste

2007-11-27T19:45:00.000Z

Ontem à noite Josh Rouse voltou a apresentar-se em Portugal perante uma Aula Magna quase esgotada, o que só vem provar que a sua legião de fãs em Portugal já é bem sólida e que lhe perdoa quaisquer falhas, mesmo que nos últimos anos os seus registos de originais não tenham mantido o nível que nos habituou.
O motivo deste novo concerto em Portugal era o novo disco «Country Mouse City House», e foi com o melhor tema deste disco que Josh Rouse iniciou o espectáculo. Logo ao ouvirmos a muito glam-Bowie «Hollywood Bass Player» pudemos constatar que o público já estava rendido às canções de Josh Rouse, este não precisava de fazer grande coisa para que a plateia o aclamasse, e na verdade não fez.
No entanto não se deixem enganar, o concerto não foi mau, mas também não foi especialmente memorável, talvez porque o norte-americano já anda doente há quatro dias, tendo cancelado nesse dia o showcase que tinha marcado na Fnac do Chiado. Ele próprio, às páginas tantas, chega a pedir desculpas por não estar mais comunicativo, mas a sua legião de fãs perdoa-lhe tudo.
É verdade que desde «Nashville» o músico nunca mais fez um registo realmente notável. Mas foi em «Subtítulo» que o músico se focou ontem à noite, e apesar deste ser provavelmente o seu álbum mais fraco, ao vivo as músicas ganharam uma nova vida que assim não deixaram a mesma sensação quando as ouvimos em disco.
Acompanhado por um baixista (situado no centro do palco, cheio de estilo), um baterista e um teclista (que ocasionalmente tocava guitarra também), inicialmente Josh Rouse foi apresentando as novas canções de «Country Mouse City House», por vezes com algumas desafinações ou pequenas falhas técnicas, mas perdoa-se, pois o músico estava doente e é de notar que fez um esforço para dar o concerto, e nestas condições não se deu nada mal. O público retribui-lhe o esforço com as típicas, e muitas vezes desnecessárias, palmas a acompanharem as canções e com muitos gritos perto da histeria, ora pedindo canções, ora não se percebendo bem porque gritavam.
Mas são as canções de «1972» que ainda estão nos corações dos seus fãs, como nenhum outro disco está. Tal pode-se ver claramente quando começa a cantar «Comeback (Light Therapy)» ou a homónima «1972», duas das canções mais aplaudidas logo aos primeiros acordes. Também houve tempo para recordar o disco «Under Cold Blue Stars» para grande deleite de todos e que só veio provar que Josh Rouse já não mantém este nível de grandes canções há algum tempo.
Acaba obviamente com a grande «Love Vibration», que fez alguns fãs levantarem-se e dançarem, antes de no final se despedirem de Josh Rouse com uma ovação de pé, apesar do músico ter mantido ser uma atitude muito retraída e nunca interpretando nenhuma canção de forma memorável, mas tem desculpa, estava doente, por isso passa no teste.
Na primeira parte esteve Frederico Aubelle, ultrapassando o tempo habitual para uma primeira parte, que com a sua guitarra de ritmos latinos, mas sempre monótona, fez desejar a cada minuto que terminasse a sua actuação o mais breve possível.

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Foto de Tato

Burial - Untrue

2007-11-18T17:57:00.000Z

Dizem que o segundo álbum é sempre o mais difícil, ainda por cima se o primeiro foi muito elogiado pela crítica e fãs. Pois bem, Burial volta a trazer a sua veia genial ao de cima com Untrue, sucessor do seu primeiro disco homónimo, do ano passado. Ao início Burial foi considerado uma das figuras do dubstep, mas se já no primeiro disco ia além dos limites deste estilo, agora segue ainda mais em frente. Isto já não pode ser só dubstep. Untrue regressa claramente ao two-step, um dos pais do dubstep, mas com um toque sombrio e bastante complexo.
Untrue, ao contrário de Burial, é um disco rodeado de vozes fantasmagóricas, imperceptíveis de se descobrir de onde vêm e para onde vão, misteriosas como noites vividas em lugares recônditos, naturais de cavernas urbanas. No entanto, são estas vozes que emocionam, que atingem em cheio o ouvinte e o deixam envolto em nuvens de fumo que penetram pela mente e a absorvem por completo.
Para tal contribuem também os beats com que Burial vai povoando o disco, elementos electrónicos cortados e colados, que se fundem e criam ambientes que extrapolam o dubstep. Respira-se soul (por exemplo em “Archangel”, uma das músicas mais fascinantes do músico), trip-hop, techno minimal (como na faixa que fecha o disco, “Raver”), IDM (“In McDonalds” a vir à memória); sente-se o peso esmagador dos subgraves no corpo.
Os computadores podem não ter alma, mas a música que aqui se ouve tem muito mais alma e intensidade que mil e uma bandas com instrumentos “verdadeiros”. Há quem diga que este é o Blue Lines da actualidade e tal definição não é de todo descabida. Sound of Silver dos LCD Soundsystem foi superado, já temos álbum do ano. (9,5/10)

A ouvir com especial atenção: "Archangel"; "Etched Headplate"; "Raver"

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SpaceVideo: Jay-Z - "Roc Boys (and the winner is)"

2007-11-18T17:30:00.001Z

Foi adicionado no SpaceVideo o novo vídeo de Jay-Z, "Roc Boys (and the winner is)", que lançou muito recentemente um dos melhores discos hip hop do ano, American Gangster, disco inspirado pelo filme que acabou de estrear entre nós e que conta a história de Frank Lucas. No vídeo podem encontrar gente como Nas, Swizz Beatz, Cassie, Just Blaze, entre outros, mas claro, o Jigga continua a ser o rei.

Jens Lekman - Nightfalls Over Kortedala

2007-11-14T21:48:00.000Z

Acreditam que ainda podem existir crooners em pleno ano 2007, a cantarem canções pop românticas e melodramáticas, sem soarem completamente desfasados do tempo e da época em que vivem? Se sim fazem bem, pois o último que resta desta linhagem, que tem como um dos seus principais referentes o grande senhor Frank Sinatra, é Jens Lekman. Se não, vão ouvir o último disco do sueco que as dúvidas dissipam-se logo na abertura com “And I Remember Every Kiss”.
Confesso que até este trabalho nada na obra de Jens Lekman me tinha seduzido por aí além, me tinha deixado fascinando e surpreso. Antes deste, lançou When I Said I Wanted To Be Your Dog (2004) e Oh You’re So Silent Jens (2005), um disco de raridades e afins, onde se podia ouvir um bom compositor e intérprete de canções pop vintage, mas que não causava grandes turbulências emocionais. Mas algo mudou com Night Falls Over Kortedala. As orquestrações estão mais apuradas, cheias de vida e alma, em que violinos e grandes conjuntos de sopros, ora nos colocam num pedestal, ora dançam em tom de baile com o acordeão. Ouve-se pop kitsch que soa fascinante. Pianos, flautas, cordas a conviverem sumptuosamente, a relembrar algumas coisas da Motown dos 60's ou um Scott Walker, em início de carreira a solo. As doses presentes de romantismo e drama na música são perfeitas, tal como as que estão presentes nas fantásticas histórias que Jens Lekman vai cantando.
Em Kortedala, bairro dos subúrbios de Gotemburgo, Lekman conheceu Nina, escrevendo-lhe um postal, de onde saltam versos como: “Nina I can be your boyfriend, so you can stay with your girlfriends, your father is a sweet old man but it’s hard for him to understand that you wanna love a woman”. Como ainda há quem saiba compor e cantar sobre a complexidade das relações humanas com elegância e sem soar pretensioso!
No entanto, numa canção como “If I Could Cry (It Would Feel Like This)” nem são precisas muitas palavras, só aquelas que dão título à canção, e no momento em que Jens vai dizer como se sente se pudesse chorar, rebenta uma orquestração épica, como se estivéssemos num filme romântico dos anos 50, e nada mais é preciso ser cantado. Ouvem-se por aqui rasgos de genialidade lírica como na muito bucólica “It Was A Strange Time In My Life”, em que Lekman canta: “People seem to think a shy personality equals gifted but if they would get to know one I’m sure that idea would have shifted, most shy people I know are extremely boring, either that or they are miserable from all the shit they’ve been storing”.
Night Falls Over Kortedala é uma surpresa, pois não se esperava que alguém conseguisse criar pop romântica vintage estimulante. Jens Lekman consegue-o com um brilhantismo raro. (9/10)

A ouvir com especial atenção: "And I Remember Every Kiss"; "A Postcard to Nina"; "Into Eternity"

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Neo2

2007-11-13T21:12:00.000Z

Saíu hoje para as bancas mais uma edição da Neo2, revista dedicada à moda, música, design, arte e um pouco de cinema também. Pode soar suspeito, mas não faz mal, esta é daquelas revistas que dá gosto comprar e ter em casa, com um excelente tratamento de imagem, bom papel, diversificada nas temáticas. Nesta edição podem encontrar algumas traduções minhas a textos sobre Animal Collective, Amy Winehouse, Wilbert Das (moda), Murakami & Vuitton, entre outros. Na capa do nº 5 da revista está a modelo Meagan da Supreme NYC, fotografada por Mike Kobal (www.mikekobal.com).

www.neo2.pt

Interpol no Coliseu dos Recreios, 07-11-07

2007-11-09T00:51:00.000Z

Foi um bom concerto, apenas isso. Só um pouco superior ao do SBSR porque tocaram as minhas três preferidas: "Stella was a diver and she was always down", "C'mere" e "Rest My Chemistry". De resto não houve grandes mudanças. Se não gostássemos tanto das canções, às vezes havia uma certa sensação de que estavam só a descarregarr temas, mas como são tímidos e gostamos das músicas, perdoamos. Grande surpresa na primeira parte, Blonde Redhead, que estiveram bem ao nível do concerto principal.

Podem ler reportagem mais aprofundada do Pedro Figueiredo para o Disco Digital - http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=26769

Ou da Susana Jaulino para o hiddentrack.net - http://www.hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=249

Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Rufus Wainwright @ Coliseu dos Recreios (06-11-07)

2007-11-09T00:05:00.000Z

Já não se fazem artistas assim. Já não há artistas que se mantenham em palco durante quase três horas, sempre em crescendo de qualidade, sempre divertidos, sempre emocionantes. Mas há Rufus Wainwright e o concerto que deu no passado dia 6 de Novembro no Coliseu dos Recreios foi, no mínimo, memorável.
Pouco depois da hora marcada, o canadiano sobe ao palco do Coliseu acompanhado de mais sete músicos (baterista, contrabaixista, três músicos na secção de sopros, dois guitarrista, sendo que um deles também tocava banjo e piano) para apresentar o mais recente Release the Stars, o seu melhor disco desde o remate de génio que foi Poses em 2001. Rufus Wainwright é uma figura ímpar no panorama musical. Ele é o homem entretenimento em pessoa, ao mesmo tempo que consegue ser altamente intimista. Ele tem uma veia operática que cada vez mais é realçada, onde ele e a sua voz são o centro de tudo e, ao mesmo tempo, é frágil e contido. É incrível como alguém se consegue desdobrar tão habilmente em tantos registos, sempre na perfeição.
O tema que dá título ao seu último registo foi o que abriu o espectáculo de forma imponente, para logo de seguida apresentar o conhecido e aplaudido single “Going to a Town”. Vestido com um fato branco com riscas vermelhas e vários adornos bem brilhantes, Rufus foi apresentado os temas do último disco (que foi tocado na íntegra) ou recuando um pouco ao passado e, entre a interpretação das suas canções, mostrava o quão bem disposto estava nessa noite, contando hilariantes histórias. Desde passeios pelo Museu dos Coches, a comentários sobre a arquitectura lisboeta ou episódios em festivais austríacos, Rufus Wainwright animou bastante as hostes com o seu toque de humor refinado.
Na primeira parte do concerto, além de temas de Release the Stars, recuámos até ao primeiro disco do cantor com “Danny Boy” e logo de seguida a mítica “Cigarrettes and Chocolate Milk” tocada por Rufus sozinho no palco, sendo que este foi um dos momentos mais esperados da noite. No final desta primeira parte foi interpretada “Between My Legs”, que contou com a participação da professora de ioga do canadiano a recitar a parte final da canção, que em disco é feita pela actriz Sîan Phillips.
Depois de um intervalo de cerca de quinze minutos, Rufus e banda entram de novo em palco, mas desta vez o músico envergava um traje tipicamente austríaco (com uns calções com suspensórios). Nestes trajes, Rufus homenageia a sua diva Judy Garland com uma interpretação impecável de “Foggy Day in London” de Gershwin e “If Love Were All”, sendo que no final do ano será editado um CD e DVD com o espectáculo que Rufus fez de homenagem a Garland, uma recriação do que esta fez em 1961 no Carnegie Hall. Foi pouco depois que Rufus teve a ousadia de cantar uma canção tradicional irlandesa, “Macushla”, sem microfone, e para espanto e admiração de todos, a voz de Rufus elevou-se aos céus, pois ouviu-se na perfeição, o que mostrou claramente a paixão que o cantor tem pela ópera.
“Not Ready to Love” foi outro dos momentos maiores de um espectáculo sem pontos baixos, desarmante na sua simplicidade e na carga emotiva que lhe está inerente. A contrapor houve as bem mais festivas “Beautiful Child” e “14th Street” a fechar a segunda parte, que foram das mais aplaudidas pelo público. Seguiu-se o primeiro encore, agora vestido com um roupão branco, onde se pode ouvir a melhor composição alguma vez feita por Rufus, “Poses”, e que por isso mesmo causou um turbilhão de emoções, pois é nestes momentos que vemos como o cantor se entrega por inteiro às suas canções. Na companhia da mãe, cantou a célebre “Somewhere Over the Rainbow” e “Barcelona”, uma recuperação muito apreciada do seu primeiro registo.
Depois disto começa a transformação. Rufus coloca uns brincos, pinta os lábios de vermelho e começa a cantar “Get Happy”, outrora interpretada por Judy Garland, momento que teve coreografia com o resto da banda, vestidos a rigor com um smoking, enquanto Rufus vestia somente o casaco, chapéu de feltro e sapatos altos. O homem do espectáculo em acção.Depois do momento teatral, acaba com “Gay Messiah” um dos melhores concertos que Portugal teve o prazer de receber este ano e, muito provavelmente, a sua melhor prestação em Portugal. Se houvesse dúvidas, deixaram de haver - citando um dos seus fãs, “Rufus Wainwright é deus”.

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Sean Riley & The Slowriders - Farewell

2007-11-06T20:16:00.000Z

Eles dizem que o seu álbum de estreia, Farewell, está ao nível de obra-primas como The Queen Is Dead dos The Smiths ou do The Velvet Underground & Nico. Claro que isto não acontece e o facto destes acharem que logo no seu primeiro álbum estão ao nível da genialidade de Morrissey/Johnny Marr ou Lou Reed/John Cale soa demasiado pretensioso.
Apesar de tudo isto, ao ouvirmos Farewell a ideia com que ficamos da banda e da sua música é bem diferente. Este é um disco honesto, que não tem grandes ambições revolucionárias, onde Sean Riley em conjunto com Bruno Simões e Filipe Costa sabem bem qual a sua posição na música actual e que por isso não ambicionam mais que criar canções de travo folk/rock.
Um dos exemplos mais claros desta linha musical é o single “Moving On”, onde a aura de Bob Dylan sobrevoa claramente, mas a inclusão do teclado vintage afasta a música da sombra do mestre para lhe dar um toque um pouco mais pessoal.
Além de Bob Dylan, na sua estreia discográfica Sean Riley & The Slowriders homenageiam de certa forma outros nomes míticos da folk/rock como Nick Drake, Leonard Cohen ou Tim Buckley. No entanto, em nenhum momento eles tentam colar-se à música dos mestres, revisitando-a com conhecimento do que estão a fazer.
Além do travo folk/rock, ouve-se em Farewell também muito blues, que nos leva a divagar pelos caminhos sujos da América profunda, característica marcada essencialmente pela harmónica do ex-Bunnyranch Filipe Costa em canções como “New Year’s Eve” ou “Spider’s Blues”.
Farewell não é um disco de surpresas, é sim um disco bem composto à moda clássica, onde Sean Riley e os dois Slowriders utilizam habilmente as suas influências, mas no futuro é esperar um toque mais pessoal nas canções, para que nos surpreendam de alguma forma. (6/10)

A ouvir com especial atenção: "Moving On"; "New Year's Eve"; "Spider's Blues"

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Rufus Wainwright hoje no Coliseu!

2007-11-06T12:27:00.000Z

Está quase! Rufus Wainwright regressa a Portugal e com o seu melhor disco desde o genial Poses, Releasing the Stars. Pelo que sei vai apresentar todo o novo álbum, músicas do passado e também algumas covers da Judy Garland, sendo que vai editar em Dezembro um cd e dvd ao vivo do espectáculo que deu no Carnegie Hall (o DVD retrata o concerto em Londres), espectáculo este que é uma recriação do que Judy Garland fez na mesma sala em 1961. Logo, é de esperar um concerto em grande. Aqui em baixo fica um aperitivo do que poderá acontecer esta noite:

Britney Spears - Blackout

2007-11-03T19:33:00.000Z

Primeiro esqueçam os preconceitos idiotas. Depois esqueçam a capa tenebrosa e o desastre que foi sua actuação nos MTV Music Awards. Agora sim devem ler este texto e ouvir o álbum a que ele se refere.
Depois de todos os escândalos que têm pontuado a sua vida e as manchetes dos tablóides por todo o mundo, o que seria mais previsível seria Brtiney fazer um disco com muitas baladas para mostrar o quão arrependida estava de tudo o que se tinha passado. Felizmente nada disso acontece, mas o que se pode ouvir neste regresso é um disco altamente provocatório, onde a libertação e exibição sexual é vivida ao extremo como só Madonna fez no passado.
Brtiney já não é de todo a menina bonita da América que todos lhe impuseram. Blackout demonstra-o bem, quer seja nas suas palavras, quer seja nas excelentes produções pop de que ele está recheado. Este é um disco de produções futuristas e sofisticadas, em que tal como nos últimos registos de Justin Timberlake, Nelly Furtado ou Rihanna, cada segundo se torna um vício pop.
Há por aqui um repescar do electro 80s para a melhor pop 2007, imensos pormenores electrónicos surpreendentes num disco de pop mainstream, com sintetizadores altamente distorcidos e pujantes, vozes robóticas, batidas ferozes, crédito em grande parte das faixas de DanjaHandz, o protegido produtor de Timbaland. E depois há canções como “Piece of Me”, que é o equivalente a uma produção dos Justice para Britney Spears, onde esta aborda com grande sarcasmo e ironia as polémicas da sua vida pessoal (“I’m Mrs. ‘You want a piece of me?’ tryin’ and pissin’ me off, well get in line with the paparazzi who’s flippin’ me off, hopin’ I’ll resort to some havoc, end up settlin’ in court…I’m Mrs. ‘Most likely to get on the TV for strippin’ on the streets’…I’m Mrs. ‘she’s to big now she’s to thin’”). Quase tão boa como o monument pop que é “Toxic”.
E depois há pérolas pop como o excelente single “Gimme More”, misto de negrume da noite decadente com provocação sexual; “Freak Show” com synths borbulhantes e a voz de Britney em constantes e hábeis manipulações; há “Toy Soldier” com a sua batida em regime militar ou a fechar a bela produção de Pharrell (The Neptunes) para “Why Should I Be Sad?”, com os habituais sintetizadores a imitarem cordas, batidas cruas que se sobrepõem às digitais, a voz de Britney acalma e funde-se na perfeição com o falsete irresistível de Pharrell.
Blackout é o melhor disco de Britney e até agora o melhor disco pop que 2007 já deu a ouvir. Mas ainda falta ouvir Tangled Up das Girls Aloud, por isso é esperar para ouvir. (8/10)

A ouvir com especial atenção: “Gimme More”; “Piece of Me”; “Freak Show”

Dance Club

2007-10-31T13:22:00.000Z

Sai hoje para as bancas a edição de Novembro da revista Dance Club, a revista de música electrónica nacional. E porque é que estou a anunciar isto? Porque desde há um mês que comecei a escrever na Dance Club como assistente de edição (aka estagiário) e este é o primeiro número onde vão aparecer trabalhos meus. Além das várias notícias, podem encontrar na revista entrevistas feitas por mim a Luís Gilvaia e Miss Sheila, críticas a discos de LCD Soundsystem (mais do Fabriclive.36 do James Murphy & Pat Mahoney), Will.I.Am, DJ Chus, entre outros registos. Também poderão encontrar textos meus relativamente a DVDs de Jay-Z e do evento Popular Soundclash, além do guia das estreias do mês no cinema. Além disto, há muita coisa por ler escrita pela restante redacção da Dance Club, como entrevistas a DJ Chus, Commix, reportagens sobre o Red Bull Music Academy em Toronto, artigos sobre a ressuscitada editora Strictly Rhythm, entre muitas outras coisas. Na compra da revista adquirem um cd grátis com a música de que se fala na revista e também vídeos com a entrevista que dá capa à revista, a de DJ Chus. Por mais 10€ podem adquirir o novo cd do Ithaka, Saltwater Nomad, ou por mais 15€ o cd duplo de DJ Vibe, Global Grooves 3.

Stylus Magazine R.I.P.

2007-10-29T02:03:00.000Z

Péssima notícia: a Stylus Magazine vai acabar. Um dos melhores sites para se ler sobre música vai ter a sua última actualização no próximo dia 31. É uma péssima notícia, porque além dos brilhantes textos que eles tinham, sempre me deliciei as fantásticas listas de singles e com as divagações sobre estes num dos blogs que o site mantinha. Mais informações aqui - http://www.observer.com/2007/stylus-magazine-respected-online-music-publication-will-fold-after-halloween

The Sea and Cake na Zé dos Bois: Melancolia Solarenga

2007-10-28T16:04:00.000Z

Já com catorze de anos de carreira, só agora os The Sea and Cake se estrearam em Portugal, perante uma sala esgotada onde apresentaram o novíssimo «Everyday» para agrado de todos, não esquecendo outras canções marcantes da carreira do grupo.
Em disco as canções dos The Sea and Cake soam sempre agradáveis, mas maior parte das vezes não chegam a níveis extraordinários. No entanto ao vivo elas crescem, assumem uma força e energia bem maiores que atingem o público e mexem com ele.
Várias foram as vezes que o vocalista Sam Prekpop e o guitarrista Archer Prewitt com as suas guitarras iam criando linhas melódicas quase exóticas, por onde nos deixávamos levar. Ambas as guitarras casavam-se na perfeição com as suas divagações entre melodias de travo indie-rock, algum blues e post-rock, sendo que a bateria a marcar maior parte das vezes um ritmo bem mais próximo do jazz, criavam ambientes solarengos, mas sempre contaminados por uma doce melancolia.
Além desta melancolia solarenga que ao longo de quase uma hora e meia foi contaminando a pouco e pouco o público que esgotava a sala da Galeria Zé dos Bois, foi mais que perceptível perceber o quão bons músicos são os quatro membros dos The Sea and Cake. Mas não só de músicas do novo disco se fez o concerto de ontem na sala lisboeta, pois houve espaço para ouvirmos algumas das canções míticas da banda americana, como «Jacking the Ball», um dos grandes momentos do espectáculo e também um dos que foi recebido mais efusivamente pelo público. Poucas foram as palavras proferidas pela banda, mas tal também não foi necessário, a música falou por si.
Em disco além das melodias pop suaves que vão beber muito ao post-rock e a algum jazz, podemos por vezes ouvir alguma experimentação por parte dos The Sea and Cake. Esta veia experimental foi ontem abordada com mais afinco para o final do espectáculo, até com uma carga mais rock do que seria de esperar, mas que agradou imenso a grande parte dos que estiveram presentes. Um concerto acima de tudo bonito pela doçura das canções e pela mestria como foram interpretadas.
Bem mais experimentais foram os Litius, banda que esteve na primeira parte e que surpreendeu com muita experimentação, noise e drones hipnóticos.

Publicado no Disco Digital

Murcof - Cosmos

2007-10-26T11:21:00.000+01:00

Fernando Corona, mais conhecido por Murcof, está de volta aos registos de originais com Cosmos, onde através do seu minimalismo quase absurdo (não é depreciativo) explora desta vez instrumentos mais acústicos, mas através da sua electrónica minimal. Cosmos sucede a Martes, a sua estreia no mundo discográfico há cinco anos atrás, e a Remembranza, ábum com um cariz muito pessoal para o músico, pois reflectia o que passou aquando da morte da sua mãe.
Em Cosmos há um cuidado quase perfeccionista em todos os arranjos, como é perceptível logo na faixa de abertura "Cuerpo Celeste", onde tanto tem lugar o silêncio, como pianos de igreja épicos e vozes celestiais que em determinadas alturas elevam o tema a ambientes quase apocalípticos, para momentos depois encontrarem, novamente, o silêncio. O terceiro registo de Murcof não é de todo fácil. É um álbum denso nas atmosferas que cria, que tanto se chega perto do techno minimal (como por exemplo em "Cielo"), como utiliza drones assustadores a fazer lembrar os Sunn O))). Há um ou outro momento em que a toada etérea do disco prolonga-se um pouco demais do que seria desejável, mas tal não faz com que no final a audição deste registo se torne negativa.
Cosmos é um disco que nasce e vive embrenhado na negra vastidão do universo, onde camadas de electrónica minimal vão sendo sobrepostas por arranjos pensados ao milímetro para se tornarem tão hipnóticos quanto catastróficos. São vários os momentos no disco em que contemplamos uma beleza indizível, que se apodera da mente e a faz vaguear pela grandiosidade das sonoridades que aqui se ouvem, mas tal ficaria perfeito se a duração desses momentos fosse, por vezes, reduzida e assim não se arriscasse a entrar em pequenas fases de monotonia. (7/10)

A ouvir com especial atenção: "Cuerpo Celeste"; "Cielo"; "Oort"

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pop music

2007-10-21T23:45:00.000+01:00

"pop music doesn't need to be bad...pop music isn't just for children...there's more creativity in one second of 'Biology' than in Paul Weller's entire back catalogue...pop music unites while other genres divide...pop is the purest form of every other genre with the noise filtered out...pop makes the world go around." (Popjustice dixit)

SpaceVideo: Róisín Murphy - "Let Me Know"

2007-10-21T22:37:00.000+01:00

O novíssimo Overpowered está a revelar-se um belo disco pop e este novo single é só mais um exemplo da qualidade que se pode encontrar no segundo disco a solo da ex-Moloko Róisín Murphy. O vídeoclip encontra-se ali ao lado e ilustra muito bem o ambiente do single.

Boys Noize - Oi Oi Oi

2007-10-16T23:11:00.001+01:00

Primeiro foram os Digitalism, depois os Simian Mobile Disco e pouco depois os Justice. Agora chega o álbum de estreia de Boys Noize, projecto de Alex Ridha. O que os une a todos? Batidas robustas, electrónica agressiva com atitude e estética ligadas ao rock e até mesmo ao punk. Sente-se em todos estes discos, nuns mais, noutros menos, a influência da estreia avassaladora dos Daft Punk com Homework há dez anos atrás.
De todos estes projectos, os Justice são quem leva a taça para casa, talvez pelas fusões mais descabidas, pelas experiências mais loucas, mas agora a estreia de Boys Noize com Oi Oi Oi não lhe fica muito longe.
Em 2003 Alex Ridha conheceu DJ Hell, que foi um momento fulcral para a sua carreira. A partir daí as portas começaram a abrir-se, iniciou um trabalho de remisturas para nomes bem conhecidos do meio como Bloc Party, Depeche Mode ou Feist, cuja remix para o tema “My Moon My Man” aparece na edição britânica deste disco de estreia como tema bónus.
Talvez por ter sido baterista que se sinta ao longo das treze faixas que preenchem o disco uma grande importância na força das batidas. Há no disco um enorme desejo em intersectar o mundo da pista de dança com um espírito rock agressivo, e tal é conseguido com um enorme sucesso.
Oi Oi Oi é um disco sem momentos pop, é um disco de batidas cruas, de beats roubados ao electro mais pesado, de misturas de techno com sintetizadores metaleiros, de vozes robóticas, um disco de electrónica massiva, para dançar descontroladamente.
Boys Noize é um dos projectos que veio renovar o panorama da música de dança em 2007, tal como os outros nomes mencionados acima. Com um pé na electrónica dos anos 90, outro no rock e as mãos cravadas na música dançável deste início de século, Oi Oi Oi é um disco a ter muito em conta. A comprovar ao vivo em Novembro no Lux. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "& Down"; "Lava Lava"; "Let's Buy Happiness"

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Entrevista CoolTrain Crew

2007-10-14T23:25:00.000+01:00

Podem ler no hiddentrack.net a entrevista que fiz aos CoolTrain Crew, que se preparam para editar a compilação de remixes Southeast D'N'B Flavas. Entrevista no link seguinte: http://hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=245

Dubstep

2007-10-08T20:27:00.000+01:00

Em Novembro a excelente editora Soul Jazz Records edita o segundo volume da Box Of Dub (Dubstep and Future Dub) e tal como o primeiro volume, é excelente e essencial para descobrir novo e bom dubstep. O alinhamento deste segundo volume segue em baixo:

Ramadanman - "Every Next Day"
Pinch (feat. Rudey Lee) - "Step 2 It"
Cult of the 13th Hour - "Wickedness"
Cotti - "Tamil Dub"
Kode 9 - "Stung"
Digital Mystikz - "Thief In Da Night"
Sub Version - "Soul Jah Boogie"
Digital Mystikz - "Third One"
Cotti (feat. Kingpin) - "Let Go Mi Shirt"
Pinch - "Chamber"
Skream - "Too Much Sushi"

Mas este final de ano está ainda mais recheado de boas novidades no dubstep. A mais esperada é o segundo álbum de Burial, Untrue, do qual podem já ouvir o primeiro avanço, "Unite", que faz antever um regresso ao 2step, com mais vozes:

Também muito esperado é o novo álbum de Boxcutter, Glyphic, que a Mary Ann Hobbs antevê aqui - http://www.zshare.net/audio/4093031048142d/ . Também em Novembro sai Underwater Dancehall de Pinch e, pelo que se ouve dizer, vai causar furor (http://www.pitchforkmedia.com/article/feature/46000-the-month-in-grime-dubstep). Espero que sim.
Como podem ver o dubstep continua activo e de boa saúde, para aqueles que consideraram-no apenas uma moda passageira, preferido estes refastelar-se nas suas poltronas conservadoras.

Beirut - The Flying Club Cup

2007-10-02T00:35:00.000+01:00

O ano passado Gulag Orkestar foi uma surpresa. Principalmente por vermos alguém tão novo, tinha apenas 19 anos, e mostrar já tanto conhecimento das músicas dos Balcãs e também ameaçar talento na escrita de canções populares. Mas nessa estreia foi apenas isso, ameaçar, pois faltavam às músicas do disco algo que as elevasse e distinguisse de tantas outras, como das de Matt Elliott, que é mestre em se apropriar das músicas dos Balcãs (e não só) para o seu mundo.
Zach Condon com o seu projecto Beirut por vezes fechava-se demasiado na sua melancolia, o que nem sempre era positivo, mas ainda assim despertou a atenção e fez criar alguma curiosidade e esperança para o que se seguiria.
O que se seguiu foi The Flying Club Cup, um grande passo em frente em relação ao seu antecessor. Zach Condon abriu-se ao mundo, mudou-se para França e deixou-se encantar pela canção francesa à la Jacques Brel (apesar deste ter nascido na Bélgica), por sonoridades latinas, mais propriamente vindas do seu México natal, mas também por paisagens mais clássicas. Mas a música dos Balcãs sempre como pano de fundo.
The Flying Club Cup é um disco de belíssimas orquestrações, onde violinos, conjuntos de sopros, acordeões, se enamoram uns pelos outros, apaixonam-se enquanto bebem um café juntos, desiludem-se mutuamente e nós aqui a assistirmos a tudo isto tão bem coordenado.
“Nantes” inicialmente remete-nos para o México, até que o acordeão assume maior destaque e leva-nos para Paris (ou antes Nantes?), e a forma como Zach Condon se vai multiplicando entre músicas regionais e as aglomera para criar canções que fariam sentido em qualquer lugar e em qualquer altura, é fascinante.
Vamos ao teatro em “Forks and Knives (La Fête)”, com Zach inicialmente a cantar como se se encontrasse na boca de cena a declamar e os coros a imprimirem um carácter trágico a toda a teatralidade que se ouve e sente nesta canção.
Já Owen Pallett (mentor do projecto Final Fantasy e colaborador dos Arcade Fire) certamente deu alguns ensinamentos a Zach Condon para que este desse às suas canções um estilo mais clássico, como se ouve em “Cliquot”, onde Owen Pallett empresta a sua voz.
O fecho com o tema que dá titulo ao disco é pomposamente europeu. Percorremos em três minutos as ruelas mais antigas e características da velha Europa com uma garrafa de vodka a acompanhar-nos, e sabe tão bem.
The Flying Club Cup vem provar o talento que Zach Condon já ameaçava no primeiro disco, onde de canção para canção nos deixamos levar por todo o romantismo e fragilidade que elas têm, algo que nos dias de hoje parecia altamente improvável. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Nantes"; "Forks and Knives (La Fête)"; "The Flying Club Cup"

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SpaceVideo: LCD Soundsystem - "Someone Great"

2007-10-02T00:18:00.000+01:00

Uma das canções do ano, "Someone Great", do disco do ano, Sound of Silver dos LCD Soundsystem, já tem vídeo e a partir de hoje pode ser visto ali de lado. Canção terrivelmente bela sobre a complexidade das relações humanas.

Jay-Z - "Blue Magic"

2007-09-29T16:01:00.000+01:00

Já circula por aí o novo single de Jay-Z, produzido pelos Neptunes (ou mais provavelmente apenas por Pharrell). "Blue Magic" apresenta American Gangster, disco conceptual inspirado no filme protagonizado por Denzel Washington e Russell Crowe, a ser editado no início de Novembro. Se este ano as muito poucas produções de Pharrell não têm despertado grande interesse, agora com "Blue Magic" a coisa muda de figura, com uma produção a lembrar o que de melhor ele fez em Hell Hath No Fury dos Clipse. Em baixo fica o trailer para o vídeo de "Blue Magic":

Bernardo Sassetti - Dúvida (1964)

2007-09-20T22:37:00.000+01:00

Este tem sido um ano de fraca produção nacional, onde não abundam registos realmente interessantes. É neste cenário que Bernardo Sassetti edita Dúvida (1964), que é uma das excepções que confirma a triste regra que presenciamos.
Directa ou indirectamente a música de Bernardo Sassetti desde sempre teve uma ligação às artes visuais, seja no ramo da fotografia, do cinema ou do teatro. Dúvida (1964) é a banda-sonora da peça homónima de John Patrick Shanley, com a qual foi premiado com o Pullitzer e que foi encenada por Ana Luísa Guimarães.
Tal como se ouvia na belíssima banda-sonora de Alice, também da autoria de Sassetti, neste registo o músico foca-se essencialmente na vertente minimalista do seu piano, que acompanhada pela Orquestra Sinffonieta de Lisboa, dirigida por Vasco Pierce Azevedo, vai criando atmosferas de grande tensão e teatralidade, como se só pelos sons pudéssemos presenciar os actores na boca de cena a encarnarem os seus papéis. A presença da orquestra vem dar à música de Sassetti uma enorme carga clássica, onde o músico mostra também a sua mestria, embora proveniente do jazz.
No entanto se o minimalismo de Alice se pautava imenso pela obsessão do protagonista e pela sua rotina constante num meio urbano cinzento e anónimo, em Dúvida (1964) o piano de Bernardo Sassetti vai desfilando notas bastante simples, mas que funcionam na perfeição nos seus diálogos com o silêncio, proporcionando-nos assim ambientes de grande dramatismo que soam aos nossos ouvidos com uma beleza inigualável.
Já não é surpresa para ninguém que Bernardo Sassetti é um dos mais importantes e mais geniais músicos portugueses da actualidade, não só dentro do jazz, mas em todos os géneros e esta Dúvida (1964) só vem realçar este facto. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Prelúdio"; "Dúvida (Mov. 1)"; "Nocturno para uma história invisível"

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Kanye West goes Justice!

2007-09-13T22:38:00.000+01:00

Lembram-se do excelente vídeo do "D.A.N.C.E." dos Justice? Pois bem, Kanye West como pessoa atenta ao que de melhor se faz na actualidade chamou So-Me (que trata de toda a imagem da Ed Banger Records - de onde fazem parte os Justice -, desde capas de discos, vídeos, t-shirts, etc) para realizar o vídeo do novo single, "Good Life", que conta com a participação do robot-com-voz-movida-a-hélio, mais conhecido por T-Pain. Este é já o terceiro single de Graduation, disco apaixonado pelos synth da house francesa, mas com os samples de música soul ainda presentes. Apesar de não chegar ao nível dos anteriores The College Dropout e Late Registration, Kanye West volta a revelar porque é um dos músicos mais importantes da música popular dos últimos anos.

SpaceVideo: Battles - "Tonto"

2007-09-13T18:20:00.000+01:00

Aqui fica o novo vídeo dos Battles, uma das melhores coisas que pudemos ouvir este ano. Este segundo single chama-se "Tonto" e o vídeo é fenomenal, simples mas forte, com um jogo de luzes a acompanhar os percursos labirínticos por onde as músicas deste grupo enveredam. No final de Outubro será lançado um EP com o nome deste tema, cujo alinhamento terá remisturas de The Field e Four Tet para "Tonto", além de um DVD. Para já fica este excelente vídeo.

Animal Collective - Strawberry Jam

2007-09-12T02:21:00.000+01:00

Eis que chega o tão aguardado novo álbum dos Animal Collective, sucessor do tão aclamado Feels (2005) e também do disco a solo de um dos mentores da banda, Panda Bear, que editou no início deste ano Person Pitch.
Como se sabe, ou se devia saber, os Animal Collective fazem parte daquela percentagem mínima que vieram dar ao rock algo de surpreendente, que agitam com o marasmo a que o rock se deixa levar tantas vezes.
Nos seus álbuns sempre se pautaram por uma mistura de estilos bastante bizarra, de noise, rock, pop alucinada, folk psicadélica, elementos electrónicos, tudo o que aquelas cabeças se lembrassem, sempre com uma irreverência e também inocência infantil, que exerce no ouvinte uma admiração e entrega absolutas.
A partir de Sung Tongs (2004) começaram lentamente a aproximar-se do formato da canção pop, mas com a fusão de estilos e a experimentação sónica sempre presente. Em Feels atingiram a perfeição entre os dois mundos, onde a infantilidade e o surrealismo das canções nos preenchiam por completo, onde tanta coisa soava paradoxal mas ao mesmo tempo adquiria uma enorme beleza.
Agora com Strawberry Jam o formato canção é adoptado claramente. Este é o disco em que os Animal Collective definem bem o seu som, aos primeiros segundos de cada música é óbvio que só poderíamos estar a ouvir os Animal Collective e mais nenhuma outra banda. As melodias tomaram conta do grupo, e as brincadeiras que continuam a fazer dentro do formato pop ainda nos fascinam.
Exemplo disso é por exemplo a faixa que abre o disco, também primeiro single, “Peacebone”, que começa com delírios electrónicos, que vão povoando todo o tema a par de uma míriade de sons que aparecem e desaparecem num abrir e fechar de olhos, até que no final ouve-se uma guitarra bastante modificada auto-cortando-se com a bateria em delírio repetitivo. “Chores” é alegremente frenética, com a bateria uma vez mais a contribuir para toda a loucura, juntamente com todos os pormenores sonoros que o grupo enche as canções e que por vezes parecem não fazer sentido, mas que nos fazem gostar deles por estas surpresas. No final a voz de Avey Tare entra em alucinações, que lembra os óbvios Beach Boys, enquanto nos sentimos a flutuar no meio do oceano.
Em “For Reverend Green” atingem o momento alto do disco, com guitarras sob efeitos de pedais a construir toda a linha melódica da canção, o que se torna incrivelmente hipnotizante, enquanto a bateria se mostra imponente e outras guitarras vão espalhando cristais pelo caminho, a cada segundo não sabemos o que poderá acontecer e isso sabe tão bem. Além disso Avey Tare tem aqui uma das suas melhores prestações vocais. Uma das canções pop perfeitas dos Animal Collective, apesar de não parecer.
Outro exemplo de uma das grandes canções pop do grupo é “Fireworks”, onde há resquícios dub, percussões em fogo-de-artifício, jogos de computador, emoção, beleza. Em “Cuckoo Cuckoo” deixamo-nos deliciar por um piano cândido, quando saltamos da cadeira e ouvimos percussões, guitarras, samples em guerra, para encontrarmos logo de novo a paz e pouco depois a guerra sónica nos voltar a apanhar desprevenidos.
O final com “Derek” é mágico, no mínimo. Ouvimos guitarras a flutuarem um rio brando e límpido, para repentinamente uma batida pesada se impor enquanto Panda Bear canta um refrão altamente pop, delicioso, que nos leva a África.
Depois da genialidade de Feels a parada estava muito alta para os Animal Collective, mas mais uma vez não souberam desiludir. Aperfeiçoaram os cânones pop que criaram para si e voltam a conquistar-nos com todo aquele espírito de crianças irrequietas. (9/10)

A ouvir com especial atenção: "Peacebone"; "Chores"; "For Reverend Green"

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Diplo - Pitchfork Mix 02

2007-09-06T20:17:00.000+01:00

Há na Pitchfork para ler uma excelente entrevista ao dj Diplo e para descarregar um set que ele fez para a Pitchfork que é de ouvir urgentemente! Só para terem uma noção ele faz um mash-up entre a "Atlas" dos Battles e a "Boys" da M.I.A. Ligação improvável, mas fenomenal. Aqui em baixo está o link:

http://www.pitchforkmedia.com/article/feature/45338-interview-pitchfork-mix-02-diplo

SpaceVideo: M.I.A. - "Jimmy"

2007-09-03T17:07:00.000+01:00

M.I.A. está de volta e com mais um grande disco, Kala. De novo volta a surpreender e a criar os habituais ódiozinhos no conservadorismo indie que vê numa artista sem preconceitos estéticos como ela o símbolo de tudo o que está mal, porque agita com a música actual, coisa que não acontece muito nos dias de hoje, infelizmente. O novo single, "Jimmy", leva-nos a Bollywood e é no mínimo um vício. Podem ver o vídeoclip já aqui ao lado.

Liars - Liars

2007-08-27T16:50:00.000+01:00

Os últimos dois discos dos Liars colocaram-nos na lista do que de melhor e mais vanguardista se tem feito no rock neste início do século XXI. Desde as bruxarias noise de They Were Wrong, So We Drowned, às percussões de múltiplas personalidades em Drum’s Not Dead, os Liars transformaram-se num dos muitos poucos grupos dentro do indie rock (e metê-los neste saco talvez não seja o mais apropriado) que consegue surpreender-nos, dar-nos murros no estômago e trocar-nos as voltas.

Agora, depois de experiências sónicas estimulantes em álbuns com fortes conceitos por trás deles, o trio de Nova Iorque volta ao ataque, com um álbum homónimo. Aqui não existem conceitos, apenas uma vontade de fazer um belo disco rock, que não descura do passado para inovar e que surpreende por seguir a via das canções, e não uma via mais experiemtal como lhes era habitual.

“Plaster Casts of Everything” lembra-nos as actuações da banda, cruas e viscerais, com um espírito frenético que tudo irrequieta. Riffs do rock dos anos 70 como se só fizessem sentido por uns Liars enamorados pelo punk em 2007. Depois do suor rock’n’roll deste single, chega-nos “Houseclouds”, com uma batida punk-funk e cheia de pormenores electrónicos, enquanto uma linha de baixo atravessa todo o tema com o seu peso hipnotizante. Transporta-nos para um espaço etéreo, num limbo entre Madchester e o punk-funk de Nova Iorque. Não se esperava bem isto já a esta altura do campeonato.

“Leather Prowler” relembra-nos a veia experimental deste trio, com percussões e baixo a marcarem um ritmo cavernoso, drones que intensificam o clima assustador, vozes que se ouvem num eco desesperante. Mais à frente em “Cycle Time” deliciamo-nos com as guitarras psicóticas que ora correm alucinadamente atrás de si mesmas, ora se esfaqueiam umas às outras.

Logo de seguida pensamos que estamos a ouvir os Jesus & Mary Chain em “Freak Out”, sem que estejamos a ouvir uma "cópia chapada", pois os Liars são demasiado inteligentes para que se limitem a isso como grande parte do indie rock. “Clear Island” volta a recuperar o rock’n’roll com pêlo na venta, mas onde estão presentes uma série de pormenores que fazem toda a diferença. Sonoridades electrónicas escondem-se e confundem-se com as guitarras, assumem outras formas, produzem pormenores que só com várias audições e muita atenção se descobrem, outras vozes encontram-se submergidas pela voz de Angus Andrew e como já disse, tudo isto faz a diferença.

O disco acaba na paz de “Protection”, com sintetizadores em modo ambiental à Brian Eno, que mostram uma certa fragilidade, mas também versatilidade do som dos Liars.

Liars faz uma espécie de resumo do que a banda é, ao fim de sete anos de carreira, utilizando canções para nos relembrarmos como eles misturam tão bem noise, art-rock, funk, punk, rock’n’roll, agora num formato mais convencional do que dantes, mas nem por isso menor, pois sem eles a música actual seria bem mais pobre. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Plaster Casts of Everything"; "Houseclouds"; "Clear Island"

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No Age - Weirdo Rippers

2007-08-11T15:38:00.000+01:00

No Age – à partida pode soar um nome estranho, provavelmente uma banda nova a querer entrar no comboio das novas repescagens new age, comboio esse que já descarrilou há algum tempo. Mas afinal não, este duo tem raízes no trio punk Wives, grupo da cena D.I.Y. de Los Angels. Se quando acabarem de ouvir a estreia Weirdo Rippers quiserem logo colocar-lhes o carimbo art-rock fazem mal, muito mal. Estes No Age têm demasiadas ideias (concretizadas), demasiada vitalidade, demasiada sede em criar algo de surpreendente para que fiquem arrumados na gaveta do art-rock. Em 29 minutos ouvimos noise-shoegaze-pop-punk-rock e na verdade não são precisos mais, porque quando se tem talento não é preciso criar longas peças intermináveis e entediantes.

O nome do disco não se poderia adequar mais perfeitamente ao que ele tem lá dentro. Este duo americano vai esquartejando estranhamente de música para música partes das sonoridades de bandas Sonic Youth, My Bloody Valentine e claramente Ramones, ou até de mais novatos como os Liars, Animal Collective e Black Dice. Depois de esquartejarem tudo e resumirem a faixas de 2/3 minutos, são-lhes injectada uma jovialidade tal que nos faz imaginar que poderíamos estar a ouvir isto pela primeira vez.

Algo que faz elevar este nível de jovialidade surpreendente é a forma como está gravado o disco, como se estivéssemos a vê-los e a ouvi-los numa garagem bafienta dos subúrbios de Los Angeles a produzir este som e a experimentar o que lhes passava pela cabeça. Não faz mal passar da distorção flutuante de “Every Artist Needs A Tragedy” para o punk-rock sujo de “Boy Void” e logo de seguida para experiências com loops hipnotizantes em “I Wanna Sleep”, sendo que mais à frente temos direito a mosh adolescente em “Everybody’s Down”, com uma sensibilidade pop inesperada num disco do género.

Mas há mais para descobrir, muito mais, algo que só o tempo proporcionará. Por agora é necessário agarrar nisto o mais depressa possível, ouvi-lo até mais não, rebolar pelo chão, bater com a cabeça nas paredes, flutuarmos pela sala e desfrutarmos de um disco com demasiado fulgor para ser esquecido. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Every Artist Needs A Tragedy"; "I Wanna Sleep"; "Everybody's Down"

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SpaceVideo: Tony Wilson Interview

2007-08-11T00:27:00.000+01:00

Em jeito de homenagem ao grande senhor que foi, ficará ali ao lado uma entrevista a Tony Wilson para todos vermos, revermos e recordarmos o que ele foi e representou para tantas gerações. Que descanse em paz. Respect.

R.I.P. Tony Wilson

2007-08-10T23:39:00.000+01:00

Um dos maiores. Foi um grande senhor e por causa dele tive oportunidade de ouvir alguma da melhor música que conheço. Nada mais a dizer, apenas que foi um dos maiores. Respect.

http://music.guardian.co.uk/news/story/0,,2146656,00.html

Festival Sudoeste, Dia 4: Os Regressos e as Estreias

2007-08-07T00:11:00.000+01:00

A edição 2007 do Sudoeste começou em alta voltagem e veio a perder a gás até ao fim, isto a nível de concertos, claro. Nesta última noite os números de presentes no recinto desceram muito, e à medida que a noite avançava o pessoal desertava, muitos deles a caminho das suas origens porque hoje é dia de trabalho para muitos. As expectativas mais altas estavam à volta do regresso dos James, do concerto dos National, além da curiosidade em ver as estreias de Trail of Dead e Of Montreal. Alguns momentos ficarão na história do evento.
Comecemos pelo regresso aos palcos dos James seis anos depois da despedida nos Coliseus. Tim Booth mostrou-se descontraído, e completamente ambientado como se regressasse a uma casa cheia de amigos para o receber. Na véspera, o Disco Digital teve oportunidade de o cumprimentar no centro de Vila Nova de Mil Fontes onde Booth passeava contente da vida com a família. Também Saul Davies fez questão de aproveitar o que aprendeu em 4 anos vividos no nosso país para ir falando em português com os fãs. O concerto andou entre o muito bom, o surpreendente, e o mais previsível. Resolveram despachar nos primeiros três temas canções que a maioria queria mais ouvir, «Born of Frustrion», «Tomorrow», e o hino «Sit Down». A partir daí houve um pouco de tudo, recuperação de músicas dos excelentes primeiros (e ignorados) discos da sua carreira para alegria dos fãs que até foram convidados a invadir o palco para dançar, e noutra música tiveram oportunidade de estar com Booth que cantou empoleirado na primeira fila.
Pelo meio houve músicas novas, a anunciar novo disco, e a imagem insólita de ver o vocalista de cábula na mão porque ainda não sabia a letra. Claro que foram os hits que tiveram maior reacção de uma plateia em ambiente familiar. Prometeram regressar no próximo ano.
No palco principal até à chegada dos James passaram muito discretamente os Razorlight, Phoenix, e Albert Hammond Jr.
Nada de realmente entusiasmante, apenas as primeiras filas, compostas pelos respectivos fãs , vibraram. À hora que os Razorlight apresentavam temas dos seus dois discos, mas davam mais nas vistas pelas enormes luzes com o seu nome escrito no cenário do que com o seu rock previsível. Aliás, a essa hora muitos festivaleiros preferiram o encosto ao vidro do espaço de imprensa onde dava para ver o derby lisboeta no Guadiana, e onde festejaram a vitória encarnada.
Um dos momentos mais esperados de todo o Festival era o concerto dos National em Portugal. É grande o culto à volta dos autores dos discos «Alligator» e o recente «Boxer». Já passava das duas manhãs quando muitos resistentes saudaram efusivamente a chegada de Matt Berninger e companheiros, outros partiam tristes por não os ver mas havia uma viagem para fazer. Não foi o concerto brilhante que se aguardava, foi mais a situação em que o público puxou pela banda. Os que estavam ali conheciam todas as letras, e eram fãs incondicionais que aproveitavam a cada minuto o prazer de ouvir ao vivo canções que adoram. Por isso o público ia desculpando evidentes falhas de som, havia alturas em que a voz mal se ouvia, e não levou a mal o desacerto de Matt, e a falta de dos sons de acordeão, por exemplo, que embelezam em estúdio temas monumentais como «Fake Empire».
Apesar da euforia dos fãs presentes na tenda ficou uma sensação de insatisfação no palco Planeta Sudoeste. Espera-se que os National voltem para assinarem uma actuação ao nível da qualidade dos seus discos.
Mas antes dos National actuarem, foi altura de receber pela primeira vez duas bandas que já há muito se desejava ver em palcos nacionais. Primeiro os Of Montreal proporcionaram um espectáculo próximo do memorável. Um concerto dos Of Montreal é muito mais que ouvir apenas uma banda a tocar os seus temas, é ver um espectáculo com um carácter teatral, que alimenta o nosso imaginário mais surrealista e nos hipnotiza. Foi isso que aconteceu ontem à noite, seja pelas projecções em tela, pelas encenações que o líder Kevin Barnes e companheiros produziam (e aqui houve lugar para ninjas, representantes da morte, homens de negócios, lutas e o resto a mente encarregava-se de imaginar).O final com balões a largarem brilhantinas para cima do público foi mágico.
Depois deles estiveram os …Trail of Dead que sofreram com a forte concorrência dos James. Com mais dois membros, ao vivo o seu som ainda parece mais imponente, alternando entre um rock com veia classicista e um pouco de punk que a pouco e pouco foi amealhando curiosos prontos para ouvir um bom rock.
Outra das estreias deste dia foi dos Guillemots, que começaram mornos, mas a partir do single «Trains to Brazil» foi convencendo com as suas canções indie loucas e carregadas de instrumentos, como se cada música fosse a última a ser ouvida.
O palco principal fechou ao som de reggae. As honras foram feitas pelos franceses Babylon Circus que montaram uma bela festa colorida musicalmente com intérpretes de qualidade. Pena o alinhamento deste cartaz ter ficado desiquilibrado não conseguindo segurar o público muito tempo de concerto para concerto. Estes Babylon Circus na noite de Manu Chao teriam tido a recepção que mereciam.
Foram quatro dias em que não faltou a festa, confirmaram-se sucessos e descobriram-se outros potenciais. A enchente que se fez notar no primeiro dia não se alastrou até ao final, mas não faz mal quando se presenciar grandes actuações como de The Streets, Of Montreal, Patrick Wolf, Manu Chao e Damian Marley, todos vencedores nesta décima primeira edição do festival Sudoeste. Para o ano há mais.

Autores: João Moço (aka Spaceboy) e João Gonçalves

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Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Festival Sudoeste, Dia 3: Entre A Palavra e A Androginia

2007-08-05T17:20:00.000+01:00

Ao terceiro e último dia do festival Sudoeste, a palavra foi o que marcou a ordem do dia com as prestações de The Streets e dos portugueses Sérgio Godinho e Sam the Kid. Já do outro lado (Palco Planeta Sudoeste) a androginia de Patrick Wolf levou muitos a histeria, mas quem levou o troféu pelo melhor momento da noite foi sem dúvida o projecto de Mike Skinner. O colectivo Groove Armada cumpriu com as expectativas, depois de uma mudança súbita de horários e de alguma chuva que não fez arredar pé os mais resistentes.
Sérgio Godinho é um representante de uma geração mais antiga, que viveu o 25 de Abril na pele, tendo (quase) sempre a revolução como porta-estandarte das suas canções. No entanto, tal facto não impediu que o cantor se adaptasse ao ambiente festivaleiro, conseguindo animar o público que se encontrava no festival. A abrir com o single de apresentação do seu mais recente disco, «Ligação Directa», mostrou como a sua composição ainda está em muito boa forma, mas foram temas históricos como «O Primeiro Dia» e «Com Um Brilhozinho nos Olhos» que as hostes mostraram mais entusiasmo.
Representante já da nova geração é Sam the Kid, que se seguiu a Sérgio Godinho, e que provou para quem tinha alguma dúvida que este é o maior artista de hip hop nacional, estando ao nível (ou até ultrapassando) vários conceituados internacionais. Acompanhado pelo baixista dos Cool Hipnoise e João Gomes do mesmo coelctivo, mais a sua trupe, Sam the Kid apresentou a sua grande obra «Pratica(mente)», que ao vivo ainda cresce mais com a adesão do público às rimas revolucionárias deste poeta urbano.
Pouco depois de Samuel Mira entrar em palco, Patrick Wolf iniciava o seu espectáculo no palco secundário. Se quando começou a carreira o violino era a peça central da música de Patrick Wolf, agora ao fim de três discos de originais e muito concerto na estrada, esse instrumento já é remetido maior parte do tempo para uma acompanhante de espectáculo, uma vez que este inglês agora está mais preocupado em dar um bom espectáculo de entretenimento, onde o preconceito não entra e as barreiras são facilmente quebradas. Patrick Wolf é um performer, que arrasa com o público, seja pelo seu strip-tease (que por muito pouco não foi integral), seja pela intensidade com que se entrega às canções e aos fãs, o que foi uma preocupação para os seguranças quando o músico se misturou com o público para cantar «Get Lost». No Sudoeste o cantor encontrou um público bastante conhecedor do seu trabalho, e pelas reacções após o concerto, conseguiu amealhar muitos mais fãs. Patrick Wolf está prestes a tornar-se uma coqueluche em Portugal.
Onde a palavra tem um lugar de destaque é também nos temas do projecto The Streets, que por estes lados se esperava com mais ansiedade. As expectativas eram elevadas, mas o medo de falhar também era muito, já que as músicas de Mike Skinner estão muito concentradas na produção de estúdio, o que poderia falhar em concerto. A verdade é que não falhou, mas superou e arrasou. Envergando uma t-shirt oficial do festival e descalço, Mike Skinner subiu ao palco com mais um rapper, um baterista, dois teclistas e uma cantora nos coros e revelou um espírito bastante descontraído, sempre pronto a ter um contacto mais próximo com o público, ora falando várias vezes em português, ora dando-lhe dicas para que a animação se elevasse ao máximo. O single «When You Wasn’t Famous» levou todos ao rubro, tal como «Weak Become Heroes» ou a fechar «Fit But Yu Know It», com incitações ao mosh pela parte de Skinner. Por entre as suas canções que relatam os ambientes urbanos sem falinhas mansas, foram tocados muito rapidamente temas de outros grupos, como «Over & Over» dos Hot Chip, «Out of Space» dos Prodigy ou «I Love Rock’N’Roll» dos The Arrows. Com algumas das melhores canções que ouvimos nesta década, uma presença em palco perfeita para concertos e uma entrega de louvar, Mike Skinner com o seu projecto deu o grande concerto do festival.
Depois veio a chuva, enquanto os The Australian Pink Floyd prestavam tributo obviamente aos Pink Floyd. Mas os festivaleiros não se deixaram abater e não arredaram pé para ver a actuação dos Groove Armada (que só tocaram às 3h30 devido a problemas com o avião). Da dupla só veio Andy Cato, mas que se fez acompanhar de vários músicos e vocalistas e de um espectáculo visual muito forte, que fizeram do recinto a maior pista de dança ao ar livre em Portugal. Mas nem sempre esta pista de dança esteve ao rubro, pois se a festa foi grande ao som de êxitos como «I See You Baby» e «Superstylin`», pelo meio houve um outro momento mais calmo, que por pouco entrava na monotonia, devido a uma aproximação aos toadas lounge. Mas quando a receita era de house com soul e hip hop, esquecíamo-nos dos momentos mais fracos.
Com o sol a desaparecer, espera-se um final em grande para o último dia do festival Sudoeste que recebeu uma das maiores enchentes de sempre. Esperemos pelo regresso dos James e pelas estreias há muito aguardadas de Of Montreal e The National.

Autor: João Moço (aka Spaceboy)

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Foto: Antena 3

Festival Sudoeste, Dia 2: A Periferia No Domínio

2007-08-04T16:37:00.000+01:00

Noite de estreias, confirmações, e revelações, isto tudo perante numerosa afluência de sudoesteanos à semelhança do que tinha acontecido na véspera. Nem o facto de haver transmissão televisiva de jogos particulares de FC Porto e Benfica desviou a concentração de milhares que se entregaram de corpo e ouvidos à estreia dos Cypress Hill, à confirmação dos Buraka Som Sistema no palco principal, e às revelações no palco secundário dos noruegueses Datarock, do atrevimento dos brasileiros Bonde do Rolê, e ainda às boas «vibes» do palco reggae. Com o hip hop, kuduro e baile funk a terem um lugar de destaque, a música de periferias dominou claramente este segundo dia de festival.
Ainda o sol estava alto quando os portugueses Cool Hipnoise subiram ao palco, em substituição do inglês Just Jack. A hora levou a que o público estivesse presente num número reduzido, mas tal não impediu que a receita de funk, soul, reggae, afrobeat e algum hip hop fosse contagiando os presentes. Tal mescla de sonoridades resultou muito bem com o calor que se sentia a esta hora.
Num estilo bem diferente de grande parte dos grupos que actuaram neste dia no festival Sudoeste estiveram os escoceses Cinematics, que durante a sua actuação só faziam lembrar outros escoceses, mas de melhor categoria, os Franz Ferdinand. O indie-rock devedor dos anos 80 deste grupo ao fim de um par de músicas entra numa constante repetição (algo que acontece com muitas bandas deste tipo) e como o público estava ali para ver Cypress Hill e Buraka, as reacções não foram de grande entusiasmo. Já existem demasiadas bandas que querem viver nos anos 80, não precisamos de mais uma.
Se na noite de estreia o reggae esteve em grande no palco principal, esta noite foi o Hip Hop que triunfou. Mas falamos do Hip Hop da velha escola que os Cypress Hill ainda hoje representam muito bem. Passavam 40 minutos da meia noite quando aconteceu um dos momentos mais esperados do Festival, a estreia em Portugal dos Cypress Hill. E é bonito olhar para uma plateia entusiasta de mais de 30 mil pessoas a acolherem tão bem o Hip Hop dos californianos. O facto da multidão reagir bem ao idioma escolhido pela banda para comunicar também demonstra que havia ali muitos fãs sabedores das origens cubanas dos seus ídolos, e não lhes levou a mal a ousadia de se ouvir castelhano durante uma hora e pouco.
Por muito menos os Oasis foram corridos à pedrada há uns anos. Excelente lição de Hip Hop construída à base de grande malhas como «Insane In the Brain», ou «How I Could Just Kill A Man» ou o agitado «Money». A maneira como Sen Dog acabou o concerto, saltou do palco para a primeira fila de fãs sendo resgatado pelos seguranças, mostrou bem a satisfação do grupo nessa sua estreia lusitana.
Ao mesmo tempo que os Cypress Hill se estreavam em grande em palcos nacionais, no Palco Planeta Sudoeste os brasileiros Bonde do Rolê faziam furor com toda a provocação que o seu funk brasileiro possui. Quase toda a performance está concentrada na vocalista Marina Vello, que chega a ameaçar um strip-tease durante o espectáculo. Eles vão buscar samples de Daft Punk, Europe ou Iron Maiden e misturam-nos com as batidas promíscuas do funk e com uma atitude festiva e algo louca que pôs o público que enchia o Planeta Sudoeste ao rubro. Em Maio passado passaram pela Galeria ZDB e já na altura este espaço tinha-se revelado demasiado pequeno para a euforia dos concertos dos Bonde do Rolê, mas agora no Sudoeste tiveram uma merecida enchente, que se entrega aos sons das periferias de corpo e alma (mas mais corpo).
Com derivados de Hip Hop mas apostando tudo no chamado Kuduro Progressivo os Buraka Som Sistema cumpriram o ciclo de ascenção meteórica dentro do espaço sudoesteano. No concerto que marca a despedida da jovem vocalista Petty (16 anos), os Buraka justificaram plenamente a promoção de que foram alvo. Há um ano arrasaram no palco principal, enquanto os Daft Punk estavam no principal, e esta noite fecharam uma das noites do Sudoeste no maior palco contagiando as massas até bem depois das 3 da matina! A multidão podia saber ou não dançar kuduro, isso era irrelevante, o que importa na música dos Buraka Som Sistema é dar ao público uma das maiores festas de música e dança que ele pode presenciar e foi exactamente isso que os Buraka proporcionaram.
É a prova de que vale a pena dar tudo no palco mais pequeno para garantir acesso à subida. Na rampa de lançamento para a consagração da promoção ficam desde já apurados os Wraygunn pelo seu excelente concerto de ontem, os provocadores Bonde do Rolê, e os noruegueses Datarock que devem ter ganho uns quantos fãs com a sua pssagem surpreendente.
O Festival segue para o 3º dia, agora em modo de fim de semana. As enchentes no recinto devem ser para manter.

Autores: João Moço e João Gonçalves

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Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Festival Sudoeste, Dia 1: Recepção em massa!

2007-08-03T16:46:00.000+01:00

Fosse o Sudoeste apenas e só um festival de música e podiam mandar encerrar a edição 2007 já que o concerto que encerrou a noite, caminhavam os ponteiros do relógio para as 5 da manhã, foi o mais dançado, celebrado, e festivo de que há memória na Zambujeira do Mar. Atraídos pelas cores, e cheiros, do reggae e derivados, dezenas de milhares de veraneantes encheram o renovado recinto do Sudoeste para celebrarem uma fantástica noite amena que marcou o arranque da edição 2007. Manu Chao e Damian Marley arrasaram!
Se há um ano a canção mais ouvida por estes lados era a «Chase The Devil» popularizada por Max Romeo (que acabou por não comparecer à chamada), este ano reina «Could You Be Loved» que só na primeira noite ouvia-se por um dos muitos stands dos patrocinadores, e que foi interpretada em palco duas vezes, primeiro por Gilberto Gil, e mais tarde com a dignidade que um membro do clã Marley lhe pode dar. Damian «Junior Gong» Marley. o mais novo dos filhos do mestre Bob, subiu ao palco já depois da meia noite, e tinha uma plateia já totalmente rendida ao encanto do seu apelido. Depois só teve que desfilar as suas canções dos três discos de originais com natural destaque para «Welcome to Jamrock», tema-título que encerrou a sua excelente actuação. Pelo meio tivemos direito a ouvir clássicos do reggae como «Get Up, Stand Up», sempre interpretados de maneira muito personalizada, e exemplarmente acompanhados a nível musical. Destaque ainda para o homem que agitou em palco sem parar (literalmente) a bandeira Rastafari de maneira orgulhosa!
Mas antes a festa foi grande ao som dos suecos I’m From Barcelona. Por volta das 22h30 entram cerca de 20 dos 29 membros que constituem este grupo e foi impossível não nos entregarmos por completo ao que víamos em palco tal como uma criança que prova o seu primeiro doce. «Treehouse» deu mote ao espectáculo, durante a qual o líder Emanuel Lundgren sobrevoou o público com uma colcha de praia. Durante uma hora regressou-se à infância, fez-se a festa com muitos balões e confettis, fizeram-se palhaçadas sem ninguém se importar minimamente com isso. Com música assim a Suécia deve ser um país onde a alegria e a inocência não faltam. Ainda bem!
Logo a seguir veio Gilberto Gil para aquecer as hostes para o belo espectáculo que foi o de Damian Marley, como já se referiu.O ministro da cultura brasileiro fez jus ao cargo que tem, apresentando ao vivo algumas das canções mais importantes para a música tradicional brasileira. Com um espírito irrequieto e descontraído pôs o público do Sudoeste a dançar ao som dos seus sambas, numa verdadeira lição de música brasileira.
Já muito se tinha dançado a Sudoeste, mas a loucura colectiva estava para chegar com o regresso a Portugal de Manu Chao com disco novo, «La Radiolina», pronto a sair no próximo mês. Lá bem na frente do palco, onde o Disco Digital assistiu ao concerto, as expectativas eram altas já que as passagens do ex-Mano Negra por Belém e Vilar de Mouros fazem parte do nosso imaginário musical.
Mas enquanto uns assistiam à festa de Manu Chao, outros (mas poucos) preferiram a alternativa no palco Planeta Sudoeste com os londrinos The Noisettes a apresentar o seu garage rock endiabrado. A vocalista Shingai Shoniwa em palco possui a irreverência de uma Karen O dos Yeah Yeah Yeahs mas com alguns pozinhos de Lola Olafisoye dos Spektrum. Apesar de um outro momento mais monótono, é de louvar o esforço da banda para atrair o público com uma concorrência tão forte como a de Manu Chao. Tentaram pegar fogo ao Planeta Sudoeste, mas este só se poderá alastrar para a próxima.
A entrada em cena de Manu Chao foi feita ao melhor estilo das apresentações de equipas de futebol, muito em voga por esta altura, com o os músicos a ocuparem os seus lugares um a um espaçadamente. Manu Chao foi o último, agarrou na guitarra começou a cantar, a pular, e sorrir, para não mais parar! O andamento foi acompanhado à risca por toda a plateia que durante mais de duas horas levantou a famosa nuvem de pó sudoesteana com tamanha agitação. Ouvimos as canções emblemáticas que pintam o reggae com a rumba pedindo emprestadas referências a quase todos os estilos musicais que puxem para a dança. O ritmo foi alucinante, a sintonia entre palco e plateia perfeita, e assim se explica que Manu Chao tenha ficado em palco mais 40 minutos do que estava previsto. E por vontade dos festivaleiros era até de manhã. Só não foi ainda melhor do que as passagens anteriores porque desta vez faltou a secção de sopros. Para a história fica a assinatura de Manu Chao no melhor concerto/festa que o Sudoeste já viveu!
Siga a festa.

Autores: João Moço (aka Spaceboy) e João Gonçalves

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Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Sudoeste 2007 - (quase) A Caminho

2007-08-01T23:58:00.000+01:00

Estou a umas horas de chegar ao 10º Festival Sudoeste. A maior ansiedade é mesmo para ver o excelente projecto de Mike Skinner (e uma das melhores coisas da década), The Streets. Mas também há muita vontade em ver I'm From Barcelona, Gilberto Gil, Damian Marley, Cypress Hill, Mary Ann Hobbs, Sondre Lerche, Patrick Wolf, Groove Armada, Albert Hammond Jr., Phoenix, James, Guillemots, Of Montreal e ...Trail of Dead. E espero rever WrayGunn, Buraka Som Sistema, Bonde do Rolê e o Sam the Kid. E já agora, a ver se é desta que consigo gostar minimamente dos The National, mas às duas da manhã...
Se tiver sorte farei uma ou outra entrevista. Vai ser bom. Aqui em baixo fica o cartaz completo com horários:

Dia 2 de Agosto

Palco TMN
02h20 - 03h50 Manu Chao
00h30 - 02h00 Damian Marley
23h30 - 00h20 Gilberto Gil
22h20 - 23h10 I'm From Barcelona
21h10 - 22h00 Ojos de Brujo
20h00 - 20h50 Mayra Andrade

Palco Planeta Sudoeste
04h30 – 05h30 Nuno Reis
03h30 - 04h20 2 DJs do C******
02h10 – 03h10 The Noisettes
00h50 – 01h40 Wraygunn
23h20 – 00h20 Camera Obscura
21h50 – 22h50 Lonely Dear
20h40 – 21h25 Filarmónica Gil
19h30 – 20h15 Claud

Palco Positive Vibes
00h00 - 01h00 Cassius

Dia 3 de Agosto

Palco TMN
02h00 - 03h20 Buraka Som Sistema
00h40 - 01h40 Cypress Hill
23h20 - 00h20 Cinematics
22h10 - 23h00 Outlandish
20h50 - 21h50 Armandinho
19h40 - 20h30 Cool Hipnoise
19h00 - 19h20 Soulbizness

Palco Planeta Sudoeste
03h50 – 05h10 Mary B
02h30 – 03h40 Mary Ann Hobbs
00h50 – 02h10 Bonde do Rolê
23h20 – 00h20 Datarock
22h00 – 22h50 Balla
20h45 – 21h30 Os Lambas
19h30 – 20h15 Nástio Mosquito

Palco Positive Vibes
02h00 - 05h00 Robbo Ranx + General Levy
00h15 - 01h45 Steel Pulse
22h00 - 23h30 S.O.J.A.
20h45 - 21h30 Manif3stos

Dia 4 de Agosto

Palco TMN
02h30 - 03h30 Australian Pink Floyd
00h50 - 02h10 Groove Armada
23h30 - 00h30 The Streets
22h20 - 23h10 Sam The Kid
21h10 - 22h00 Sérgio Godinho
20h00 - 20h50 Air Traffic

Palco Planeta Sudoeste
04h20 – 05h20 Hugo Santana
03h10 – 04h10 Sonic Junior
01h50 – 02h50 Vanessa da Mata
00h20 – 01h20 Koop
22h50 – 23h50 Patrick Wolf
21h20 – 22h20 Sondre Lerche
20h05 – 20h50 Tiago Bettencourt
19h00 – 19h40 Eta Carinae

Palco Positive Vibes
02h00 - 05h00 Sound Portugal
00h15 - 01h45 Saian Supa Crew
22h00 - 23h30 Martin Jondo
20h45 - 21h30 Stepacide

Dia 5 de Agosto

Palco TMN
01h35 - 02h35 Babylon Circus
23h45 - 01h15 James
22h25 - 23h25 Phoenix
21h05 - 22h05 Razorlight
20h00 - 20h45 Albert Hammond Jr

Palco Planeta Sudoeste
04h20 – 05h20 Rui Vargas
03h20 – 04h10 Stereo Addiction
02h00 – 03h00 The National
00h30 – 01h30 Trail Of Dead
23h00 – 00h00 Of Montreal
21h30 – 22h30 Guillemots
20h15 – 21h00 Tara Perdida
19h00 – 19h45 2008

Palco Positive Vibes
02h00 - 05h00 Pow Pow Movement
00h15 - 01h45 Tiken Jah Fakoly
22h00 - 23h30 Yellowman
20h45 - 21h30 Alioune K

Map of Africa - Map of Africa

2007-08-01T00:06:00.000+01:00

Quando um DJ/produtor se junta a uma das metades de um projecto de música electrónica, o que é que sairá daí? Supostamente um projecto dentro do mesmo estilo. Pois bem, Harvey Bassett (também DJ Harvey) e Thomas Bullock (uma das metades dos Rub N’ Tug) juntaram-se e formaram estes surpreendentes Map of Africa, que nesta estreia discográfica se entregam ao rock’n’roll. São os dois ingleses, mas decidiram emigrar para a Califórnia e aí iniciar a sua viagem psicadélica pelo rock’n’roll americano, com paragens na folk, no funk e uma visita de médico aos campos da electrónica.

Recuamos aos anos 70 e recuperamos as guitarras incendiárias dos Black Sabbath em “Black Skin Blue Eyed Boys” (uma cover dos Equals), enquanto Harvey com a sua voz seca faz lembrar a espaços o líder dos Sabbath nos seus melhores dias. A viagem pelo alcatrão sujo que percorre os EUA continua em “Gonna Ride”, enquanto em “Dirty Lovin’” ingerimos ácidos enquanto escutamos a guitarra psicadélica de Thomas Bullock.

Já no tema que dá título ao projecto e ao álbum somos contaminados por ambientes pacíficos que se aproximam do dub. Mais à frente em “Get Outta Bed” fazemo-nos acompanhar por Jon Spencer dos Blues Explosion, mesmo que fisicamente não esteja presente, e fazemos uma breve visita aos blues, mesmo que na sombra esteja James Murphy dos LCD Soundsystem a marcar influência.

Map of Africa é surpreendente, pelas características que tem vindo de quem vem, por conseguir chegar a tantos lugares sempre com um espírito rock’n’roll, pelas histórias alucinadas que são cantadas em perfeita sintonia com a música solta de amarras que aqui se ouve. Bela estreia. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Black Skin Blue Eyed Boys"; "Gonna Ride"; "Get Outta Bed"

Publicado no hiddentrack.net

TV On the Radio - "Province"

2007-07-30T23:32:00.000+01:00

O excelente tema que os TV On the Radio gravaram com David Bowie no mais recente Return to Cookie Mountain é agora single e já tem um vídeo (e que grande vídeo!). Podem ver o vídeo aqui ao lado no SpaceVideo sempre que quiserem. E nem de propósito está disponível no bodyspace uma excelente entrevista a um dos guitarristas da banda, Kyp Malone, aquando da sua presença em Portugal com a banda e a solo. Podem ler a entrevista aqui.

Aimee Mann no Coliseu dos Recreios: Bela e Serena

2007-07-26T14:24:00.000+01:00

Não foi preciso a mítica sala lisboeta esgotar para que a estreia de Aimee Mann em Portugal corresse na perfeição. Uma grande empatia entre fãs e cantora sentiu-se desde o primeiro momento do espectáculo e no final todos saíram com um sorriso de enorme contentamento.
Passavam poucos minutos das dez horas quando a cantora norte-americana pisou o palco do Coliseu dos Recreios acompanhada por dois teclistas (que ora tocavam piano, ora sintetizadores) e outro músico que se dividia entre o baixo e a guitarra (sendo que mais tarde juntou-se-lhes um baterista). Altiva, mas demonstrando sempre uma grande simplicidade, tal como as suas canções, Aimee Mann tinha à sua frente uma base de fãs que já ansiavam aquele momento há tanto tempo que teria já à partida o concerto ganho.
A banda-sonora do filme de Paul Thomas Anderson, «Magnolia», foi o que levou esta cantora ao sucesso e é ainda por causa das músicas desta banda-sonora que muitas das pessoas se dirigem aos seus concertos, ou não tivessem sido estes os temas que receberam mais aplausos e despertaram assim os momentos de maior entusiasmo, como foi perceptível no conhecido «Save Me».
Mas não só de temas do filme «Magnolia» constituiu o concerto de ontem à noite, pois houve oportunidade para recuperar temas de toda a sua discografia a solo, abrindo o espectáculo com «Little Bombs», do seu último registo já editado há dois anos, «The Forgotten Arm», e fechando a primeira parte do concerto com «Way Back When» do seu primeiro disco, «Whatever».
A aparente simplicidade das canções de Aimee Mann ao vivo adquire uma força ainda maior, muito por estarmos perante uma cantora já com os seus 46 anos mas que tem a beleza e a vitalidade de uma de 26, com uma voz que apesar da sua candura, está muito segura de si. Tal pode-se constatar no início do primeiro encore com «Red Vines», que começou apenas com a voz e a guitarra de Aimee Mann e que foi um dos momentos mais emocionantes. Quando voltou para o segundo encore os fãs pediram incansavelmente o mítico tema «Wise Up», e Aimee Mann fez a vontade ao público, para depois acabar com outro tema de «Magnolia», «Deathfly», para deleite dos seus admiradores.
Nem a falha em «Momentum», que foi avisada antecipadamente pela cantora que seria a primeira vez que a iria tocar, fez esmorecer o bom ambiente que se sentiu entre público e cantora, que várias vezes demonstrou o seu entusiasmo por se estar a estrear em Portugal. Que volte depressa.

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Foto: Espanta Espíritos - Blitz

Dizzee Rascal - Maths + English

2007-07-20T00:27:00.000+01:00

“There’s a world outside of the ghetto and I want you to see it”. É com estas palavras que o jovem Dizzee Rascal começa a fazer-se ouvir no mais recente disco Maths + English, enquanto se ouvem facas a afiarem-se constantemente. Será isto uma previsão de um ataque em grande por parte do rapper britânico?

Logo aos dezoito anos com Boy In Da Corner tinha aparecido do nada, para surpresa de todos, com um flow onde a fúria e a rapidez se aliavam para uma quase impossível interpretação das suas palavras às primeiras audições. Esse disco valeu-lhe um merecido Prémio Mercury em 2003 e tornou-se a maior (e única) estrela do grime, o que lhe valeu algumas inimizades (hey Wiley!). No ano a seguir continuou a surpreender com Showtime e depois seguiram-se três anos de interregno. Até que nos chega Maths + English, o disco mais eclético do rapaz, que já está bem além do que é o grime, e que é o melhor disco de hip hop que se ouviu este ano, um ano que não está a ser nada positivo para este estilo.
Como já se referiu, o sucesso de Dizzee Rascal valeu-lhe um conflito com Wiley, outro dos maiores do grime, com quem fez parte do colectivo Roll Deep, mas este é um assunto a que Dizzee se recusa várias vezes de falar. Então o que é que ele faz? Escreve uma música sobre o assunto, ou não fosse, muito provavelmente, “Pussy’ole (Old Skool)”, dedicada a Wiley. Esta é só um dos vários exemplos de como Dizzee Rascal sabe muito bem qual o seu lugar no hip hop, o grime é demasiado pequeno para ele. Com um sample do tema “It Takes Two” de Rob Base e DJ E-Z Rock de 1988, este segundo single recupera o ambiente de clubes de hip hop de Nova Iorque e coloca-o em 2007 com sintetizadores intergalácticos à mistura, discorrendo sobre uma realidade de agora. Dos momentos altos.
Logo a seguir vem “Sirens”, demolidora nas suas guitarras à Rage Against the Machine, enquanto Dizzee Rascal lança bombas ao sistema de classes britânico (como se pode ver também pelo vídeo em que o músico é uma presa, tal raposa classe alta anseia apanhar). Em “Where’s Da G’s” faz-se uma viagem até ao sul dos EUA, onde encontramos os UGK. Colaboração inesperada, mas que resulta na perfeição. Aqui são os falsos rappers que são o alvo de Dizzee, enquanto ouvimos um dos melhores temas de hip hop sulista do ano por um britânico.
E quando pensávamos que o two-step/UK Garage já estava morto e enterrado, eis que aparece “Flex”. Com os seus sopros encurralados, os sintetizadores e a batida base a dançarem livremente entre a house e o r’n’b. “Da Feelin’” recupera as batidas drum’n’bass 90s, produzida Shy FX. “Bubbles” é um dos momentos altos do disco, com uma linha de baixo que vai borbulhando por cima de sintetizadores serpenteantes e uma batida que por momentos vai para a rua. Timbaland gostaria de ter produzido isto.
Há espaço também para estrelas completamente alheias ao campo em que Dizzee Rascal se movimenta. Alex Turner, vocalista dos Arctic Monkeys, safa-se muitíssimo bem em “Temptation”, que dá um toque indie rock ao minimalismo do tema. Já Lily Allen proporciona o momento cómico do disco (não é depreciativo) em “Wanna Be”, onde canta os hilariantes versos naquele tom deliciosamente inocente: “so you wanna be a gangster, tell me jus tone thing, what you know about being a hardman, your mum buys your bling”. Descontraída, momento pop do disco.
O final cabe a “U Can’t Tell Me Nuffin’”. Tema 100% grime, com os conjuntos de cordas sintetizados em suspense, o baixo pesado, a fúria no rapping.Depois de se ter entregue a tantos estilos, Dizzee acaba por nos enganar no fim. O que será que lhe reserva o futuro? Não sabemos, apenas sabemos que Maths + English é soberbo, coeso, inteligente, corrosivo. Não se deixem enganar pelos títulos de algumas canções e deixem-se levar pela rebeldia deste jovem inglês de 22 anos. (8,5/10)

A ouvir com especial atenção: "Pussy'ole (Old Skool)"; "Where's Da G's"; "Wanna Be"

Publicado no hiddentrack.net

SpaceVideo: Animal Collective - "Peace Bone (live at Malta Festival)"

2007-07-19T01:16:00.000+01:00

Podem ver aqui ao lado um vídeo ao vivo do novo single dos Animal Collective, "Peace Bone", que faz parte de Strawberry Jam, a ser lançado em Setembro (mas que já circula por aí e pode-se dizer que é fantástico). No novo disco podemos ouvir mais canções, um aperfeiçoar do som da banda, o que é extremamente positivo. Depois da excelente surpresa que foi o disco a solo de Panda Pear, Person Pitch, assegurem-se que não se vão desiludir com o novo deste colectivo animalesco. Por agora fiquem com esta amostra, ali ao lado no SpaceVideo.

Festival Dance Station (12/07/07)

2007-07-14T19:16:00.000+01:00

O lema do Dance Station era “uma noite, duas paragens”. Entre o Coliseu dos Recreios e a Estação do Rossio puderam-se assistir a novos valores do actual panorama da música electrónica, confirmaram-se outros enquanto que a alguns o tiro saiu pela culatra. Os mais esperados da noite foram os Chemical Brothers, mas tal não fez com que dessem o concerto da noite.

O início do festival fez ameaçar uma fraca adesão do público, uma vez que este é o terceiro grande festival que a capital recebe num mês e meio, num ano que já de si está a ser o mais rico em concertos, sendo que as bolsas não dão para tudo. Mas foi só uma ameaça e apesar de nenhum dos espaços ter esgotado, ambos estiveram bem compostos para um evento único em Portugal, pois não será de esperar mais espectáculos em espaços como a estação do Rossio.

!!!
Depois dos cancelamentos dos concertos em Abril passado, este regresso dos !!! (chk chk chk) era muito esperado, mas tal como Nic Offer (vocalista da banda) deixou claro durante o concerto, a hora que lhes foi atribuída não era a mais apropriada para o turbilhão de vivacidade e folia que um concerto dos !!! comporta. No entanto foram eles os responsáveis pelo melhor concerto que se assistiu no Dance Station, batendo claramente os cabeças de cartaz: Air e Chemical Brothers.
Para descrever a postura do líder dos !!! é impossível não recorrer ao cliché de “animal de palco”, mas tal assenta que nem uma luva à forma como Nic Offer se comporta. Ele canta e dança desbocadamente ao som do funk psicadélico contaminado de rock dançante, que fizeram o público vibrar intensamente. Inicialmente estavam poucas pessoas mas à medida que a festa ia crescendo, o Coliseu dos Recreios ia compondo-se cada vez mais. Apesar de nunca ter esgotado, para o fim do espectáculo o espaço estava longe de estar às moscas.
A acompanhar em certos momentos os sete irreverentes !!! esteve Shannon Funchess (definida por Nic Offer como “a mulher mais bonita dos EUA”) que deu o toque soul às canções da banda e que juntamente com o vocalista obrigaram o público a dançar até mais não.
Foram várias as vezes que Nic Offer desceu até à plateia para se misturar com o público, chegando mesmo a fazer uma disputa de dança com um dos fãs. Além de excelentes músicos em palco, os !!! revelaram-se grandes performers, sem serem necessários quaisquer aparatos visuais e por isto (e muito mais) levam o galardão de concerto do festival.

Air
Bem mais recheado de público esteve o concerto dos Air, que regressaram a Portugal depois da última actuação no Festival Sudoeste em 2004. Começaram calmos, apresentando os novos temas de uma das maiores desilusões do ano, Pocket Symphony. Se em disco estes temas revelavam-se algo insonsos, ao vivo não melhoraram assim tanto, o que se revelou claramente também na atitude do público que reagia muito mais efusivamente aos antigos temas do grupo (mesmo os do registo anterior ao deste ano) do que aos novos, que não têm chama nem despertam grande interesse.
Felizmente a dupla francesa (acompanhada de mais três músicos) não tocou muitas das novas canções, apostando num alinhamento onde figuraram alguns dos seus melhores temas como “Kelly Watch the Stars” (um dos momentos altos do concerto, que levou a que todos os presentes flutuassem num céu estrelado mesmo num recinto fechado), o hipnótico “Run” ou já no encore uma versão instrumental “Playground Love” (como é bom recordar os tempos de liceu!) e “Sexy Boy”.
Se o espectáculo começou de forma calma, à medida que se ia desenrolando foi adquirindo uma faceta mais psicadélica, não tão óbvia em disco, mas que ao vivo nos fomenta a imaginação e leva o público a dançar, mas menos efusivamente e com mais requinte. Expectativas correspondidas e esperemos que regressem com um disco melhor.

Fischerspooner
Os Fischerspooner querem ser os Pet Shop Boys, mas claramente aqueles Fischerspooner que vimos no Coliseu dos Recreios nunca vão chegar ao nível da mítica banda inglesa.
Para eles um concerto é algo que ultrapassa o acto de simplesmente tocar em tempo real as suas canções para um público: Eles fazem de um concerto algo performativo, um espectáculo quase teatral, que vai desde o freak show ao travestismo, mas tanto aparato acaba por não convencer.
Case Spooner, o vocalista e líder do grupo nova iorquino, entrou vestido à toureiro, com uma rede para o cabelo e a cara de branco. A restante banda também tinha a face de branco, mas com fatos espaciais prateados, da mesma cor que as três bailarinas que os acompanhavam. Por entre coreografias, projecções em tela e constantes mudanças de roupa, o grupo foi tocando alguns dos seus temas mais conhecidos e outros novos de um disco ainda por lançar, sempre com a electro-pop como bandeira estandarte. Contudo, foi constante a sensação de que todo aquele espectáculo visual quer esconder uma fraca criatividade em criar canções pop (exceptuando o single “Never Win” e um ou outro tema pontual). Além disto, o facto do vocalista cantar por cima duma voz pré-gravada não melhorou a actuação.
No entanto, grande parte do público que preenchia o Coliseu vibrou ao som de um dos poucos colectivos sobreviventes do electroclash, que sempre se mostrou parco em criatividade e que ao vivo, apesar do esforço, não melhorou tal condição.

Chemical Brothers
A estação do Rossio foi o local perfeito para receber novamente os Chemical Brothers em Portugal. Que espaço simboliza mais o urbanismo que uma estação de comboios? A amálgama de registos electrónicos de que esta dupla é responsável vive muito deste espírito cosmopolita, por isso é de louvar esta iniciativa de produzir uma série de concertos numa estação de comboios, apesar de, infelizmente, ser improvável que tal se volte a repetir num futuro próximo.
Os Chemical Brothers são daqueles grupos que à partida já têm o concerto ganho. O sucesso e notoriedade que amealharam ao longo dos anos assim o ditou e já há muito que as suas actuações ao vivo são míticas. No entanto, desta vez nem tudo foi perfeito.
Visualmente é incrível o poder que têm, premiando-nos com o melhor das tecnologias multimédia, que absorvem e contagiam o público. Mas sentiu-se ao longo da hora e meia de espectáculo um erro que a dupla se deixou levar demasiadas vezes: as passagens demasiado longas entre os temas. Tal levou a momentos que se aproximaram do monótono, mas quando nos brindavam com os seus temas, havia uma explosão incrível de energia que obrigava à dança. Temas muito conhecidos como “Galvanize” (logo a abrir o espectáculo), “Hey Boy Hey Girl” ou “Get Yourself High” levaram o público ao rubro e várias vezes misturavam-se com alguns dos melhores dos novos temas do mais recente disco We Are The Night. Foi bonito ver tanta gente a dançar num espaço a que muitas vezes se associa ao stress de chegadas e idas, seja para onde for. No final só não foi melhor mesmo pela razão já acima descrita, mas é inegável a força que o caldeirão de sonoridades electrónicas que a música dos ingleses desencadeia nas pessoas.

Digitalism
Por volta das três e meia da manhã vários resistentes ainda se dirigiram ao Coliseu dos Recreios para assistir ao grupo que iria fechar o festival, que no Coliseu sucederam aos portugueses Spaceboys. E foi uma escolha mais que acertada terminar com os alemães Digitalism, que regressaram a Portugal depois da passagem pelo festival Creamfields para apresentar a belíssima estreia Idealism.
Os Digitalism, a par dos Justice ou Simian Mobile Disco (que inicialmente foram um dos nomes avançados para comparecer no festival, juntamente com os Junior Boys, mas ambos acabaram por cancelar as suas actuações) fazem parte duma nova vaga de bandas que recupera muito do estilo rave, juntando-o a uma linguagem rock que casa com as mais variadas correntes electrónicas.
Ao vivo mostraram todo o fulgor que a sua estreia já nos deixava antever e apesar do cansaço de muitos dos resistentes, foi impossível não nos entregarmos a um dos melhores novos valores da música electrónica.
A dupla várias vezes surgia envolta em tons negros, enquanto passavam imagens por trás a preto e branco e em forma de banda-desenhada, que nos transportavam para um clube mais restrito numa cave de Paris (onde esta nova linguagem electrónica é mais prolífera, ou não fossem os Daft Punk uma das maiores referências para estes grupos).
Durante uma hora a dupla viajou desde os tempos áureos do clube Haçienda em Manchester no final da década de 80, até ao século XXI, com paragem obrigatória na electrónica de toque francês de fins dos anos 90, o que obrigou todos os presentes a festejar um final em grande de mais um festival que Lisboa recebe. O single “Pogo” foi o tema que ditou esse final e que só comprovou que estes Digitalism são para seguir com atenção num futuro próximo. Esperemos que para o ano haja mais danças.

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Fotos gentilmente cedidas por Isa Costa.

Matthew Dear - Asa Breed

2007-07-13T05:13:00.000+01:00

Para quem considerava Matthew Dear como um dos novos valores do techno a ter em conta, por vir a surpreender-se com o seu novo registo Asa Breed. O techno minimal que lhe conhecíamos como precursor ora na sua vertente mais dançável, ora acompanhado de algum obscurantismo, ficou definitivamente remetido para os seus heterónimos: Audion, Japperjaw e False. Como o anterior registo em nome próprio, Backstroke, já ameaçava, Matthew Dear entrega-se agora de corpo e alma às canções. É surpreendente como Matthew Dear consegue criar canções pop perfeitas, que se alojam no ouvido, que passam a pertencer ao nosso quotidiano e que marcam acontecimentos.

“Deserter” é um exemplo que se encaixa habilmente nesta definição. A voz pesada e arrastada, que carrega consigo o peso do desprezo, da perda, que nos despertam logo os sentidos, funde-se com uma batida directa e guitarras quase shoegaze, a lembrar uns My Bloddy Valentine, enquanto se ouvem também sintetizadores quase angelicais e um turbilhão de texturas electrónicas que se confundem entre si. Tanta confusão nunca fez tanto sentido. Esta é já uma das canções do ano.

Apesar de neste novo registo se deixar levar completamente pelo formato canção, Matthew Dear não esquece toda a aprendizagem no mundo do techno que teve para trás e esta é uma das características mais surpreendentes em Asa Breed, é o facto de este utilizar inúmeros elementos do techno mais minimal em autênticas canções pop (“Neighbourhoods”, “Don and Sherri” ou “Pom Pom” são alguns exemplos disto). Mas não só de elementos electrónicos vive este disco, pois há espaço também para uma surpreendente guitarra acústica a que Matthew Dear se entrega no final do disco. “Give Me More”, “Midnight Lovers” e “Vine To Vine” são disto exemplo. Nesta última faixa Matthew Dear aparenta mesmo um cruzamento entre duas grandes figuras da música: Johnny Cash e Nick Cave.

Se os TV On the Radio fizessem música electrónica com vincos no techno soariam ao que se ouve em Asa Breed. Ao terceiro registo em nome próprio Matthew Dear abre novos horizontes à sua carreira e ilumina-nos caminhos que dantes soavam demasiado difíceis de se desbravarem. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Fleece On Brain"; "Neighbourhoods"; "Deserter"

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Festival Super Bock Super Rock

2007-07-07T23:35:00.000+01:00

Act II
4 Julho

Clap Your Hands Say Yeah

Estes foram uma das surpresas do segundo dia do Act II do Super Bock Super Rock. Pela primeira vez em Portugal, vieram supostamente apresentar o mais recente disco editado no início do ano, Some Loud Thunder, que tinha sido uma desilusão face à estreia homónima da banda há dois anos. Mas talvez por terem consciência que este disco não teve a melhor das recepções, ao vivo decidiram apostar mais nas canções do primeiro registo. Fizeram muitíssimo bem.
A voz de Alec Ounsworth ao início pode soar incrivelmente estranha e até irritante, mas ao fim de algum tempo uma pessoa acaba por se deixar levar por esta voz invulgar. Foi o que aconteceu a muitos dos presentes no recinto do festival, que a pouco e pouco foram aderindo às canções que fazem malabarismos entre a pop e o rock, com a presença dos Talking Heads sempre na sombra. Abriram com um dos temas mais conhecidos da banda, “Satan Said Dance”, que iniciou de forma impecável o espectáculo, onde se ouviram outros belos temas como “Over and Over Again (lost and found)” ou “The Skin of My Yellow Country Teeth”, que levaram os fãs da banda ao rubro e despertaram interesse em muitos dos que desconheciam este grupo de Brooklyn.
Ao fim de uma hora de concerto a banda cumpriu com os seus objectivos e o público mostrou-se entusiasmado. Esperemos que a nível de discos, o futuro da banda seja tão risonho como a sua estreia em palcos nacionais.

The Jesus and Mary Chain

Os Jesus and Mary Chain estão velhos e além do peso da idade, estão sóbrios. Pode parecer ridículo, mas estas duas condicionantes são determinantes para a avaliação do concerto deste grupo mítico. Este era um regresso bastante esperado pelos fãs, uma vez que desde 1998 que o grupo estava em interregno, e além disso não davam um concerto em Portugal há doze anos. Provavelmente por tudo isto as expectativas estavam altas demais.
A postura da banda é fria, toca o que tem a tocar e poucas palavras dirige ao público e manifestações entusiastas também não se vêem. Mas sempre foram assim, não há muito a fazer. O início do concerto não ajudou à desilusão que estava estampada na cara de muitos dos presentes, com a banda ainda a afinar os instrumentos. No entanto o desastre nunca esteve perto.
Durante pouco mais de uma hora a banda de Psychocandy foi desfilando alguns dos seus temas mais conhecidos, que proporcionaram boas memórias e nos fizeram crer que, apesar da loucura de outros tempos já não estar presente, o grupo ainda continua numa forma bastante aceitável, estando cientes de como satisfazer os fãs.
“Some Candy Talking” foi provavelmente o momento do concerto, com a bateria a mostrar uma grande garra. O início teve alguns problemas, mas a grandeza da canção não se deixou abater por isso. As conhecidas “Just Like Honey” ou “Happy When It Rains” foram dos momentos mais aplaudidos, sendo que no final ficámos com uma electrizante “Teenage Lust”.

LCD Soundsystem

Já se sabia que os LCD Soundsystem eram bons, mas ao vivo superam todas as expectativas. A última actuação do grupo de James Murphy em Portugal há dois anos no Sudoeste fez subir as expectativas a um nível muito alto, mas quando se tem o melhor disco de 2007 (Sound of Silver), a coisa não podia correr mal. James Murphy parecia várias vezes durante o espectáculo que estava a supervisionar o trabalho dos seus colegas, para que tudo saísse na perfeição. No final do concerto tínhamos a certeza que melhor teria sido praticamente impossível.
“Us vs. Them” abriu o concerto e deixou o público em euforia, que desde logo se entregou à fusão de rock com funk, pop, disco-sound, punk e house que está presente na música do grupo. Também no início entregaram uma série de singles, tais como “Daft Punk is Playing in My House”, “All My Friends”, “Tribulations” e “North American Scum” que obrigou a que todos os que ali estiveram presentes dançassem compulsivamente, sem pensar que estavam milhares de pessoas à sua volta e que nos mostraram uma banda que ao vivo dá tudo de si, sem falhas e em perfeita sintonia.
O facto de terem tocado logo os seus temas mais conhecidos não impediu que o recinto do Super Bock Super Rock se transformasse numa pista de dança ao ar livre de grandes proporções, como se provou na electrizante “Yeah”, que foi cantada efusivamente por todos
Depois deste tema a banda voltou para um encore que começou de forma calma com “Someone Great”, uma das canções mais emocionantes da banda, que contém estes versos difíceis de esquecer (“There shouldn’t be this ring of silence, but what are the options when someone great is gone, we’re safe for the moment”). Depois seguiu-se-lhe provavelmente uma cover dos Joy Division, para terminarem de forma inesperada com “New York I Love You, But You’re Bringing Me Down”, ode épica dedicada a Nova Iorque à la Lou Reed.
Incontornável é o adjectivo que melhor descreve a actuação de James Murphy e comparsas no segundo dia do Act II do Super Bock Super Rock. Foram os reis da noite e só não digo que foram de todo o festival porque só estive presente dois dias. Os Beastie Boys que se cuidem que têm aqui uns adversários a concerto do ano.

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5 Julho

The Gossip: Beth Ditto é a maior, em todos os sentidos. Ao vivo sabe perfeitamente como conquistar as pessoas que a vêem. Ela canta, dança, grita, manda piadas e tudo isto aliado ao indie rock bamboleante da sua banda, com pozinhos soul, faz maravilhas. O seu vozeirão, o baixo pulsante e a atitude cool da banda ao vivo (e não só) conquistam qulaquer um. Só o facto de se terem dignado a homenagear a enorme Aaliyah, tocando um dos seus temas, faz com que tudo isto soe muito bem.

TV On the Radio: Ao vivo provaram porque é que são uma das melhores coisas que aconteceu ao rock neste início do século XXI. David Sitek vive para aquela guitarra, Tude Adempipe mostrá-se eléctrico, dança e pula compulsivamente e conquista todos à sua volta, e o Kyp Malone é provavelmente um dos músicos com mais pinta da actualidade, só razões para considerar que o concerto deles no SBSR foi um dos melhores que por lá aconteceram e de certezao melhor desse dia. Aquele final com "Staring at the Sun", com o sol já a pôr-se, foi mágico. Que voltem depressa.

Scissor Sisters: Dou a mão à palmatória, esta gente sabe muito bem como entreter o povo. Nunca fui fã da música deles em disco, mas ao vivo proporcionam uma festa tresloucada, extravagante, viva, divertida. O que eles fazem ao vivo é para se festejar sem preconceitos (e foi muito engraçado ver alguns "machões" a quererem dançar mas com medo do que os outros poderiam pensar). Divertidíssimo.

Interpol: Finalmente em Portugal. Muitos consideraram que a postura da banda ao vivo é muito fria, talvez demasiado influenciado pela festa das irmãs tesoura. Mas também foram muitos os que se deixaram levar pelas canções de toadas negras, mas com um luz ao fundo, dos Interpol. Tocaram quase todas as suas melhores músicas (só faltou mesmo a "C'mere") e presentearam-nos com alguns inéditos que despertaram interesse. O encore com "NYC" e "Stella Was A Diver and She Was Always Down" (provavelmente a melhor música do grupo) foi maravilhoso. Não podiam ter-se entreado em Portugal de melhor forma. A rever em Novembro.

Para lerem reportagens mais aprofundadas sobre todos os dias do festival, leiam as reportagens do Gonçalo Sítima, Sílvia Dias, Susana Jaulino e minhas para o hiddentrack.net:

http://www.hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=227

Ou leiam as do João Gonçalves e Pedro Figueiredo para o Disco Digital:

http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24855
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24901
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24902
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24917
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24918
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24919
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24925
http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?id_news=24926

Fotos: Espanta Espíritos -Blitz

Balanço

2007-07-04T11:39:00.000+01:00

Já que anda tudo a fazer balanços do melhor que se fez no primeiro semestre de 2007, aqui ficam os dez discos que me preencheram e que mais prazer me deram ouvir nos últimos seis meses:

1. LCD Soundsystem - Sound of Silver

2. The Field - From Here We Go To Sublime

3. Panda Bear - Person Pitch

4. Battles - Mirrored

5. Electrelane - No Shouts, No Calls

6. Dizzee Rascal - Maths + English

7. !!! - Myth Takes

8. Modest Mouse - We Were Dead Before the Ship Even Sank

9. Matthew Dear - Asa Breed

10. Rufus Wainwright - Release the Stars

Modest Mouse - We Were Dead Before the Ship Even Sank

2007-06-29T00:17:00.000+01:00

Foi com muita ansiedade que o novo disco dos Modest Mouse me chegou aos ouvidos. Desde já era o álbum que iria suceder ao Good News For People Who Love Bad News, um dos álbuns que mais excitação causou aqui ao escriba dentro dos meandros da pop/rock. Depois sabia-se de antemão que os Modest Mouse contavam com um novo membro com peso de ouro: Johnny Marr, ex-guitarrista de uma das bandas mais importantes para a música popular, os The Smiths.

O anterior registo causou furor pelos EUA, tornando-os numa das coqueluches do meio mais alternativo. Ainda por cima tinham músicas suas a passar na série "The O.C.”, que alberga tudo o que é fenómeno indie-rock, ou seja, tudo fazia crer que o próximo disco teria que ser um sucesso.

We Were Dead Before The Ship Even Sank estreou-se no primeiro lugar do top de vendas de discos nos EUA, o que para uma banda indie como os Modest Mouse representa que podem não estar assim tão longe de dar o salto para o outro lado.

Tal facto não veio diminuir de todo a qualidade da música da banda, que neste novo disco só nos volta a provar porque é que já gostávamos tanto deles. Isaac Brock continua a cantar como se tivesse o mundo a despedaçar-se na garganta, as guitarras continuam aos trambolhões umas nas outras por um carrossel de tormentos cantados por Isaac Brock. Mas ao quinto disco apuraram a sensibilidade pop do som da banda, e acredito que muito disto se deve à presença de Johnny Marr.

Para muitos a presença do ex-Smiths pode parecer invisível, mas é indesmentível ouvir aquela guitarra labiríntica que preenche todos os nossos vazios em grandes canções como “Dashboard”, “Florida”, “Fly Trapped in a Jar” ou “Steam Engenius”.

“Dashboard”, o primeiro single, deve fazer inveja a muitos dos discípulos dos Franz Ferdinand que surgiram aos pontapés nos últimos lá pelas terras do Reino Unido. Guitarras circulares, com a dose certa de açúcar, refrão bem cantarolável, mas depois tem aquele estilo nervoso de cantar de Isaac Brock e sopros em deboche por todo o lado, o que faz um grande diferença.

“Spitting Venom” mostra-nos que este grupo de Issaguah (do estado de Washington) não está para brincadeiras. Oito minutos e meio com um início bem enganador, fazendo-nos crer que estamos a ouvir um tema a cair para a folk, quando depois dá meia volta e nos brinda com guitarras bamboleantes que se vão acumulando em crescendos épicos enquanto Isaac Brock deixa sair toda a sua loucura e todos os seus fantasmas. Depois o ambiente acalma-se, entram trompetes como que a anunciar uma despedida, até que as guitarras vão adquirindo de novo terreno, mas neste momento adquirem uma certa sensação de paz, apesar da bateria pesada se contrapor a tudo isto.

Mais uma vez os Modest Mouse voltam a não desiludir. E quem ao quinto disco continua em tão boa forma merece toda a atenção de que está a ser alvo. Seja isto mainstream, indie ou o raio que o parta, este é com certeza um dos melhores discos pop/rock que poderemos ouvir este ano. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Dashboard"; "Fly Trapped in a Jar"; "Spitting Venom"

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Vídeo: Kanye West - "Stronger"

2007-06-27T12:26:00.000+01:00

Já podem ver ali ao lado no SpaceVideo o novo vídeoclip para o single "Stronger", que já é o segundo single do álbum Graduation, que vai ser editado no final de Agosto. Este tema conta com um sample de "Harder, Better, Faster, Stronger" dos Daft Punk o que só nos faz adorar ainda mais Kanye West. Como sempre conseguiu adaptar uma das melhores músicas dos Daft Punk ao seu próprio estilo, fazendo deste "Stronger" um grande tema. E o vídeo é ainda melhor, com uma produção muito grande, mas que ficou perfeita.

7 Maravilhas da Blogosfera

2007-06-26T14:05:00.000+01:00

Como tive a honra do meu blog ter sido considerado uma das 7 maravilhas da blogosfera pelo Kraak, decidi mostrar quais são as minhas preferência. O regulamento segue já, e depois os meus nomeados:

"Depois da ideia de se elegerem as 7 Maravilhas do Mundo, alguém teve a brilhante ideia de eleger as 7 Maravilhas de Portugal. E como se não bastasse, outra alma iluminada teve a ideia de fazer a votação para as 7 Maravilhas da Gastronomia Portuguesa. Bem, depois disto tudo também tive uma ideia... Por a votação as 7 Maravilhas da Blogoesfera.

Regulamento:
1. Podem participar na votação todos os bloggers que mantenham blogues activos há mais de um mês [os outros esperem por outra ideia brilhante que alguém irá ter].

2. Cada blogger deverá referenciar sete nomes de blogs. A cada menção corresponde um 1 voto.

3. Cada blogger só poderá votar uma vez, e deverá publicar as suas menções no seu blog [da forma que melhor lhe aprouver], enviando-as posteriormente para o seguinte e-mail:

7.maravilhas.blogoesfera@gmail.com.

No e-mail, para além da escolha, deverão indicar o link para o post onde efectuaram as nomeações. A data limite para a publicação e envio das votações é dia: 01/07/2007.

4. De forma a reduzir alguns constrangimentos [e desplantes], e evitar algumas cortesias desnecessárias, também são considerados votos nulos:
- Os votos dos blogger(s) em si próprio(s) ou no(s) blogue(s) em que participa(m);
- Os votos no blog O Sentido das Coisas.

No dia 7.7.2007 serão anunciados os vencedores e disponibilizadas todas as votações."

O meus eleitos:

angst in my pants
apARTES
Baixa Fidelidade
Grooves Clash
hit da breakz
knock is there
Ladies Love Cool R

M.I.A.; Mark Ronson; Avril Lavigne; Peedi Crakk no Multiply Addictions

2007-06-25T02:38:00.000+01:00

No blog de singles Multiply Addictions podem ler sobre os novos singles de:

Battles - Mirrored

2007-06-19T00:08:00.000+01:00

Nos anos 90 reinava na comunidade dita indie que a música não era para dançar. Tudo se levava demasiado a sério, dançar era para a música supostamente fútil, a “música a sério” não se dançava, mas analisava-se profundamente. Este tipo de ideias ainda hoje vivem em muitas mentes, mas no início deste novo século começaram a surgir uma série de bandas que, repescando muito do que se fez no final dos anos 70 e nos anos 80, envergavam a bandeira do rock dançante. Boas bandas surgiram daí, mas tal chegou a um nível de repetição que fez com que se perdesse a paciência para tal.

No entanto, este ano uma banda estreou-se nos discos de originais com um tipo de rock que seria impensável que fosse dançável. Eles são os Battles que editaram Mirrored. Entre 2004 e 2006 esta espécie de super-grupo indie (aglomera membros de bandas como os Helmet, Tomahawk, Don Caballero e Lynx) editou três EPs que nos revelavam que aqui estava a nascer algo de realmente muito surpreendente para o panorama musical dos dias de hoje.

Tentar definir o som que os Battles fazem é quase uma tarefa impossível. Há quem os defina como prog-rock, outros como math-rock (variante do rock progressivo), por aqui sabe-se apenas que fazem do rock algo de realmente excitante e novo.

Certamente perfeitos conhecedores da música mais progressiva, pegam nos seus alicerces mais cerebrais e de certa forma matemáticos, e têm a proeza de não se deixarem afundar por abstracções previsíveis de que este tipo de música está sempre em risco de correr. A isto juntam vozes (algo que se ouve pela primeira vez na música do grupo) mas que funcionam como qualquer outro instrumento, não sendo perceptível a maior parte das vezes o que elas proferem, devido a toda a manipulação de que elas são alvo. De forma a tornar tudo isto algo que só faz sentido em pleno século XXI, injectam efeitos electrónicos que transformam a música dos Battles numa autêntica lufada de ar fresco e ao mesmo tempo num murro no estômago, mas que já merecíamos.

Sem dúvida que o single “Atlas” é o grande momento de todo o disco. Será isto prog-rock melodioso? Um baixo cavernoso em sentido de marcha, guitarras em distorção que injectam na nossa mente e no resto do corpo ácidos hipnotizantes, que nos dão a sensação que estamos a ouvir funk manipulado pela ciência. A emergência sonora de “Ddiamondd” conquista-nos logo, onde palmas, batidas electrónicas, um baixo pesadíssimo, a bateria demoníaca e efeitos electrónicos, que um Aphex Twin nos seus dias mais loucos poderia proporcionar, se juntam para nos deixar sem fôlego. “Bad Trails” faz-nos ouvir índios robóticos numa sala de pânico.

Tudo isto faz-nos querer dançar, por muito estranho que pareça. Em Mirrored somos engolidos pelo caos sonoro, que é ainda assim muito preciso e do mais surpreendente que há. Como já alguém disse, o futuro do rock passa por aqui. (9/10)

A ouvir com especial atenção: "Atlas"; "Ddiamondd"; "Tij"

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Rihanna - Good Girl Gone Bad

2007-06-17T14:52:00.000+01:00

• “Umbrella” - Uma batida capaz de demover montanhas, sintetizadores que ilustram perfeitamente as estrelas cadentes que chovem sobre Rihanna, são sinistros, assumindo diferentes máscaras, mas iluminam tudo o que se lhes atravessa. A linha de baixo que atravessa o refrão é demolidora, faz-nos estremecer. E Rihanna anda a cantar melhor, a mostrar mais versatilidade, e aqueles "ella-ella-ella" (de umbrella claro) no refrão derretem-nos por completo.

• “Push Up On Me” – Tema que segue a cadência pop/r’n’b que Rihanna nos tem mostrado nos últimos temas. Transpira electro plástico 80s por todos os poros. A “nova” Nelly Furtado poderia perfeitamente cantar este tema, o que é sem dúvida um elogio.

• “Don’t Stop the Music” – A faixa mais viciante de todo o disco. Se isto no futuro não for single, será um crime. Devi ser um tema deste calibre que devia incendiar as pistas de dança. Um refrão contagiante que não sai da cabeça, sintetizadores plastificados em látex, com os holofotes todos direccionados para eles. Os Stargate a produzirem um tema europop perfeito que nos coloca automaticamente numa pista de dança assim que o ouvimos. Incrível. (Contém um sample de “Wanna Be Startin’ Over” do Michael Jackson).

• “Breakin’ Dishes” – Rihanna está furiosa. Ela quer partir tudo à sua volta. Este pode ser considerado o “Maneater” de 2007, mas com uma atitude mais directa eufórica. R’n’b com fogo nas veias, fúria em todas as suas camadas electrónicas, o que nos desperta logo a atenção.

• “Shut Up and Drive” – A prova de que é possível fazer boa pop mainstream com guitarras. Uma lição de bom gosto para a Kelly Clarkson, que está a precisar. É o segundo single e sampla a “Blue Monday” dos New Order.

• “Hate that I Love You” – Esperava bem mais duma colaboração entre a Rihanna e o Ne-Yo, depois do fantástico “Irreplaceable” que ele fez para a Beyoncé. Balada banal, nada de novo. Passo ao lado.

• “Say It” – Depois de um inicio mais ligado à pop/r’n’b moderna e futurista, aqui começam-se a ouvir os temas mais ligados às raízes de Rihanna, com o dancehall como figura de proa. Nota-se perfeitamente como Rihanna se sente à vontade neste registo mais descontraído, em que não é preciso envergar a figura de mulher fatal. Simples canção pop, mas que passa no teste.

• “Sell Me Candy” – O primeiro tema do álbum com a produção do Timbaland. Construída a partir de loops de dancehall, juntando-lhes a típica batida nervosa do Timbo, e ainda um piano singelo sobre o qual Rihanna vai saltitando, ora com uma inocência de quem ainda só tem 19 anos, ora com a sensualidade de alguém que já atingiu a idade adulta.

• “Lemme Get That” – Também produzida por Timbaland. A colaboração deste mago produtor com M.I.A. devia ter toda esta excitação. Se M.I.A. tivesse sido criada por uma multinacional americana soaria assim. O segredo está no conjunto de sopros que vão fazendo a festa como se estivéssemos numa parada de rua. A batida é minimal e nervosa, como seria de esperar, mas os sopros são uma delícia, com toda aquela sensualidade de rua. Dos melhores temas do disco.

• “Rehab” – A última faixa produzida por Timbaland, desta vez com ajuda de Justin Timberlake nos coros. Balada que não entra em exageros, com a pandeireta a marcar pontos juntamente com a voz em eco de Rihanna. Contam-se pelos dedos duma mão as baladas que aprecio, mas esta é uma delas.

• “Question Existing” – Mais uma balada, mas que não passa no teste. A voz de Rihanna encontra-se submergida, o que não ajuda nada, e aquele final em spoken-word com o discurso sou-muito-mais-do-que-aparentemente-mostro não melhora nada. Dispensável.

• “Good Girl Gone Bad” – (Quase) tudo nesta faixa faz lembrar “Irreplaceable”, o que é uma das suas melhores características. No entanto esta não tem metade do sarcasmo e da frontalidade lírica que a canção de Beyoncé tem. Ainda assim não está mal de todo.

(7,5/10)

Festival Alive (8 - 10 de Junho 07)

2007-06-11T15:57:00.000+01:00

Felizmente estive presente nestes últimos três dias do Festival Alive. O cansaço é muito, o tempo é pouco e a disposição também começa a faltar, por isso aqui deixo leves impressões dos concertos que por lá passaram e que tive oportunidade de ver.

1º Dia (8 de Junho)

Blasted Mechanism: Pelo que vi foram eficazes. Fazem a festa com os ritmos tribais e o público gosta. Mas ao fim de uma ou outra vez não passa do mesmo.

Unkle Bob: Tipicamente indies ingleses. 85% do reportório é devedor de uns Radiohead, às vezes em demasia, mas não são maus.

Linkin Park: Pior impossível.

Pearl Jam: Deram um bom concerto. Eddie Vedder é um tipo simpático e o público adora isso. São competentes, têm boas canções (mas não deviam ter tocado algumas dos últimos registos, que não valem a pena). Era escusado aquela boca foleira a Madrid, mas foi um bom concerto.

2º Dia (9 de Junho)

Plastica: Transpiram Oasis por todo o lado. Ouve-se, mas nada fora do normal. Conseguem ser melhor que os Oasis (o que por si só não é difícil).

White Stripes: Enormes! Jack White e Meg White dominam o palco sozinhos, dão-nos algum do melhor rock'n'roll que podemos ouvir actualmente e é de espantar o quão bons músicos eles são. Dos melhores.

Smashing Pumpkins: Valem pela memória. Actualmente são mais uma Billy Corgan's band, os ainda fãs não querem saber, apenas querem ouvir os grandes temas de sempre de uma das maiores bandas dos anos 90. Soube muito bem recordar. E até houve um ou outro tema novo que surpreendeu, tendo em conta que as expectativas eram baixas quanto às novas músicas. E a chuva no início do concerto deu aquele toque mágico.

3º Dia (10 de Junho)

Tora Tora Big Band: Funk, samba, drum'n'bass, mestiçagem. Música festiva que sabe bem ouvir ao fim da tarde.

Sam the Kid: A prova de que é o maior no hip hop nacional. Acompanhado de dois músicos dos Cool Hipnoise, mais a sua trupe, presenteou-nos com um belo concerto de hip hop, onde o Pratica(mente) se elevou ainda mais.

Nigga Poison: Foi pena ter apanhado só o final, mas estes rapazes sabem o que andam a fazer. Há por ali hip hop, kuduro, ragga e até dubstep (a última música), tudo misturado com atitude festiva. Vão crescer.

Vicious Five: Muito bom. Foi o início da destruição, com muito rock'n'roll, punk que obrigaram os corpos a mexerem-se compulsivamente. Grandes.

WrayGunn: Outros dos maiores no rock'n'roll nacional. Muita loucura, muito suor. O Paulo Furtado é o maior entertainer nacional, não há dúvidas. E as meninas que o acompanham são um regalo para a vista. As novas músicas mostraram-se bem ao nível do melhor que eles têm.

Beastie Boys: O CONCERTO DO FESTIVAL. Perdão. O CONCERTO DO ANO. Já esperávamos isto há tanto tempo e os três grandes de Nova Iorque superaram em muito as expectativas. Estão velhos mas aguentam-se melhor que muitos novos, e transpordam estilo por todos os lados. "Sabotage" foi o esmagamento total.

Buraka Som Sistema: Não pude ver tudo, mas do que vi estavam a cumprir com as expectativas. Festa para abanar o rabo, sem pensarmos em preconceitos parvos ou em ideologias estapafúrdias. Eles fazem a festa e o público adere massivamente. Ainda bem.

Para quem quiser ler reportagens mais aprofundadas, podem ler as do Pedro Figueiredo e João Gonçalves para o Disco Digital:
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24623
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24625
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24628
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24629
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24634
http://discodigital.sapo.pt/news.asp?id_news=24643

Ou da Susana Jaulino para o hiddentrack.net:
http://www.hiddentrack.net/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=217

Fotos: Espanta Espíritos - Blitz

Low no Santiago Alquimista: Devagar se vai ao Longe

2007-06-03T21:23:00.000+01:00

Não poderia ter sido mais perfeita a estreia dos Low em palcos nacionais. Chegou o Santiago Alquimista estar a meia-casa para que a beleza da música dos Low despertasse e conquistasse todos os presentes.
Com uma carreira que já se prolonga pelos catorze anos, só este ano é que Portugal teve o privilégio de receber este trio de Duluth, no estado do Minnesota dos EUA, e ter um contacto directo com a simplicidade e introversão das suas canções. Passava meia hora das dez da noite quando Alan Sparhawk, Mimi Parker e Matt Livingston subiram ao palco da sala lisboeta para apresentar o seu mais recente disco de originais, «Drums and Guns». Apesar de este ser um dos discos menos conseguidos da banda, que tenta ao de leve introduzir uma sonoridade diferente à sua música, ao vivo tudo isso é ultrapassado pela carga sentimental e hipnótica que as suas canções transportam e que se vai apoderando dos seus fãs.
Era evidente que esta vinda a Portugal era já há muito esperada pelos admiradores da banda, manifestando-se estes efusivamente várias vezes ao longo do concerto, com vários pedidos de canções à banda ou simplesmente manifestações de adoração ao grupo, que pontualmente se tornaram excessivos.
Como já foi referido, as canções dos Low primam por uma simplicidade desarmante, que ao vivo ainda nos encanta mais, muito pela percussão minimal de Mimi Parker, que nos brinda com a candura da sua voz, que se alia na perfeição com a aspereza da voz do seu marido, Alan Sparhawk, e com o baixo pesado de Matt Livingston. Maior parte das canções dos Low têm um registo muito lo-fi, arrastando-se os instrumentos na carga depressiva que define estas canções, mas nunca por um segundo se sentiu no concerto em Lisboa aborrecimento.
Além dos temas do recente registo, houve tempo nas quase duas horas de duração de espectáculo (com direito a dois encores) para alguns dos temas mais emblemáticos do grupo, que foram sendo pedidos pelos fãs da banda ao longo do concerto, tais como o belíssimo «Dinosaur Act», «Don’t Undertand», ou «Lust», com o qual terminaram o concerto.
Poucas palavras foram ditas e também tal não foi necessário. O que se viveu ontem à noite no Santiago Alquimista foi quase uma experiência religiosa entre público e banda, a qual já era há muito esperada, e ainda assim não era de esperar que atingisse níveis tão elevados de contentamento.
Memorável.

Publicado no Disco Digital

Andrew Bird ao vivo no S. Jorge (31/05/07)

2007-06-02T20:44:00.000+01:00

O Cinema S. Jorge recebeu Andrew Bird de braços abertos, esgotando a sala lisboeta, fazendo prever que poderá estar para breve um regresso do músico a palcos nacionais.

Com Armchair Apocrypha na bagagem para ser apresentado, Andrew Bird apresentou-se em Lisboa com mais dois músicos, ao contrário do que tinha acontecido na sua primeira aparição em Portugal, no Lux, onde se apresentou sozinho. Na bateria, teclado e programações esteve Martin Dosh (que se encarregou da introdução do espectáculo) e a além deste músico esteve outro guitarrista a acompanhar o norte-americano. Foi bem perceptível o novo rumo que a música de Andrew Bird está a seguir e que já se sentia no seu último disco, uma vez que já não está tão agarrado ao violino, tendo a guitarra cada vez mais espaço para se fazer ouvir.
No entanto é ao violino que o músico nos proporciona os melhores momentos, mostrando como é especialista em tocá-lo e como está bem mais à vontade com este instrumento. Ao vivo notou-se bem que a sua relação com o violino já é de há muito e tal sentiu-se no concerto de ontem à noite, pois este não se limitava a tocá-lo com o arco, dedilhando-o ou tocando-o quase como se fosse uma guitarra. Em palco Andrew Bird não é pessoa de muitas palavras, notando-se alguma timidez, mas também mostrou o seu lado mais brincalhão (quando mostrou os macacos que um fã lhe deu em Detroit, pronunciando a palavra em português). Cada segundo de música foi vivido intensamente pelo músico, algo que se notou bem nas suas interpretações e na sua forma de estar em palco, dançando várias vezes completamente descoordenado.
Durante as quase duas horas de espectáculo, Andrew Bird servia-se do violino e da guitarra para ir construindo e dando novas roupagens às canções, samplando sons ora de um ora de outro instrumento, construindo e remexendo nas suas belas melodias pop/folk. Para tal precisou de se descalçar logo no início do concerto, pois enquanto tocava os pés também trabalhavam, o que pontualmente dava um ou outro erro, mas insignificante. Ao vivo o músico aproveita para modificar as suas canções, com melhores resultados nalgumas do que noutras, mas nunca se saindo mal nessas experiências sonoras.
“Heretics”, o primeiro single extraído de Armchair Apocrypha, foi um dos momentos mais aplaudidos pelo público que esgotava o S. Jorge, a par de “A Nervous Tic Motion of the Head to the Left”, uma das suas melhores canções, do registo anterior, The Mysterious Production of Eggs. Deste disco também foram tocadas algumas músicas como “Measuring Cups”, “Masterfade” ou “Skin Is, My”, todas sofrendo várias alterações, mas que tiveram um saldo positivo.
Do novo disco pudemos ouvir uma das grandes canções do ano, “Plasticities” (onde se notou o som da bateria demasiado agressivo para a canção que é), mas também “Imitosis” (que abriu o espectáculo), “Armchair” (que proporcionou um dos momentos mais intimistas e tocantes do concerto) ou “Simple X” (que foi co-composta com o baterista Mark Dosh), entre tantas outras. Depois de uma ovação de pé por parte do público que encheu o S. Jorge, houve direito a um encore, onde tocou “Weather Systems”, umas das suas músicas mais antigas, que acabou por ditar o final do concerto, apesar da insistência dos fãs para mais um regresso.

O público desde cedo que ficou logo conquistado, e ainda bem que gostaram, mas é de referir que palmas a mais por vezes estragam o ambiente dos concertos. Felizmente Andrew Bird tem canções boas demais para não deixar tal acontecer.

Publicado no hiddentrack.net

Foto: Bruno Espadana

Spaceboy presents dress s.e.x.y. at my funeral @ Carbono (02/06/07)

2007-06-01T01:55:00.000+01:00

Amanhã, a partir das 15h, poderão comprar discos na loja Carbono e ouvir as minhas escolhas musicais, pois lá estarei para vos dar música. A loja fica na Rua do Telhal, nº 6-B, é uma rua transversal à Avenida da Liberdade. Apareçam para ouvir boa música e comprar discos a bons preços!

Rufus Wainwright - Release the Stars

2007-05-29T01:24:00.000+01:00

Hoje, nove anos depois da sua estreia com um disco homónimo, é inegável considerar Rufus Wainwright um dos melhores e mais talentosos compositores de canções dos nossos tempos.
Pegando muito ao de leve nos ensinamentos pop/folk do seu pai, Loudon Wainwright III, Rufus Wainwright foi de disco para disco aperfeiçoando uma estética pop muito pessoal, arriscando por vezes novos caminhos, por vezes exagerando-os, mas levando sempre a sua avante.
O seu segundo disco, Poses, atingiu a perfeição entre os dois mundos em que Rufus Wainwright se movimenta: as canções pop de autor e a componente operática e teatral. Nos dois discos seguintes, Want One e Want Two, exagerou nos arranjos barrocos e pesados que imprimiu às canções, mas nunca se deixou afogar na sua própria loucura, apesar de ter estado próximo de tal.
Este ano regressa com Release the Stars e sente-se que há aqui uma tentativa de atingir o mesmo feito que em Poses. Não chega à genialidade deste, mas eleva-se já à categoria de um dos melhores discos do canadiano.
A voz de Rufus continua a encantar-nos. Uma voz que atinge e supera os seus próprios limites, seja qual for o registo em que esteja enquadrada. Desde à voz de anjo tímido, fechado em si mesmo, até à estrela de palco da Broadway com sinfonias pesadas a envolverem-na, a voz de Rufus Wainwright encaixa-se sempre com perfeição e preciosismo no registo que o músico cria, o que é de louvar imenso.
Como já foi dito anteriormente, Release the Stars, o quinto disco de originais do músico, produzido por Neil Tennant dos Pet Shop Boys, não descura de todo das orquestrações complexas e teatrais que já se lhe conheciam anteriormente, mas apura estes arranjos sonoros habilmente, havendo uma maior riqueza de sons, mas não havendo um exagero instrumental, mas sim uma maior sabedoria em como todos esses sons podem casar com as suas canções pop.
Rufus maneja habilmente e com grande requinte essas orquestrações, como podemos ouvir na faixa de abertura “Do I Dissapoint You”, com um tom de ópera trágica que comove.
No single “Going To A Town” mostra uma vez mais quais são as suas posições políticas em relação aos EUA (repetindo imensas vezes “I’m so tired of you, America”). E é assim que ele diz que vai vender muitos discos. Sinceramente não parece muito provável, mas o que é que isso importa realmente?
“Between My Legs” é um dos momentos mais deliciosamente catchy do disco, com um toque rock da guitarra de Richard Thompson, e uma melodia que se cola na mente e um final pomposo onde entram discursos (da actriz Sîan Phillips), coros e sopros exuberantes.
O disco fecha com a faixa que dá nome ao disco e para a ter composto Rufus deve ter frequentado muitos cabarets.
Release the Stars é um disco para os fãs de Rufus Wainwright, que já sabem do que vêm à procura e este entrega-lhes de bandeja e com requinte o que eles já queriam: grandes canções pop ora mais grandiloquentes, ora mais recatadas (como são exemplos “Not Ready for Love” ou “Leaving for Paris no. 2”), sempre dominadas por aquela voz arrebatadora que já lhe conhecemos e uma sensibilidade lírica rara. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "Do I Dissapoint You"; "Going to a Town"; "Between My Legs"

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The Twilight Sad - Fourteen Autumns & Fifteen Winters

2007-05-16T11:49:00.000+01:00

A recente geração emo foi das coisas mais desastrosas que aconteceu à música nos últimos tempos. Grupos como My Chemical Romance, Fall Out Boy ou 30 Seconds to Mars apresentam a dor pessoal como uma lata de conserva fora do prazo. Lamentam-se por tudo e por nada, feitos meninos mimados, o que se torna incrivelmente desgastante aos nossos ouvidos. No entanto ainda há quem saiba fazer da dor pessoal algo realmente digno de se ouvir. Os escoceses The Twilight Sad são um desses poucos exemplos.
Depois de um EP homónimo lançado o ano passado, estreiam-se este ano com Fourteen Autumns & Fifteen Winters. Um dos pormenores que se fazem logo notar mal se ouve a música deste quarteto é o forte sotaque escocês do vocalista James Graham. Para alguns ouvidos pode ser difícil de assimilar ao início, mas James Graham com o seu sotaque faz malabarismos vocais em vários dos temas do disco, uma das qualidades que mais nos surpreende.
Andy MacFarlane é o guitarrista e acordeonista do grupo e merece muitos dos louros que a banda produz. Sendo o principal compositor da música do grupo, é devido a ele que nos encantamos com aquelas guitarras ruidosas, empoeiradas pelo Outono em que estão imersas, que nos atacam em crescendos épicos e que hipnotizam quando a sombra noise se aproxima. É devido a ele que ouvimos fundido a tudo isto acordeões melancólicos e teatrais, que se agarram desesperadamente à chuva para no final se despedaçarem, apesar de já saberem que tal iria acontecer.
O vocalista James Graham é o poeta que nos leva a pensar uma vez mais numa adolescência dolorosa e invisível. Mas o que ele não faz não são banais lamentos mimados como a nova geração emo, o que ele faz é poesia com a turbulência que caracteriza a adolescência, como mostram os seguintes versos: “they’re standing outside/ and they’re looking in/ they’re standing outside/ and they’re broken in/ the kids are on fire in the bedroom” (de “That summer, at home I had become the invisible boy”).
Esta faixa aliás é o momento alto de todo o disco, com uma bateria em ritmo militar e o acordeão rondando passo a passo ao início, até que entram as guitarras, que conseguem ser etéreas sem serem nada pacíficas. “Talking with Fireworks / Here, it never snowed” tem camadas de noise intermitentes, umas guitarras em chamas que podiam ser dos My Bloody Valentine, que são sempre boa referência, mas que depois de toda a fúria nos levam aos céus cristalinos.
A Escócia a lançar boas cartadas com estes The Twilight Sad, que vêm provar que é só preciso talento para que os sentimentos menos felizes de cada um sejam motivo de se fazer boa música. (8/10)

A ouvir com especial atenção: "That summer, at home I became the Invisible Boy"; "Walking for two hours"; "Talking with Fireworks /Here, it never snowed"

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Bonde Do Rolê ao vivo na ZDB: Baile Funk ao Poder!

2007-05-12T19:00:00.000+01:00

Foi em festa descomprometida e sem regras que os Bonde do Rolê se apresentaram ante-ontem à noite na Galeria Zé dos Bois, e o público aderiu completamente, tornando-se a sala lisboeta pequena demais para tanto fulgor.
Como introdução ao espectáculo que se iria assistir foi exibido um pequeno documentário dedicado ao funk carioca e ao seu impacto na sociedade, onde figuraram algumas das personalidades mais importantes deste movimento, como DJ Marlboro.
Depois foi a vez do trio de Curitiba fazer a festa, como a sua música assim o obriga. Ali não havia etiqueta, não havia certo ou errado, apenas uma vontade imensa de se divertirem e de ao mesmo tempo divertirem o público. Esta foi e é a postura que os Bonde do Rolê envergam, sendo que ao vivo resulta na perfeição. Tanto Marina Ribatski, a vocalista principal, como Pedro Eyrot e até o dj Rodrigo Gorky cantam desafinados, dançam desalinhados, espalham euforia com o seu funk carioca simples e descomprometido.
Podem soar ridículos, como na hilariante «James Bonde», mas ninguém se interessa realmente por isso, felizmente. À batida básica do funk carioca a banda acrescenta-lhes samples de músicas bem conhecidas, como dos Daft Punk, Kraftwerk, Alice in Chains ou dos one-hit-wonders Europe (estes na música preferida de Pedro Eyrot, «Gasolina»), e assim conquistam o público, que na Galeria Zé dos Bois dançou e pulou efusivamente, elevando consideravelmente a temperatura na sala.
O trio mostrou o seu contentamento por poder actuar para um público que percebe realmente o que é cantado e que assim pode viver com mais intensidade a música energética e afogueada do trio. Foi o que aconteceu. Menos de uma hora chegou para apresentarem o seu disco de originais «With Lasers», que vai ser editado pela Domino, a mesma editora de nomes como Franz Ferdinand e Arctic Monkeys, o que só revela que os ritmos quentes do colectivo começam a fazer furor um pouco por todo o lado.
De lamentar a curta duração do espectáculo, pois festa tão boa pede sempre mais. Haverá mais em Agosto no Festival Sudoeste.

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The Field - From Here We Go To Sublime

2007-05-10T15:01:00.000+01:00

Será que o techno pode ser música ambiente? Ao ouvir From Here We Go To Sublime a resposta é positiva.
Nos últimos anos o techno sofreu uma espantosa regeneração, graças a nomes como de Ellen Allien, Matthew Dear, Ricardo Villalobos, Apparat ou Gui Boratto, que reduzindo-o por vezes a um minimalismo quase absurdo (como Villalobos fez no espantoso single “Fizheuer Zieheuer”) nos conquistaram. É espantoso o que estes nomes têm conseguido fazer com o techno, desfigurando-o e minimizando-o até mais não, encontrando sempre um caminho para nos surpreender. The Field, o nome com que Alex Wilnner se mostra ao mundo, é mais um nome a acrescentar à lista.
Estreando-se este ano com From Here We Go To Sublime, pela Kompakt, Alex Wilnner torna o techno em música ambiente. Ou em algo que se aproxima bastante dessa definição. Ao longo das dez faixas que compõem o disco, a música que se ouve transmite-nos uma dualidade de sensações: por um lado atinge os músculos com eficácia e obriga-os a moverem-se numa pista de dança, no tapete da sala, tanto faz; mas por outro lado empurra-nos para cima do sofá, não querendo quaisquer movimentos físicos, apenas propiciando viagens mentais e uma sensação de plenitude imensa.
Ao esqueleto base do techno minimal presente em From Here We Go To Sublime, Alex Wilnner introduz novos pormenores sonoros, beats e samples melodiosos, às vezes adquirindo uma toada mais etérea, sendo estes fragmentos depois repetidos incessantemente, contrapondo-os com as batidas mais fortes do techno minimal, desempenhando sempre tal tarefa muito subtilmente, como se não quisesse que o ouvinte se apercebesse.
“Over the Ice” não podia abrir melhor este disco. Esta baseia-se numa batida gélida que é arranhada por sintetizadores, e acima de tudo isto estão samples mínimos e flutuantes de uma voz que nos dá uma certa calma, mas que aliada ao clima cósmico do tema nos faz viajar para outras galáxias. “A Paw in My Face” é outra das maravilhas do disco, com um sample de guitarra aprisionada até aos segundos finais, quando consegue finalmente soltar-se. Há por ali sonoridades etéreas que vão nascendo tal como uma manhã de Primavera, ouve-se um beat nervoso a cortar a papel. E tudo isto soa maravilhoso.
“The Little Heart Beats So Fast” faz-nos dançar compulsivamente ao som daquela linha de baixo frenética e hipnotizante, quase agressiva numa espécie de batalha que trava consigo mesma. Em “Everyday” os beats irradiam luz, vão iluminando em crescendo o caminho, enquanto assistimos às batidas a estatelarem-se e reconstruírem-se depressa. Já em “Sun and Ice” o músico sueco congela o sol durante pouco mais de seis minutos, tudo aqui quer brilhar, mas o gelo que tudo circunda não deixa que tal aconteça.
Alex Wilnner sob o nome The Field deu-nos um dos discos mais estonteantes e surpreendentes do ano. From Here We Go To Sublime dá largos passos no techno, revoluciona-o calma e simplesmente, mas como nunca esperávamos ouvir. (9/10)

A ouvir com especial atenção: "Over the Ice"; "A Paw In My Face"; "The Little Heart Beats So Fast"

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Electrelane - No Shouts, No Calls

2007-05-06T17:35:00.000+01:00

Os amantes das Electrelane têm no novo No Shouts, No Calls mais um motivo de vício. Apesar de suceder ao último Axes, faria mais sentido que este fosse o sucessor de The Power Out, pois ao quarto disco de originais as meninas de Brighton voltam a aproximar-se ao seu formato de canção, mas não deixaram de vez a obscuridade e experimentalismo que marcou mais fortemente o genial Axes.
No Shouts, No Calls tem todos aqueles pormenores que adoramos ouvir na música das Electrelane: a bateria forte e repetitiva, as guitarras enviusadas, os teclados vintage, as vozes doces, tudo sempre em crescendo de canção para canção, arrebatando-nos sempre de forma diferente em cada audição. A voz de Verity Susman atinge neste novo disco novos patamares, arriscando novos registos vocais, de uma elegância e subtileza que é impossível não apaixonar qualquer um. Esta voz quase angelical faz-nos acreditar que as estórias que canta em cada canção fazem parte da nossa própria vida, sejam elas sobre relações com ou sem sucesso. Tudo isto continua a hipnotizar-nos uma e outra vez, como em “After the Call”, onde as guitarras, baixo e bateria correm a uma velocidade louca num comboio, que nos leva pelos cantos mais recônditos do nosso ser.
O single “To The East” é a música típica das Electrelane. Começa calmamente, depois entra a bateria seca, dando voltas e voltas sobre si mesma, enquanto que a guitarra vai destilando acordes como se de uma cascata se tratasse, e depois o teclado vintage a dar o brilho a tudo, enquanto Verity Susman cante incessantemente “come back to me”, com as outras meninas a fazer o coro. Não há coração que resista.
Já “Between the Wolf and the Dog” faz lembrar o negrume de Axes, tal como “Five”, que sai de uma caverna para nos enlouquecer, logo aos dois minutos de duração, com o teclado a prender-nos no escuro, acompanhado de guitarras furiosas, e mais para o fim o teclado volta, mas vestindo a capa de fantasma, o que assombra se nos embrenharmos completamente na música, que é o que ela merece.
Em No Shouts, No Calls as Electrelane conseguem conciliar as suas duas vertentes num só disco: a vertente mais pop e a mais experimental, conseguindo ainda assim fazer dele todo um disco coeso, onde tudo faz sentido no exacto lugar em que se ouve. Elas pegam no krautrock e fazem dele algo altamente pessoal, só seu. E nós ficamos de disco para disco mais viciados e encantados nelas. (8,5/10)

A ouvir com especial atenção: "The Greater Times"; "To The East"; "Five"

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Joanna Newsom na Aula Magna: Um anjo desceu à terra

2007-05-03T17:55:00.000+01:00

Ontem à noite um anjo desceu à Aula Magna e dava por nome de Joanna Newsom e vem da Califórnia. O disco «Ys» foi o motivo que trouxe este anjo a Lisboa, que durante uma hora e meia transformou a Aula Magna numa fábula angelical, que percorreu a época medieval e se instalou no século XXI.
Acompanhada de mais três músicos - uma violonista, um músico encarregado do bandolim e do banjo e ainda um percussionista – Joanna Newsom com o seu talento, beleza e simpatia foi encantando o público com o seu dedilhar mágico da harpa e aquela voz tão peculiar, mas que se encaixa perfeitamente neste quadro musical.
O concerto começou com «Bridges and Balloons», do primeiro registo de originais, «The Milk-Eyed Mender», e desde logo nos deixámos levar pelo imaginário bucólico e fantasioso das canções de Joanna Newsom. Se Joanna com a sua harpa nos fazia acreditar que estávamos num palácio medieval a ouvir uma trovadora a cantar histórias, os outros músicos acrescentaram a isto um toque por vezes da música celta, como foi em «Colleen» do EP recentemente editado «Joanna Newsom & The Ys Street Band», ou mais mediterrânico, muito graças ao bandolim.
À medida que o concerto decorria, o público sentia-se cada vez mais maravilhado com o que presenciava: uma voz angelical, que transporta em si imensa fragilidade, mas que enfeita as canções de autênticos pozinhos mágicos que nos fazem sonhar e maravilhar.
«Sawdust & Diamonds» foi o momento alto de todo o espectáculo. Durante quase dez minutos Joanna Newsom atingiu quase a perfeição, com uma interpretação transcendente deste tema, que no final o público aplaudiu efusivamente. Antes do encore o single do primeiro álbum, «Sprout and the Bean» foi pedido com muita insistência por um fã, mas Joanna não arredou pé e tocou o que realmente queria. E ninguém ficou aborrecido por isso, pois a beleza dos seus temas não deixam.
Além da complexidade das composições de «Ys», também foram tocados várias da sua estreia, como as cândidas «The Side of the Blue» ou «Peach, Plum, Pear», que nos deslumbram com sua inocência. Foi com uma segunda ovação de pé que o público se despediu da cantora californiana, depois desta ter interpretado a épica «Cosmia» no encore, e foi uma ovação mais que merecida. Um talento ímpar este que vimos e ouvimos ontem à noite na Aula Magna.
Na primeira parte esteve o escocês Alasdair Roberts, que com a sua folk intimista, mas nada de incrivelmente surpreendente, apresentou «Amber Gatherers», o seu último disco de originais.

Publicado no Disco Digital

Bunny Rabbit - Lovers & Crypts

2007-05-01T20:46:00.000+01:00

As Bunny Rabbit são um casal composto pela própria Bunny Rabbit, a vocalista, e a MC Black Cracker, que já produziu temas das CocoRosie e que agora produz a estreia do projecto, Lovers and Crypts. Originárias de Brooklyn, as duas tentam fazer uma espécie de hip hop chocante, libidinoso, onde o sexo e a provocação são sempre temas a desenrolar. No entanto a tarefa não é concretizada lá com muito sucesso. Encontrando-se num limbo entre o hip hop mais sujo e cru e uma faceta mais indie, sente-se ao longo de todo o disco medo de ir demasiado contra o mundo alternativo, parece que a dupla tem medo de se entregar ao hip hop sem pudores, fundindo com os beats mais lascivos uma série de pormenores que não jogam certo (como aquela guitarra em “Rio Grande”), como se não soubessem exactamente o que querem ser ou fazer. Além de que já ouvimos este tipo de produção hip hop feita muito melhor por uma série de outros artistas, como M.I.A. e Missy Elliott, que conseguem conciliar mundos musicais supostamente inconciliáveis sem terem nenhum medo disso, e com muito mais personalidade.

As vozes ao fim de meia dúzia de temas tornam-se demasiado monótonas, cantando sempre no mesmo tom lo-fi, a querer adquirir uma sensualidade que não nos atinge. Elas têm o objectivo de chocar, tal como Peaches, mas se esta ainda consegue ter alguma piada, estas Bunny Rabbit nem por isso. Não é por dizerem uma série de palavrões em cada música que passam a ser umas meninas muito cool e mal comportadas. Este desejo insaciável de querer chocar quem as ouve acaba por tornar-se ridículo.

Lovers and Crypts é uma estreia que pode ir buscar algumas boas ideias, pegando na vertente mais sensual e carnal do hip hop, vasculhando nas suas ramificações de rua, mas que as acaba por estragar, talvez com medo de serem realmente dirty e não meras wannabes. (4/10)

Publicad no hiddentrack.net

Timbaland; Björk; T.I.; Rihanna no Multiply Addictions

2007-04-27T00:32:00.000+01:00

No blog de singles Multiply Addictions podem ler sobre os novos singles de:

Apareçam por lá!

Akron/Family no Musicbox: Em Comunidade

2007-04-23T19:45:00.000+01:00

Um concerto dos Akron/Family é uma experiência transcendente, que nos faz recuar à infância, que nos torna espirituais e ontem à noite foi exactamente isso que aconteceu no Musicbox. O espaço lisboeta transformou-se durante quase duas horas numa comunidade onde a música é a paixão de todos, fazendo desta uma festa sem limites.
«Love and Space» deu início ao espectáculo e com ela os Akron/Family lembraram-nos que ainda era domingo, mostrando a sua veia religiosa, que se alastrou ao público quando fez o coro final da canção.
Há uns anos atrás foram postos no saco da new weird folk, mas em Lisboa revelaram-se uns índios a rock`n`rollar entusiasticamente por cima das raízes do rock. «Meek Warrior» foi o disco que os Akron/Family vieram apresentar e foi com uma das músicas mais fortes do disco, «Blessing Force», que se atingiram os níveis mais elevados de êxtase. Eles distribuíram pandeiretas, maracas e tantos outros instrumentos pelo público, encheram o palco de fãs, que dançaram (com coreografia e tudo), cantaram, todos juntos como se fizessem parte de uma comunidade que presta louvores à música. A música dos Akron/Family ao vivo eleva os espíritos, enche-nos de felicidade e energia, faz-nos querer aproveitar todos aqueles momentos para sempre.
Houve momentos em que a dança incendiou o público e a banda, com o baixo muito bamboleante e a bateria a marcar o ritmo pulsante, enquanto as guitarras nos brindavam com um rock visceral. No entanto também houve oportunidade para acalmar os espíritos, como em «Gone Beyond», onde a faceta free folk se fez sentir. No meio de tudo isto, os quatro membros da banda fundiam as suas vozes em ambientes próximos do gospel, o que foi puro deleite. Com tantas bandas a virem a Portugal mais que uma vez por ano, é de esperar que voltem depressa.
Na primeira parte estiveram os portugueses DOPO, que divagaram em terrenos próximos do noise. Uma boa surpresa, a seguir com atenção.

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David Vandervelde - The Moonstation House Band

2007-04-20T22:02:00.000+01:00

Marc Bolan ressuscitou trinta anos depois da sua morte e voltou com os T-Rex. Pelo menos é o que passa pela cabeça quando se ouve a estreia de David Vandervelde, The Moonstation House Band. David Vandervelde tem 22 anos, é natural de Chicago e antes de se estrear a solo teve inúmeros projectos com Jay Bennett (fundador dos Wilco), sendo que foi na casa deste que o músico gravou este álbum durante dois anos. Este ano decidiu gravar o seu primeiro disco a solo tocando todos os instrumentos, só recebendo ajudas exteriores muito pontualmente. Uma das presenças ilustres é de David Campbell, que é co-responsável pelos arranjos orquestrais, tarefa já desempenhada na banda-sonora do filme Brokeback Mountain e para artistas como Beck.
A época glam-rock dos anos 70 é aqui revisitada constantemente. É impossível não nos surgir na mente nomes como o dos T-Rex quando ouvimos uma “Nothin’ No” ou de um David Bowie em “Jacket”. Quem estiver à espera de novidades, esqueçam. O que David Vandervelde faz basicamente são canções onde abunda rock clássico, fazendo-nos acreditar que estamos a viver o pop/rock dos anos 60/70. Além da veia glam-rock também se sente muita influência dos Beatles (como em “Murder Michigan”).
The Moonstation House Band tem boas canções, produzidas estas com as técnicas próprias do início dos anos 70, e que por isso mesmo estão plenamente agarradas ao passado. Mas por estarem tão ligadas ao que se fez nos anos 60/70, lembra-nos constantemente como as influências de David Vandervelde fizeram tudo isto melhor do que o músico americano faz actualmente. Mas Vandervelde além de saber manejar bem com o rock clássico, apesar de não lhe acrescentar nada de novo, também tem letras bastante peculiares, que são autênticas narrativas da vida pessoal. Já tem um ponto a favor.
Resumindo, para quem se interessa pelo glam-rock de T-Rex ou pela pop/rock de uns Beatles, este é o disco indicado; quem está à espera de uma mudança do que estes músicos fizeram, não a vai encontrar aqui. (6/10)

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CocoRosie @ Aula Magna (14/04/07)

2007-04-15T20:03:00.000+01:00

Perante uma Aula Magna quase esgotada e uma plateia com fãs muito aguerridos, as irmãs CocoRosie regressaram a Portugal, desta vez para apresentarem o seu terceiro registo de originais, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn.
Na primeira parte esteve Tez, que as acompanhou em palco, a fazer beatboxing, e apesar das habilidades, ao fim dos primeiros minutos torna-se demasiado repetitivo. Tez ainda fez uma versão de “SexyBack” de Justin Timberlake e de “Kiss” de Prince, mas no entanto é de lamentar a sua actuação tão prolongada (uns 20/30 minutos), pois as suas habilidades funcionam melhor quando estão incorporadas noutras músicas (como fez com as CocoRosie) do que sozinhas.
Quando apareceram com La Maison de Mon Rêve foram agrupadas no saco da nova weird folk, mas mostrando neste disco formas diferentes de trabalhar esse estilo. Com o disco seguinte, Noah’s Ark, levaram ao extremo todos os pequenos defeitos que ainda tinham alguma piada no primeiro registo, o que se tornou realmente desagradável. No entanto, com The Adventures of Ghosthorse and Stillborn entregaram-se aos ritmos hip hop e a ambientes mais ligados à electrónica.
Ao vivo encontravam-se acompanhadas de mais três músicos: um no piano e sintetizador, outro a fazer beatboxing e outro no baixo. Já as irmãs deambulavam entre a harpa, uma série de brinquedos para crianças, caixas de música e também pelo piano, enquanto por detrás delas estava uma tela que ia passando várias imagens, que iam de desenhos animados a patinagem no gelo. Sierra Cassady pulava com o seu longo vestido preto, enquanto ia agradecendo ao público, sendo que é esta que reveste algumas músicas do duo duma faceta mais operática. Já Bianca Cassady, com um fato de militar, dava o toque mais ligado ao hip hop que a música das CocoRosie assumiu recentemente.
Felizmente foram as músicas do último registo que tiveram mais destaque, pois graças a canções como “Japan”, “Rainboowarriors” ou “Promise” pudemos entrar no mundo surreal e de fantasia das irmãs Cassidy. No entanto, algumas vezes toda aquela fantasia que está por detrás das canções delas não tinha força suficiente para nos agarrar e levar-nos com elas, deixando-se entregar na sua monotonia. Além dos temas do último registo, e também alguns dos registos anteriores, as CocoRosie ainda presentearam o público com algumas covers surpreendentes, como de “Turn Me On” de Kevin Lyttle, “Big Momma Thang” de Lil’Kim e “I Wanna Love You” de Akon.
O público que enchia a sala lisboeta esteve completamente rendido desde o início do espectáculo, batendo constantemente palmas, ora entre as músicas (o que ainda é normal) ou no início destas (o que em certo ponto já era desnecessário). Quando as irmãs voltaram para o primeiro e único encore receberam ainda uma ovação de pé, tal como no fim do concerto, o que só prova que já conquistaram uma boa legião de fãs por cá, não sendo de admirar se regressarem em breve.

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Panda Bear no B.Leza: Belezas em Colagens

2007-04-13T19:16:00.000+01:00

Na passada quarta-feira à noite Panda Bear provou-nos que não são precisos instrumentos para dar um concerto magnífico, quando o talento ultrapassa tudo isso.
Munido apenas de uma pequena mesa de mistura e da sua voz, o membro dos Animal Collective apresentou o seu segundo disco a solo, «Person Pitch», e como pudemos presenciar, está a conquistar o panorama nacional. E ainda bem que assim acontece.
O B.Leza, encheu para ouvir a folk narcótica e minimal de Panda Bear. Durante a primeira hora o músico a residir actualmente no Bairro Alto apresentou as canções de «Person Pitch» como se fossem um todo, não fazendo interrupções entre as canções, adicionando-lhes ainda mais pormenores aos já muitos que se ouvem em disco.
«Person Pitch» é um disco de colagens, composto por uma miríade de sons que Noah Lennox (o seu nome verdadeiro) foi recolhendo, sendo que ao vivo Panda Bear volta a fazer todas essas colagens de sons em tempo real, dando-lhes uma nova aura, manipulando-os, partindo as canções ao meio, introduzindo-lhes algumas novidades e também algumas canções do seu anterior registo, «Young Prayer».
À folk mais libertina que já lhe conhecíamos, Panda Bear juntou sonoridades que remetem bastante para o dub, para a electrónica mais cósmica e abstracta (que caracterizou o final de «Bros», mas que desembocou num tema novo) e para o hip hop (como se pôde ouvir no início do encore).
Tudo serviu para o músico manipular e fundir, juntamente com a sua voz, que serviu como mais um precioso instrumento.
Se «Person Pitch» já era considerado um dos melhores discos de 2007, o concerto no B.Leza foi, até agora, o melhor do ano. Final curioso: depois do concerto terminado, apareceu o vocalista dos 4Taste (de quem Panda Bear é fã assumido) e juntos tiraram várias fotografias, para surpresa da plateia.
Depois de Panda Bear actuou Maio Coopé, apresentado os ritmos da cultura mandinga.

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Djing @ Left - Estreia!

2007-04-10T22:12:00.000+01:00

Esta quinta-feira, dia 12 de Abril, a partir das 23h, aqui o blogger vai-se estrear como dj em mais um Clube Fórum Sons (e um dos últimos a se realizar, infelizmente) no bar Left, em Santos, no largo Vitorino Damásio. Comigo vão passar música também o Chêdas (nem um nome...!; PANTONE!) e o RockersUptown e vai ser de certeza uma bela festa, só com boa música. Apareçam!

Björk - "Earth Intruders"

2007-04-07T18:22:00.000+01:00

Já saiu o novo single da Björk, "Earth Intruders", que apresenta o disco Volta. Depois de se ter armado ao pingarelho em esquisita no Medúlla e na banda-sonora de Drawing Restraint 9, Björk volta à boa forma (pelo que ouvi deste single). O tema tem a participação dos Konono nº 1 que incendeiam o tema de percussões tribais, e tema co-produção de Timbaland, que põe o single numa confusão deliciosa. Já começava a ter saudades da Björk no seu melhor. Aqui ficam dois links onde podem descarregar o tema:

Radio Edit Version

Mark Stent Extended Edit

Pole - Steingarten

2007-04-06T10:35:00.000+01:00

Olhamos para a capa do novo disco de Pole (aka Stefan Betke), Steingarten, e vemos uma imagem do castelo de Neuschwanstein coberto de neve. A capa serve de já como uma previsão do som que se encontra no novo disco: fria e meticulosa, com pormenores escondidos por baixo de camadas de gelo aparentemente transparentes.

O músico é conhecido por desconstruir a música dub em várias camadas para utilizar de forma fragmentada na sua electrónica ligada mais ligado ao IDM. Ao sexto disco de originais o dub continua presente, mas aliado a este Pole vai recuperar algum hip hop, mas não o hip hop que habitualmente estamos habituados a ouvir. O que Pole faz é utilizar algumas das fórmulas do hip hop em ambientes onde electrónica abstracta, mas ao mesmo tempo minimal, tem primazia.

Pole funde pormenores mais ligados ao IDM com ambiências mais ligadas ao dub, com linhas de baixo sempre pesadas, e depois loops que podem ir de bater de palmas, a uma harmónica ou chuvas torrenciais. Mas a envolver a sua música está uma camada atmosférica, que prende a nossa atenção e que nos envolve, apesar de toda a estranheza que está inerente à música.

“Warum” abre o disco, onde se ouve sempre um beat que não ficaria mal numa música techno minimal, há uma guitarra que vai lançando acordes mínimos, sendo que por vezes o seu som é manipulado, ouvem-se palmas, e barulhinhos em feedback ou algo parecido. Tudo está aliado quase que arquitecturalmente. Já em “Winkelstreben” a batida que serve de base ao tema é seca e pesada, como se a pudéssemos ouvir numa música grime. Mas depois vem uma guitarra em distorção, sinos, uma sirene esmagada em constante repetição que também podem ser vozes manipuladas, e sempre uma toada atmosférica a envolver.

Em todas as faixas Pole vai variando no tipo de sons que se ouve. Há milhentos pormenores electrónicos que causam estranheza pela sua peculiaridade, sendo estes colocados em loop com sons mais orgânicos cortados em pequenas partes para depois colidirem uns com os outros. Assim Pole fez de Steingarten um dos discos do panorama electrónico a ouvir com atenção em 2007. (7,5/10)

A ouvir com especial atenção: "Warum"; "Winkelstreben"; "Jungs"

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Panda Bear - Person Pitch

2007-04-01T01:38:00.000+01:00

A residir em Lisboa, Panda Bear (aka Noah Lennox) mostra-nos a sua visão da capital portuguesa no seu maravilhoso novo disco a solo, Person Pitch. Depois de ter ultrapassado a morte do seu pai através do disco Young Prayer, Panda Bear decidiu neste novo registo deixar todos os instrumentos e concentrar-se na manipulação perfeita de samples. Durante dois anos Panda Bear recolheu samples vindos de todo o lado e de todos os géneros até que os juntou uns aos outros de forma a criar fabulosas canções que irradiam o sol de Lisboa, mas ao mesmo tempo um espírito solitário, que fez tudo sozinho, mas tendo sempre em mente a alegria de viver que encontrou por cá, com o nascimento da sua primeira filha.

Ainda antes de lançar Person Pitch já Panda Bear tinha editado alguns dos temas que aqui se fazem ouvir em formato single e desde logo sabíamos que estávamos perante uma obra maior, que se apoderava da folk ácida conhecida da banda de que faz parte, Animal Collective, mas também da luminosidade louca dos Beach Boys e de ecos de dub. Tudo emaranhado numa pop psicadélica que fascina a cada audição, sendo o ouvinte surpreendido a cada momento com pormenores aparentemente escondidos.

O disco abre com “Comfy in Nautica”, canção grandiosa, com Panda Bear a desafiar Brian Wilson na força das vocalizações. Em “Bros” Panda Bear quer atingir a perfeição, andando de carrossel, entrando no mundo das histórias de encantar, enquanto vê os carros passarem numa correria. Cada canção que por aqui se ouve tem mil e uma ideias encaixadas umas nas outras, manipulando Panda Bear tantos samples estranhos, mas que nos agarram de imediato.

“I’m Not” é a música preferida de Panda Bear. É etérea, flutua calmamente de manhã pelo rio Tejo na companhia dos seus amigos fantasmas que vão ecoando vozes cristalinas. “Good Girl/Carrots” começa com percussões tribais, pormenores electrónicos abstractos e com vozes a entrecortarem-se umas nas outras. Depois vem o caos e Panda Bear volta a cantar serenamente enquanto se um piano em loop. Mais à frente a música transforma-se nos Beach Boys cortados aos bocados e virados do avesso, com alguns ácidos à mistura. E da caixa de música infantil que se ouve no final passa-se para os ambientes densos do dub em “Search for Delicious”. Ouvem-se ecos de dub com efeitos sonoros a remeterem a um Fennesz.

Person Pitch é uma obra magna, com canções onde as ideias se atropelam umas nas outras, onde a riqueza melódica é imensa. Panda Bear mostrou-nos como é mais que possível criar algo de novo e fascinante com base nas musicas de outrem. (9/10)

A ouvir com especial atenção: "Comfy in Nautica"; "Bros"; "I'm Not"

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2 Anos

2007-04-01T01:18:00.000+01:00

E hoje este blog faz 2 anos. Parece que foi ontem, mas não, já por aqui ando há dois anos. Este último ano foi de mudança, vim para Lisboa, para a faculdade, sendo que esta mudança deu-me novas perspectivas, possibilitaram-me a ida a mais concertos, a conhecer mais pessoas, só coisas boas. Durante este último ano tenho continuado a colaborar no hiddentrack.net, além de ter começado a colaborar com o Disco Digital e entrevistei o Panda Bear para a Mondo Bizarre.
No entanto a vida de estudante universitário não me tem possibilitado escrever tanto como gostaria, ha por aí muita coisa boa a sair de que ainda não falei (discos novos dos !!!, Amon Tobin, Amy Winehouse, Battles, El-P, Electrelane, Modest Mouse, MSTRKRFT, Patrick Wolf, Wilco), mas não há tempo para tudo.
E nunca se esqueçam, oiçam, vivam, sintam a música, sem preconceitos.

Matt Elliott no Musicbox: O Mundo está Perdido

2007-03-26T16:32:00.000+01:00

Apesar no cansaço Matt Elliott revelou-nos o melhor de si no passado domingo no Musicbox, concerto este que serviu para apresentar o seu mais recente disco de originais , «Failing Songs». Na primeira parte esteve Manyfingers (ou Chris Cole) que foi uma incrível surpresa.
Passavam pouco das dez e meia da noite quando Manyfingers entra em palco. À sua volta estava uma parafernália de instrumentos, nunca parando um segundo o músico entre o sintetizador ou a bateria, passando ainda pela guitarra, acordeão e uma espécie de dulcimer. Aproveitando pequenas partes de cada um, ia acumulando os sons de cada instrumento em loop, manipulando os sons gravados em tempo real, surpreendendo com a sua electrónica algo abstracta e de cariz mais experimental.
Pouco depois foi a vez de Matt Elliott apresentar as suas canções deprimentes e revoltosas. Sempre sozinho em palco, mostrou-se num registo mais despido do que é habitual de se ouvir em disco, mas igualmente genial na sua forma de retratar a sua visão cruel do mundo actual. Pouco conversador e mostrando claros sinais de cansaço devido ao concerto no dia anterior no Porto, Matt Elliott envolveu o público que compunha o Musicbox no hipnotismo que a sua música transporta.
Entre as duas guitarras que o acompanhavam, mas por vezes também com uma flauta e uma escaleta, Matt Elliott desenvolveu o mesmo processo que Manyfingers. O músico ia gravando o que tocava, colocava os sons em loop, manipulava-os, cantava por cima, gravando também a voz para a sobrepor ao resto dos sons, fazendo-se ouvir ainda batidas pré-gravadas. Tudo se fundia numa perfeição desoladora e com grandes doses de melancolia.
Antes da primeira parte tocou «The Maid We Messed», tema que recupera o seu passado drum`n`bass nos Third Eye Foundation. Depois, respondeu ao pedido de um fã, tocando a sua melhor canção, a perturbadora e igualmente bela «The Kursk». Seguiu-se-lhe uma canção que foi abandonada a meio, devido a um engano de Matt Elliott, que já demonstrava algum cansaço. No entanto, este momento não enfraqueceu de alguma forma o concerto, em que Matt Elliott nos mostrou um mundo perdido em si mesmo. Belíssimo.

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Matt Elliott em Portugal

2007-03-23T18:54:00.000Z

Dia 25 de Março o grande músico Matt Elliott volta a Portugal. O ano passado brindou-nos com Failing Songs, segundo tomo de uma trilogia iniciada com a obra-prima Drinking Songs. Antes deste estreou-se a solo com The Mess We Made, pois a sua carreira já remonta aos Third Eye Foundation. Este domingo, no Musicbox, volta a actuar em Portugal e traz consigo uma vez mais o músico Manyfingers para a primeira parte, indo este apresentar certamente o disco editado o ano passado Our Worn Shadow.
Fiquem agora com o vídeo de uma das músicas mais aterradoramente belas de Matt Elliott, "The Kursk":

clube fórum sons @ left with dub, famous_grouse & mr. cookie

2007-03-22T19:20:00.000Z

"on the 22nd of the present month, left bar will be filled with soul|funk|reggae|dub|r'n'b|hip-hop|dubstep|beats|boggie|disco... mash-ups, edits, remixes, versions, originals... vinyl or cd, all from the record collection of dub, famous grouse & mr. cookie

for your pleasure

come and enjoy yourself"

Quando pessoas com um bom gosto musical incrível como o dub, famous_grouse e mr.cookie nos presenteiam com o melhor das suas colecções, só podemos agradecer! Acreditem que vai ser muito bom pois os gostos musicais dos djs não deixam enganar que só iremos ouvir música da melhor qualidade que há. Hoje a partir das 23h no Left, em Santos.

hit da breakz (dub)
last.fm famous_grouse
grooves clash (mr. cookie)
Left Bar

Entrevista Panda Bear @ Mondo Bizarre

2007-03-19T01:34:00.000Z

Encontra-se no site da Mondo Bizarre a entrevista que fiz recentemente ao músico Panda Bear, também baterista dos Animal Collective, a propósito do seu novo disco a solo, Person Pitch.
Espero que gostem. Aqui.

LCD Soundsystem - Sound of Silver

2007-03-13T01:45:00.000Z

Se existem génios nos tempos que correm, James Murphy é de certeza um deles.
Com a estreia homónima em 2005 os LCD Soundsystem fizeram as delícias de muitos com os típicos ritmos punk/funk da DFA, injectados de house, disco e electro um pouco por todo o lado. Alguma da melhor música das últimas décadas encontrava-se ali toda misturada em cada segundo de música, revestida sempre pelo brilhantismo de James Murphy que fundia tantas influências (que vão dos Talking Heads aos Kraftwerk, passando por um Brian Eno ou uns Gang of Four) de forma perfeita, fazendo desta a música mais actual do planeta.
O sucesso bateu-lhes à porta, tal como a Nike, para quem fizeram “45:33” (que na realidade tinha mais segundos, mas isso agora não interessa), tema distribuído no iTunes direccionado para joggers. Nesta música já poderíamos antever algumas coisas que estariam presentes no novo Sound of Silver: uma entrega ao space-disco infeccioso, o que só calha bem.
Este ano voltam com Sound of Silver e na abertura respiramos logo a space-disco. O início faz lembrar o melhor single da banda “Losing my Edge”, mas depressa voa para outros lugares. Isto é David Bowie numa pista de dança minimal, com percussões fortes e energéticas, sintetizadores que voam pelo tempo, desde o disco-sound até aos tempos de hoje.
Em “North American Scum” ouvimos um James Murphy político, debatendo-se sobre o que é ser um americano nos dias de hoje, com tudo o que isso implica. Um baixo bamboleante, uma batida em repetição constante, guitarras pós-punk e burburinhos electrónicos fazem deste tema o típico som dos LCD Soundsystem, daí ser o primeiro single.
Há desolação e tristeza devido a amizades perdidas em “All My Friends”, que conquista de imediato. Um piano às voltas de si mesmo como nas relações já perdidas, percussões nervosas, uma guitarra em feedback, tudo a lembrar algum krautrock. As Electrelane de certeza que aproveitariam bem alguns dos elementos aqui ouvidos. Mas depois o tema tem uma ambiência perfeita para as pistas de dança, tem uma bola de espelhos no meio de toda a desolação. Perfeita candidata a uma das melhores canções da banda.
Os cowbells regressam em grande em “Us vs. Them”. “The time has come today”, Murphy repete incessantemente e isto é mesmo o agora. Os sintetizadores vão-se avolumando no seu minimalismo hipnótico, as guitarras vão-se cortando nos momentos em que aparecem e depois há reminiscências do disco-sound e um tribalismo nas percussões nos minutos finais. Os Rapture que oiçam bem o que andaram a desperdiçar, porque isto é demasiado bom.
O tema que dá nome ao disco volta a atacar em força no space-disco. As vozes lembram algum disco, o baixo é demolidor, casa-o com batidas pesadas do techno, ecos fantasmagóricos, pianos, sintetizadores borbulhantes que largam electro e mais uma série de pormenores electrónicos que não acabam. E no final os cowbells que ficam sempre bem.
No fim “New York, I Love You But You're Bringing Me Down”, ode de amor de ódio à boa maneira de um Lou Reed a Nova Iorque, metrópole que está sempre presente na música dos LCD Soundsystem.

A música é o passado, o presente e o futuro. James Murphy sabe-o melhor que ninguém. Sound of Silver é a perfeição entre estes espaços temporais. (9,5/10)

A ouvir com especial atenção: "All My Friends"; "Us Vs. Them"; "Sound of Silver"

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Animal Collective - Hollinndagain

2007-03-07T21:44:00.000Z

Em 2002 Hollinndagain teve uma tiragem de apenas 300 cópias em vinil, mas no final de 2006 já foi editado em cd e em maior número. Tal justifica-se pelo número cada vez maior de fãs que os Animal Collective têm amealhado, principalmente com os seus dois últimos registos de originais, Sung Tongs (2004) e Feels (2005).
Hollinndagain é um registo ao vivo da banda em 2001, altura em que andavam em digressão com os Black Dice, sendo que este registo capta a banda nos estúdios WFMU, mas também por Nova Iorque, Nashville e Austin.
Esta era uma altura em que a sonoridade dos Animal Collective se brindava por ambientes mais próximos do noise claustrofóbico e agressivo, fugindo a sete pés do que é uma canção. “I See You Pan” abre o disco e os primeiros cinco minutos da música são destroços e lixo a acumularem-se dentro de um computador, já a segunda parte está recheada de vozes em eco hipnótico, acompanhados de sons vindos de um computador enfrascado em alucinogénicos. Dez minutos de desvarios sonoros podem ser demais para certos ouvidos, mas por aqui percebemos como eram os Animal Collective no seu início.
As vozes em eco continuam no tema seguinte, “Pride and Fight”, até que a guitarra e bateria explodem em loucura noise, mas a bateria logo desaparece, ficando a guitarra minimal ao longo dos 11 minutos de duração da música, mais uma série de sons noise sintéticos. Sente-se repulsa e entrega pelos ambientes sobrenaturais que os Animal Collective produzem. Isto é levar ao limite os padrões da música, o que acaba por ser sempre desconfortável para quem não está habituado a tal. “Forest Gospel” é das músicas mais agressivas que já se ouviu dos Animal Collective. As percussões espancam-nos sem piedade, instalam-se dentro do nosso corpo com o intuito de tudo destruir.
Em todos os restantes temas nota-se nos Animal Collective uma vontade de experimentar tudo, talvez sem saberem exactamente o que estavam a fazer, mas apenas dando azo à imaginação imparável dos seus membros. Há distorção da música, há ambientes sinistros, há fúria. Mas, acima de tudo, há experiências.
Existem claras diferenças entre os Animal Collective de 2001 e os de 2006. Não há que ignorar, no entanto, que Hollinndagain foi um elemento experimental essencial para que os Animal Collective se tornassem num dos projectos mais estimulantes dos últimos anos. (7/10)

Texto publicado no hiddentrack.net

Animal Collective - People EP

2007-03-02T13:26:00.000Z

Enquanto não chega um novo registo de originais, os Animal Collective brindam-nos com um novo EP, de nome People. Nele estão contidos três temas originais que foram gravados aquando do muito aclamado Feels, mas que depois não entrou neste, mas um gravado ao vivo.
O tema homónimo que abre este EP é tudo aquilo a que os Animal Collective nos têm habituado, um tema onde se ouvem pianos celestiais, guitarras hipnóticas em loop constante e um refrão tresloucado, que se resume ao canto de “yeah yeah yeah” e ao grito estridente de “people”. São 6 minutos de puro deleite sonhador e insano. O segundo tema, “Tikwid” segue a mesma linha do excelente “Grass” (do anterior disco). É um exemplo duma música pop dos Animal Collective sem o parecer, canta-se em tom inocente, as percussões são irrequietas, pianos a correrem sem destino por cima de mesas de cristal, enquanto que as guitarras também andam sem rumo aparentemente definido.
Em “My Favorite Colors” os Animal Collective decidiram apostar nos efeitos vocais, sendo este um tema onde as vozes se desdobram e se fundem sem nexo (não é negativo) em menos de dois minutos. O EP termina com uma versão ao vivo (gravada num concerto em Bóston) do já referido “People”.
Três belos temas originais que vêm só confirmar que os Animal Collective são dos projectos mais estimulantes que pudemos ouvir nos últimos anos, fazendo este EP aumentar ainda mais as expectativas para o sucessor do genial Feels.

Publicado no hiddentrack.net

DJ Battle - Rádio Oxigénio

2007-03-02T01:37:00.000Z

Às 17h de hoje, sexta-feira 2 de Março, participarei na DJ Battle da Rádio Oxigénio. 5 músicas à minha escolha, mandar uns bitaites e divertir-me um pouco. Como DJ Battle que é, a minha "adversária" será a Joana (do blog Desumanos), que outras 5 músicas vai passar. Oiçam em 102.6 ou no site da Oxigénio - www.oxigenio.fm - e votem no que gostarem mais. Boa disposição, prazer em partilhar música e algum nervosismo vão estar presentes. Espero que gostem!